戏曲

淮剧
百科名片
   淮剧经典剧目柜中缘戏曲剧种，又名江淮戏。源于清代，流行于江苏省、上海市和安徽省部分地区。清代中叶,江苏盐城、阜宁、淮安、清江市一带,民间流行着一种由农民号子和田歌“儴儴腔”、“栽秧调”发展而成的说唱形式“门叹词”，形式为一人单唱或二人对唱称之为二可子,仅以竹板击节。后与苏北民间酬神的“香火戏”结合演出。之后，又受徽戏和京剧的影响，在唱腔、表演和剧目等方面逐渐丰富，形成了淮剧。

目录

发展
艺术特色语言
音乐
角色行当简介
三二三花脸
老少父母旦
流派纷呈
剧目简介
经典剧目
淮剧唱腔主调
声调发展
曲体结构
发展
艺术特色 语言
音乐
角色行当 简介
三二三花脸
老少父母旦
流派纷呈
剧目简介
经典剧目
淮剧唱腔 主调
声调发展
曲体结构
展开 编辑本段发展
　　最初的淮剧，多为民间生活小戏，其主要唱调是在“门叹词”、“香火调”和部分民歌小曲基础上发展而成的淮调（后称老淮调）。后受徽戏和京戏影响，移植演出了一些表现历史生活的大戏,因需扎靠、打把子,故称“靠把戏”。在唱腔上，相应吸收了徽戏的唱腔加以变化，创造了“靠把调”（又称老徽调）。早期淮剧以“老淮调”和“靠把调”为主，唱腔基本上是曲牌联缀结构，未采用管弦乐器伴奏。1930年前后，戴宝雨、梁广友、谢长钰等人，又在“香火调”的基础上，开始创作了采用二胡伴奏的一些新调，因二胡用琴弓拉奏，故名“拉调”。“拉调”唱腔在板式变化上有新的丰富和发展，加之此时出现了李玉花、董桂英等第一批女演员，使淮剧的表演艺术得到了较大的提高，流动地区也从盐城、阜宁、淮安一带，逐步扩大而流布江苏全省。 　　1912年，淮剧艺人何孔德、何孔标、陈达三等，把淮剧带到上海演唱。1939年，著名演员筱文艳在“拉调”等唱腔的基础上,新创出“自由调”,使淮剧唱腔大大地增强了表现力。之后，名演员何叫天又创出了“连环句”唱调，进一步丰富了“自由调”。在苏北抗日根据地，1942年成立了盐阜文工团等文艺演出团、队，建立了“淮戏研究组”,不但创作演出了反映人民革命斗争的现代戏,也新创了“新淮调”、“新悲调”等唱腔,并吸收扬州“小开口”（见扬剧）的一些曲子，使淮剧唱腔更加丰富起来。淮剧唱腔除以上主要唱调外，尚有〔南昌调〕、〔淮悲调〕、〔春调〕、〔十字调〕、〔下河调〕、〔叶子调〕等腔调，以及部分来自民歌、小曲的调子，如〔磨房调〕、〔补缸调〕、〔跳槽调〕、〔八段锦〕、〔蓝桥调〕等。伴奏乐器有二胡、三弦、扬琴、笛、唢呐等；打击乐器有扁鼓、苏锣、铙钹、堂锣等。在盐阜“花鼓锣”、“僮子锣”、“麒麟锣”基础上发展起来的一整套伴唱锣鼓，具有鲜明的艺术特色。
编辑本段艺术特色
语言
　　  《牙痕记》
淮剧语言是以今建湖县的方言为基调，并兼顾附近的淮安、盐阜 　　  春草闯堂
等地方言而戏曲化的一种舞台语言。建湖县地处淮剧艺术发祥地的中段，历史上的僮子、香火戏艺人大多出生于 此。该地的语言与周围地区相比，具有语调 工稳、四声分明、五音齐全、富于韵味、发音纯正、悦耳动听等优点，为不同时期的淮剧艺人所采用。1961年，淮剧艺术考定委员会界定淮剧语言以建湖县方言语音为基调，同时适当吸收周围地区具有普遍意义的个别字音加以丰富。 　　淮剧语言在长期的实践中逐步形成了20个韵部。其中四声韵14个，即爬沙、婆娑、图书、愁收、乔梢、开怀、齐西、谈山、田仙、辰生、琴心、垂灰、常商、蓬松。实际运用中，通常将“辰生”和“琴心”混合使用。14个四声韵中，阴平、阳平字因在唱词中专用于下句，故称为下韵；上声、去声字专用于上句，则称之为上韵。此外，还有6个入声韵，即霍托、活泼、六足、黑特、邋遢、锅铁。入声不分上、下，习惯称之为“一字韵”。
音乐
　　淮剧唱腔的曲体结构，系从原无伴奏高腔音乐系统演化为戏曲化、抒情性的板腔音乐体系。香火戏时期主要唱腔《香火调》、《淮蹦子》，分别源于我市境内门弹词、“僮子腔”和清江、淮安、宝应地区的田歌、号子等。由于历代艺人的不断吸收创造，到30年代末，淮剧逐步形成《拉调》、《淮调》、《自由调》三大主调。围绕三大主调而派生的曲牌有《叶子调》、《穿十字》、《南昌调》、《下河调》、《淮悲调》、《大悲调》等数十首。与此同时，从民间小调中吸收并衍化成戏曲唱腔的还有《兰桥调》、《八段锦》、《打菜台》、《柳叶子调》、《拜年调》等160多首。这些曲调除部分民间小调外，其主调的调式、调性都较相近，结构形式亦完整统一。 　　淮剧的打击乐是在《香火调》锣鼓的基础上，广泛吸取了民间《麒麟锣》、《花鼓锣》等，经过衍变，形成了淮剧特有的锣鼓谱。此外，以扁鼓、铙钹、堂鼓组合而成的打击乐器配置，音色浑厚，色调明 　　  著名淮剧表演艺术家梁国英
朗粗犷。 　　淮剧的唱腔音乐属板腔体，以[淮调]、[拉调]、[自由调]为三大主调。[淮调]高亢激越，诉说性强，大多用于叙事。拉调委婉细腻，线条清新，适用于抒情性的场景；[自由调]旋律流畅，可塑性大，具有综合性的表现性能。围绕三大主调而派生出来的一些曲调，如一字腔、叶字调、穿十字、南昌调、下河调、淮悲调、大悲调等，以及从民间小调演化的[蓝桥调]、[八段锦]、[打菜苔]、[柳叶子调]、[拜年调]等，都有各自表现性能的辅助曲调。各种曲调共一百多个，其主调的调式调性相近，基本为徵调式、商调式、羽调式三种类型，并均有完整的起、落板与丢、接板的结构形式，它们又和淮剧特有的伴唱锣鼓相连。 　　在声调的发展上，随表现内容的不断更新，淮剧的流派唱腔也出现了纷呈并茂的繁荣景象。早在淮调和〔呵大咳〕形成阶段（甚至在香火戏阶段），因为语言等因素，主体曲调就有东、西路派系之分。东路唱腔富于旋律，音调纯和；西路唱腔近似口语化，短促强硬。建国后，流行在江南的淮剧以自由调为主体贯串发展，清新明快；而苏北的淮剧，仍然保持以淮调、拉调为主要发展线路的做法，乡土气息甚浓。不少有成就的淮剧著名演员，从这些不同声腔体系中创造新腔，如筱派（筱文艳）、马派（马麟童）的自由调，李派（李少林）的拉调（闪板），何派（何叫天）的拉调（叠句、连环句）等。 　　  淮剧新秀邱海东陈丽娟
淮剧的伴奏乐器、管弦乐有二胡、三弦、扬琴、笛、唢呐等，打击乐器有扁鼓、苏锣、铙钹、堂鼓等。打击乐在香火戏锣鼓基础上吸收麒麟锣、盐阜花鼓锣等民间锣鼓演变而成，现有[起板锣鼓]、[十字锣]、[蓝桥锣]、[磨坊锣]、[散板锣]、[掼板锣]、[慌锣]和配合身段表演的[清江谱]等。 　　淮剧表演上素称能时、能古、能文、能武，由于曾与徽剧、京剧同台演出，所以它较多地吸收了两个剧种的表演程式，同时又保持了民间小戏和说唱艺术的某些特色，如以唱功见长等。武打受徽剧影响较深。徐长山演《滚灯》，头顶一叠碗（最上面一只碗盛油点灯）钻桌上凳作劈叉、倒立、乌龙搅等动作；其它如耍盘子、耍火流星、耍手帕、踩木球等杂技，也大多从徽戏吸收而来。
编辑本段角色行当
简介
　　  《太阳花》梁国英领衔主演
淮剧的角色行当有生、旦、净、丑，各行又有分支。如生行分老生、小生、红生、武生，旦行分青衣、花衫、老旦、彩旦、闺门旦等。 　　早期的三可子，只有小生、小旦、小丑三个行当。后来受徽剧、京剧影响，才逐渐有所发展，有大二三花脸，老少父母旦之说。但也并非全部严格分行。如小生演员，也能唱老生、丑行。花旦演员，也能唱青衣、武旦。很多演员都是一专多能，文武双全。少数全能的演员，能担任淮剧所有行当的角色。
三二三花脸
　　三二三花脸即大花脸、二花脸、三花脸。 　　大花脸一般都扮演较有身份的帝王将相角色。有以唱为主的。如《鞭断人》的尉迟恭。有以做为主的，如《封神榜》的纣王。还有一种专演白脸的奸臣，如《打严嵩》的严嵩等，此类角色阴险狡诈，狠毒奸恶，多以说白取胜，淮剧界称之为粉脸。 　　二花脸一般都是扮演较有武功的人物，如《汴梁图》 　　  淮剧名伶裔小平
的郭燕威等，身份较高，穿靠披甲，偏重刀枪把子，属油二花脸。《嘉兴府》的马快等地位较低，箭衣短打，长于跌滚翻打，为摔打二花脸。还有一种擅演跳判的花脸，如《探阴山》的判官等，被称为做子花脸。 　　三花脸亦称小花脸，即小丑。文的如《活捉》的张文远，要求口齿清楚，诙谐幽默。武的如《盗杯》的杨香武，讲究身手矫健，灵活自如。也有些彩旦角色，如《金钗记》的老王婆。、
老少父母旦
　　老少父母旦指的是老生、老旦、小生、小旦四个行当。 　　老生，凡年长的男性角色都包括在内。有以唱取胜的，如《白虎堂》的杨延昭。有以做为主的，如《扫松下书》的张广才。还有以身份区分的，如《小琵琶》的蔡崇监，被称为贫苦老生。《琵琶寿》的王廷玉，则称为袍带老生。还有需要具备基本武功技巧的一类角色。如《开封告状》中身份较低的田忠，称为摔掼老生。另外，《赞貂》的关羽，《秦香莲》的包拯等开红、黑脸谱的角色，在淮剧中，一般也都由老生应行。 　　老旦，凡年长的女性角色，全归老旦行当。偏重于唱的，如《探寒窑》的王母。较重于做的，如《清风亭》的贺氏等。 　　小生则扮演年轻的男性角色。包括文弱儒雅的文小生，如《郑巧姣》的桂中必等。武小生，如《白蛇传》的鹤童等。文武兼备的文武小生，如《牙痕记》的王金龙等。 　　淮剧中有许多家境贫困、命运坎坷的小生角色，如《珍珠塔》的方卿， 　　  《九件衣》图片
《合同记》的王清明等，一般都以大段唱词见长。还有一种小生角色，风流潇洒，谈情说爱，如《访友》的梁山伯，《罗英访贤》的罗英等，表演时较为轻松活泼。为与其他较严肃的角色相区别，化妆时在额间多抹一滴红油彩，俗称一滴油生。 　　小旦，凡年轻的女性角色，均归小旦应工。其中有比较庄重的青衣，如《探寒窑》的王宝钏，《孝灯记》的王月英等。有比较活泼的花旦，如《汗衫记》的马姣鸾，《分裙记》的梁赛金等。还有较重于武打的武旦，如《打焦赞》的杨排风等。
编辑本段流派纷呈
　　  著名淮剧表演艺术家何叫天
  淮剧八大流派人物图片
淮剧流派有“筱派旦腔”、“何派生腔”、“李派旦腔”、“马派自由调”、“徐派老旦”、“周派生腔”、“杨派生腔”、“李派生腔”八大流派。分别是淮剧名家筱文艳、何叫天、李玉花、马麟童、徐桂芳、周筱芳、杨占魁、李少林在长期的艺术实践中形成和发展的淮剧艺术流派。 　　左图为八大流派人物（其中图7为李派玉花之子潘凤岭先生）
编辑本段剧目简介
　　“对子戏”和“三小戏” 形成于香火戏初期，有《小打瓦》、《种大麦》、《大补缸》、《磨豆腐》等。内容简单纯朴，语言诙谐风趣，生活气息浓郁，具有鲜明的民族风格和地方特色，但尚属说唱范畴的民间生活小戏。 　　  省淮新编传统戏《孟丽君》
“九莲”、“十三英”和“七十二记” 它们中多半源于对徽戏剧目的移植，有的属于不同剧种的共有剧目，也有是自编剧目。“九莲”、“十三英”皆为剧中主要角色命名的剧目，“七十二记”是以各种传奇故事而定名。它们有实词和专有曲调，有一定表演程式，并有生、旦、净、末、丑等角色的分行，已初具戏剧的形式。其内容多为反对暴政，抨击见利忘义，歌颂男女之间的真挚情爱。同期，还曾出现过“四大奇案剧”，即《丁黄氏》、《急拿王 兆》、《药茶记》和《鸭汤记》，都是根据境内发生的真人真事编演而成。 　　  荣获殊荣影响深远的《奇婚记》
幕表连台本戏 始于二十年代，曾盛行一时。主要有《杨家将》、《岳飞》、《飞龙传》、《日月圆》、《安邦定国志》、《封神榜》、《七国志》、《孟丽君》、《郑巧娇》、《乾隆传》、《彭公案》、《施公案》等。这些剧目大多根据历史传说和民间故事改编，有些剧目在流行演出中固定下来，成为后来淮剧的保留剧目。 　　本头戏有《三女抢板》、《舍妻审妻》等，出现于40年代前后，并延续至今。 　　现代戏始于抗日战争时期。至1987年，先后创作演出了数以千计的剧目。其中《照减不误》、《渔滨河边》、《一家人》、《海港的早晨》、《打碗记》、《路魂》、《离婚记》、《红灯照》、《奇婚记》等，代表不同时期淮剧现代戏剧创作演出水平，影响深远。 　　  建湖淮剧团《剃头匠与理发师》
早期淮剧以老淮调和靠把调为主，唱腔基本是曲牌联缀结构，未采用管弦乐器奏。1930年前后，戴宝雨、梁广友、谢长钰等人，又在香火调的基础上，采用二胡伴奏新调，因二胡用琴弓拉奏，故名拉调。1912年，何孔德、陈达三等把淮剧带到上海。何叫天又创出连环句唱调，进一步丰富了自由调。
编辑本段经典剧目
　　淮剧的经典剧目：早期有生活小戏《对舌》、《赶脚》、《巧奶奶骂猫》等，大戏“九莲十三英”（即《秦香莲》、《蓝玉莲》等9本带“莲”字的戏和《王二英》、《苏迪英》等13本带“英”字的戏）；淮剧传统经典剧目有《赵五娘》、《莲花庵》、《孔雀东南飞》、《孟丽君》、《打金枝》、《牙痕记》（又名《安寿保卖身》）、《血手印》、《玉杯缘》、《吴汉三杀》、《九件衣》（又名《嫁衣血案》）、《哑女告状》、《恩仇记》、《柜中缘》、《白蛇传》、《李翠莲》、《岳飞》、《团圆之 　　  淮剧《太阳花》图片
后》、《蓝桥会》、《千里送京娘》、《状元袍》、《官禁民灯》以及清宫戏《蓝齐格格》等颇有影响。 　　以上海淮剧团为代表，以《金龙与蜉蝣》为标志，都市新淮剧的旗号在戏剧界引起很大凡响。 　　江苏省淮剧团的《太阳花》、《一江春水向东流》，《唢呐声声》盐城市淮剧团的《十品村官》，建湖淮剧团的《剃头匠与理发师》等淮剧现代剧也深受观众喜爱。 　　淮剧界有梁伟平 梁国英 王书龙 陈澄四位演员获得过中国戏剧梅花奖。 　　近年来淮剧《太阳花》入围全国精品工程，《一江春水向东流》、《诺言》荣获省舞台精品工程。
编辑本段淮剧唱腔
主调
　　淮剧的唱腔音乐属板腔体，以[淮调]、[拉调]、[自由调]为三大主调。[淮调]高亢激越，诉说性强，大多用于 　　  淮剧精品工程《诺言》图片
叙事。拉调委婉细腻，线条清新，适用于抒情性的场景；[自由调]旋律流畅，可塑性大，具有综合性的表现 　　性能。围绕三大主调而派生出来的一些曲调，如一字腔、叶字调、穿十字、南昌调、下河调、淮悲调、大悲调等，以及从民间 　　小调演化的[蓝桥调]、[八段锦]、[打菜苔]、[柳叶子调]、[拜年调]等，都有各自表现性能的辅助曲调。各种曲调共一百多个，其主调的调式调性相近，基本为徵调式、商调式、羽调式三种类型，并均有完整的起、落板与丢、接板的结构形式，它们又和淮剧特有的伴唱锣鼓相连。
声调发展
　　在声调的发展上，早期淮剧以老淮调和靠把调为主，唱腔基本是曲牌联缀结构，未采用管弦乐器奏。1930年前后，戴宝雨、梁广友、谢长钰等人，又在香火调的基础上，采用二胡伴奏新调，因二胡用琴弓拉奏，故名拉调。1912年，何孔德、陈达三等把淮剧带到上海。何叫天又创出连环句唱调，进一步丰富了自由调随表现内容的 　　  淮剧《一江春水向东流》
不断更新，淮剧的流派唱腔也出现了纷呈并茂的繁荣景象。早在淮调和〔呵大咳〕形成阶段（甚至在香火戏阶段），因为语言等因素，主体曲调就有东、西路派系之分。东路唱腔富于旋律，音调纯和；西路唱腔近似口语化，短促强硬。建国后，流行在江南的淮剧以自由调为主体贯串发展，清新明快；而苏北的淮剧，仍然保持以淮调、拉调为主要发展线路的做法，乡土气息甚浓。不少有成就的淮剧著名演员，从这些不同声腔体系中创造新腔，如筱派 （筱文艳）、马派（马麟童）的自由调，李派（李少林）的拉调（闪板），何派（何叫天）的拉调（叠句、连环句）等。
曲体结构
　　淮剧唱腔的曲体结构，系从原无伴奏高腔音乐系统演化为戏曲化、抒情性的板腔音乐体系。香火戏时期主要唱腔《香火调》、《淮蹦子》，分别源于我市境内门弹词、“僮子腔”和清江、淮安、宝应地区的田歌、号子等。由于历代艺人的不断吸收创造，到30年代末，淮剧逐步形成《拉调》、《淮调》、《自由调》三大主调。围绕三大主调而派生的曲牌有《叶子调》、《穿十字》、《南昌调》、《下河调》、《淮悲调》、《大悲调》等数十首。与此同时，从民间小调中吸收并衍化成戏曲唱腔的还有《兰桥调》、《八段锦》、《打菜台》、《柳叶子调》、《拜年调》等160多首。这些曲调除部分民间小调外，其主调的调式、调性都较相近，结构形式亦完整统一。 　　淮剧的打击乐是在《香火调》锣鼓的基础上，广泛吸取了民间《麒麟锣》、《花鼓锣》等，经过衍变，形成了淮剧特有的锣鼓谱。此外，以扁鼓、铙钹、堂鼓组合而成的打击乐器配置，音色浑厚，色调明朗粗犷。

黄龙戏　　黄龙戏，吉林省地方剧种，是农安县创作的地方戏曲新剧种，因农安曾是辽代有名的黄龙府而得名，黄龙戏产生之初，只有小生、小丑、小旦三行。后在实践中，充实了刀马旦、老生和老旦。音乐主要分生、旦、丑行当唱腔、表演及化妆、服装等基本上依照京剧的路子。 　　黄龙戏诞生于1959年，她是以东北皮影 戏音乐为基调。并吸收民间音乐而形成的具有浓郁的地方特色和广泛群众基础的新剧种。1958年12月，农安县文化主管部门根据吉林省文化局关于创地方新剧种的指示精神，决定创建本地戏曲剧种，1959年1月编演了大型剧目《樊梨花》，次年9月公演时获好评，新剧种受到肯定，1960年9月命名黄龙戏。 　　自上世纪80年代 初到90年代中期，由农安县剧团排演的《无事生非》、《风雨菱花》、《魂系黄龙府》、《鹰格夫人》等大型剧目，曾在中国第二届戏剧节、全国地方戏曲汇演，布拉格国际舞台美术展览活动中共获20个奖项，黄龙戏因此而声名远播。 　　黄龙戏属农客观存在地方戏剧种，因产生于古城黄龙府而得名。它的唱腔音乐以当地流行的“本地皮影”为基调，吸收了东北大鼓、太平鼓和民间小调的精华，融为一家，形成独具特色和唱腔的“民族瑰宝”---黄龙戏。黄龙戏的内容主要反映辽金时期历史人物在黄龙府一带的活动，听起来字正腔圆，有板有眼，极具表现力，其中四大剧目《魂系黄龙府》、《大漠钟声》、《圣明楼》、《摩托格夫人》曾多次在全国获大奖，也是其代表作。

昆曲
百科名片
昆曲是发源于14、15世纪苏州昆山的曲唱艺术体系，揉合了唱念做表、舞蹈及武术的表演艺术。现在一般亦指代其舞台形式昆剧。昆曲以鼓、板控制演唱节奏，以曲笛、三弦等为主要伴奏乐器，主要以中州官话为唱说语言。昆曲在2001年被联合国教科文组织列为“人类口述和非物质遗产代表作”。 明朝汉族音乐以戏曲音乐为主。明代人称南戏为《传奇》。明以后，杂剧形渐衰落，《传奇》音乐独主剧坛，兼收杂剧音乐，改名昆曲。

目录

简介
溯源
分布
曲牌
台词
剧目
门派
声腔
行当
伴奏
剧团
名家魏良辅
俞振飞
田瑞亭
王瑾
单雯
白先勇
名段单刀会·训子
单刀会.刀会
不伏老·北诈
东窗事犯·扫秦
西游记·撇子
西游记·认子
西游记·思春
莲花宝筏·北饯
西游记·胖姑
西游记·借扇
传承
福建昆曲发展史简介
溯源
分布
曲牌
台词
剧目
门派
声腔
行当伴奏剧团名家
魏良辅 俞振飞 田瑞亭 王瑾 单雯 白先勇名段
单刀会·训子 单刀会.刀会 不伏老·北诈 东窗事犯·扫秦 西游记·撇子 西游记·认子 西游记·思春 莲花宝筏·北饯 西游记·胖姑 西游记·借扇传承福建昆曲发展史展开 编辑本段简介
　　2001年5月18日，联合国教科文组织在巴黎宣布第一批“人类口头和非物质遗产代表作”（名单，共有19个申报项目入选，其中包括中国的昆曲艺术，中国成为首次获此殊荣的19个国家之一。 　　发源于江苏昆山至今已有600多年历史的昆曲被称为“百戏之祖，百戏之师”，许多地方剧种，像晋剧、蒲剧、上党戏、湘剧、川剧、赣剧、桂剧、邕剧、越剧和广东粤剧、闽剧、婺剧、滇剧等等，都受到过昆剧艺术多方面的哺育和滋养。 　　昆曲，原名“昆山腔”或简称“昆腔”[1]，是我国古老的戏曲声腔、剧种，清代以来被称为  《梁山伯与祝英台》昆曲剧照
“昆曲”，现又被称为“昆剧”。昆曲是我国传统戏曲中最古老的剧种之一，也是我国传统文化艺术，特别是戏曲艺术中的珍品，被称为百花园中的一朵“兰花”。 　　昆曲早在元末明初之际（14世纪中叶）即产生于江苏昆山一带，它与起源于浙江的海盐腔、余姚腔和起源于江西的弋阳腔，被称为明代四大声腔，同属南戏系统。 　　明朝中叶至清代中叶戏曲中影响最大的声腔剧种，很多剧种都是在昆剧的基础上发展起来的，有 “中国戏曲之母”的雅称。昆剧是中国戏曲史上具有最完整表演体系的剧种，它的基础深厚，遗产丰富，是我国民族文化艺术高度发展的成果，在我国文学史、戏曲史、音乐史、舞蹈史上占有重要的地位。 　　昆曲的伴奏乐器，以曲笛为主，辅以笙、箫、唢呐、三弦、琵琶等（打击乐俱备）。昆曲的表演，也有它独特的体系、风格，它最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而和谐。在语言上，该剧种原先分南曲和北曲。南昆以苏州白话为主，北昆以大都韵白和京白为主。该剧种于2001年5月18日被联合国教科文组织命名为“人类口述遗产和非物质遗产代表作”称号。
编辑本段溯源
　　昆曲形成的历史，可谓源远流长，它起源于元朝末年的昆山地区，至今已有六百多年  昆曲《秋江》剧照
的历史。宋、元以来，中国戏曲有南、北之分，南曲在不同地方唱法也不一样。元末，顾坚等人把流行于昆山一带的南曲原有腔调加以整理和改进，称之为“昆山腔”，为昆曲之雏形。明朝嘉靖年间，杰出的戏曲音乐家魏良辅对昆山腔的声律和唱法进行了改革创新，吸取了海盐腔、弋阳腔等南曲的长处，发挥昆山腔自身流丽悠远的特点，又吸收了北曲结构严谨的特点，运用北曲的演唱方法，以笛、箫、笙、琵琶的伴奏乐器，造就了一种细腻优雅，集南北曲优点于一体的“水磨调”，通称昆曲。 　　昆山人梁辰鱼，继承魏良辅的成就，对昆腔作进一步的研究和改革，让昆曲以清唱的形式出现，终于使昆腔在无大锣大鼓烘托的气氛下能够清丽悠远，旋律更加优美；对伴奏乐器改革原来南曲伴奏以箫、管为主要乐器，为了使昆腔的演唱更富有感染力，他将笛、管、笙、琴、琵琶、弦子等乐器集合于一堂，用来伴奏昆腔的演唱，获得成功。隆庆末年，他编写了第一部昆腔传奇《浣纱记》。这部传奇的上演，扩大了昆腔的影响，文人学士，争用昆腔创作传奇，习昆腔者日益增多，尤以歌妓为主。历史上有名的陈圆圆就会唱昆曲。
编辑本段分布
　　由于昆班的广泛演出活动，万历末年，昆曲经扬州传入北京、湖南，跃居各腔之首，  昆曲《牡丹亭》
成为传奇剧本的标准唱腔：“四方歌曲必宗吴门”。明末清初，昆曲又流传到四川、贵州和广东等地，发展成为全国性剧种。昆曲的演唱本来是以苏州的吴语语音为载体的，但在传入各地之后，便与各地的方言和民间音乐相结合，衍变出众多的流派，构成了丰富多彩的昆曲腔系，成为了具有全民族代表性的戏曲。至清朝乾隆年间，昆曲的发展进入了全盛时期，从此昆曲开始独霸梨园，绵延至今六、七百年，成为现今中国乃至世界现存最古老的具有悠久传统的戏曲形态。 　　昆山腔开始其流布区域，开始只限于苏州一带，万历年间，以苏州为中心扩展到长江以南和钱塘江以北各地，并逐渐流布到福建、江西、广东、湖北、湖南、四川、河南、河北各地，万历末年还流入北京，到了清代，由于康熙喜爱昆曲，更使之流行。这样昆山腔便成为明代中叶至清代中叶影响最大的声腔剧种。 　　据学者研究称，“昆曲所代表的美学趣味虽然明显是南方的，尤其是江南地区的，但是其文化身份却并不属于一时一地，它凝聚了中国广大地区文人的美学追求以及艺术创 造。正是由于它是文人雅趣的典范，才具有极强的覆盖能力，有得到广泛传播的可能，并且在传播过程中，基本保持着它在美学上的内在的一致性。”
编辑本段曲牌
　　昆曲的音乐属于联曲体结构，简称“曲牌体”。它所使用的曲牌，据不完全统计，大约有一千种以上，南北曲牌的来源，其中不仅有古代的歌舞音乐，唐宋时代的大曲、词调，宋代的唱赚、诸宫调，还有民歌和少数民族歌曲等。它以南曲为基础，兼用北曲套数，并以“犯调”、“借宫”、“集曲”等手法进行创作。 　　曲牌是昆曲中最基本的演唱单位。全国共有300多种戏曲曲种，在音乐体系上分为两种：板腔体和曲牌体。绝大多数剧种是板腔体，少数是曲牌体。而昆曲的曲牌体是最严谨的。据民国年间的曲学大师吴梅统计南曲曲牌有4000多个，北曲曲牌有1000多。常用的也仅200多个。最流传的南曲曲牌如《游  昆曲《玉簪记》
园》中的【步步娇】，【皂罗袍】，【好姐姐】、《琴挑》中的【懒画眉】，【朝元歌】。这两出戏也是用来为男女演员打基础的。故昆曲中有女学《游园》，男学《琴挑》的说法。 　　北曲,"端正好"，"新水令"，"醉花荫"，"点绛唇"，"粉蝶儿"，"斗鹌鹑"，"一枝花"，"集贤宾"，等八套。昆曲中在应用曲牌时构成联套，（又称套数）通过联套的选用、调剂、对比组成一个整本大戏的音乐和文学结构，基本上一出戏是一个套数。 　　曲牌的音乐结构和文学结构是统一的。由于曲牌是由词发展而来，又称词余，在文字上是长短句式，写作就是填词。一个曲牌有多少字，几句，每个字的平仄声，都有规定。而且重要的词位严格到仄声中应有上(∨)，去(\ )之别。如不根据平仄声就要形成倒字，很难谱曲和演唱。这也是写作和演唱昆剧难度很高的一个原因。 　　昆曲演唱的特点是"以字行腔"，腔跟字走、在演唱上也有一定的腔格，不同于其它戏曲可以根据演员个人条件随意发挥，而是有严格的四定：定调、定腔、定板、定谱。
编辑本段台词
　　必要合律。南曲有《南词全谱》《南词新谱》等；北曲有《太和正音谱》、  昆曲《凤凰山·百花赠剑》
《北词广正谱》等。每首词必须要依谱填词。 　　可能有人会认为平仄不合没关系，字数合就行了，其实不然，平仄倘不对，待依定腔拍定工尺后，必会出现倒字、不合本调的毛病，此为词曲家大忌。 　　众所周知昆曲格律谱是昆曲填词的依据，明末清初涌现出来的蒋孝谱、沈词隐谱、沈自晋谱、徐子室、钮少雅谱、李玉谱等等为昆曲南北曲牌划定了基本格律，从而确保了昆曲迅速发展，成为了全国性的剧种。 　　昆曲与流行曲目的结合.。昆曲和流行音乐的首次结合是在王力宏的《盖世英雄》专辑里面出现的。 　　1.《在梅边》 　　2.《花田错》 　　3.《盖世英雄》 　　这不仅是流行音乐的里程碑，也让昆曲让青年人所接受并喜爱。王力宏为此做出了巨大的贡献。
编辑本段剧目
　　昆曲在长期的演出实践中，积累了大量的上演剧目。其中有影响而又经常演出的剧目如：  昆曲《邯郸梦》
王世贞的《鸣凤记》，汤显祖的《牡丹亭[2]》、《紫钗记》《邯郸记》《南柯记》，沈璟的《义侠记》等。高濂的《玉簪记》，李渔的《风筝误》，朱素臣的《十五贯》，孔尚任的《桃花扇》，洪升的《长生殿》，另外还有一些著名的折子戏，如《游园惊梦》《阳关》《三醉》《秋江》《思凡》《断桥》等。 　　巴黎中国戏曲节于11月16日至22日在法国巴黎塞纳河畔的蒙浮剧场举行，共有来自福建京剧院的《四郎探母》、河南豫剧团的《清风亭》、江西南昌大学赣剧研究中心的《窦娥冤》、山东吕剧团的《墙头记》、苏州昆剧团的《浮生三梦》、香港京剧团的《牡丹亭》和浙江昆剧团的《公孙子都》等多剧种、多题材的演出剧目参与角逐。最终，浙江昆剧团的《公孙子都》捧得最高奖项“塞纳大奖”。《公孙子都》是继《十五贯》以后，浙江昆剧团又一大手笔之作。此剧因荣获2006—2007年度国家舞台艺术精品工程十大精品剧目第一名和文化部第十二届“文华大奖”，而拿到了150万元高额奖金，这是迄今为止浙江对优秀剧目的最高奖励。　《公孙子都》是根据明代冯梦龙小说《东周列国志》改编而成的历史故事剧。该剧故事独特，引人入胜，通过对公孙子都不择手段、阴谋杀人直至走向毁灭的心理描绘，揭示了一念之差可成英雄，一念之差将成罪人的人生感悟，并对公孙子都这一人物所具有的人类共有的劣根性——嫉妒进行了展示和批评，具有较强的哲理性、警世性。 　　昆曲的舞台上一向以《牡丹亭》《长生殿》《桃花扇》等老剧为主。古老艺术要推陈出新，除了复排传统剧目外，创作昆剧新戏已成为重点。作为中国昆曲艺术保护工程重点扶持的首个新创剧目，浙江昆剧团用十年时间创作了新编历史剧《公孙子都》。其创新主要体现在两个方面： 　　一是主题思想深刻，开拓了昆曲在正剧上的表现力。昆曲传统剧目中为观众所熟知的多为爱情剧，《公孙子都》则是一部心理戏，讲述了春秋时期郑国讨伐许国一战中，副帅公孙子都争功心切，用暗箭射死主帅颖考叔后终日惊惶、最后身亡的故事。其以传统剧目《伐子都》为底本，跳出古人"善恶相报"的狭义是非观，着意写子都暗箭射人后的惶恐不安--"避过法诛却难避心诛"，以此鞭挞人类共有的心毒--嫉妒。主创人员表示："虽然故事发生在东周列国时期，但嫉妒是人类的'原罪'，这是人类永恒的话题，以引起现代观众的共鸣。" 　　二是表演上恢复昆曲的"武戏"传统，是现代昆曲"阳刚戏"的代表作。昆剧的武戏启蒙了京剧的武戏，但近代后，昆剧格局逐渐缩小变为"小生、小旦、小花脸"的"三小戏"。"《公孙子都》的突出亮点是创编了一部多年来昆剧极为少见的整本武戏。"戏曲评论家刘厚生说。扮演公孙子都的是浙江昆剧团团长、"梅花奖"得主林为林，以长靠、短打武生戏见长，有"江南一条腿"之称。该剧结尾处，穿着厚底靴的公孙子都从高处反跃前扑而下，常引得满堂喝彩。
编辑本段门派
　　昆曲门派主要分为南曲与北曲。南曲以苏州昆剧院与江苏昆剧院为代表，  昆曲《扈家庄》
北曲以北方昆剧院为代表。 　　南曲与北曲虽同为昆曲但在其分离之初与后来的发展中，它们既受南北不同地域文化的影响，也受艺术家们人为的作用，而形成两种风格各异又可以互补的类型。它们最主要的差异在于： 　　1.音阶。在记载昆曲的工尺谱里，北曲是按七声音阶记录的，南曲则按五声音阶（不记乙、凡二字），但实际演唱中，乙、凡作为经过音、装饰音也常常出现。 　　2.读字。北曲遵循《中原音韵》，四声分阴（阴平）阳（阳平）上去，念字多从普通话；南曲遵循《洪武正韵》，念字多从苏州话。 　　3.调和韵。北曲一出戏一韵一调到底；南曲一出戏不限一调，也可以换韵。 　　4.词曲关系。北曲一般为“辞情多”（词位较密），“声情少”（拖腔较少）；南曲则“声情多”“辞情少”，吐出一个字来，常常要在一段腔（音乐）里上下游曳好一阵，才进入下一个字。 　　5.旋法特点。北曲常用四、五度及八度以上的跳进，造成旋律激越、舒朗的阳刚之气；南曲则多用五声级进，因此其旋律缠绵委婉。 　　6.唱法特点。北曲发声较“硬挺直截”，“以遒劲为主”；南曲讲究吞吐收放，追求声音的起伏多变。且因南曲常用入声字，其“短促即收藏”的特点，与音乐结合时就需“逢入必断”，而乐句的内在关系又是相连的，在演唱时便造成极有特色的“断中有连”。 　　7.演唱形式。北曲一般只用独唱这一种形式，且在一出戏里一人唱到底，其他角色只有说白，不能唱；南曲则用独唱、接唱、同唱（二人）、合唱（即齐唱）、独唱接齐唱等多种形式演唱。 　　8.剧目。北曲里武打剧目较多；南曲则侧重文戏。
编辑本段声腔
　　昆剧作为一个曾经在全国范围内有着巨大影响的剧种，在历尽了艰辛困苦之后，  昆曲《十五贯》
能奇迹般地再次复活，这和它本身超绝的艺术魅力有紧密关系，其艺术成就首先表现在它的音乐上。 　　昆剧行腔优美，以缠绵婉转、柔漫悠远见长。在演唱技巧上注重声音的控制，节奏速度的顿挫疾徐和咬字吐音的讲究，场面伴奏乐曲齐全。 　　“水磨腔”。这种新腔奠定了昆剧演唱的特色，充分体现在南曲的慢曲子（即“细曲”）中，具体表现为放慢拍子，延缓节奏，以便在旋律进行中运用较多的装饰性花腔,除了通常的一板三眼、一板一眼外，又出现了“赠板曲”，即将4/4拍的曲调放慢成8/4，声调清柔委婉，并对字音严格要求，平、上、去、入逐一考究，每唱一个字，注意咬字的头、腹、尾，即吐字、过腔和收音，使音乐布局的空间增大，变化增多，其缠绵婉转、柔曼悠远的特点也愈加突出。 　　相对而言，北曲的声情偏于跌宕豪爽，跳跃性强。它使用七声音阶和南曲用五声音阶（基本上不用半音）不同，但在昆山腔的长期吸收北曲演唱过程中，原来北曲的特性也渐渐被溶化成为“南曲化”的演唱风格，因此在昆剧演出剧目中，北曲既有成套的使用，也有单支曲牌的摘用，还有“南北合套”。 　　“南北合套”的使用很有特色：一般情况是北曲由一个角色应唱，南曲则由几个不同的角色分唱。这几种南北曲的配合使用办法，完全从剧情出发，使音乐尽可能完美地服从戏剧内容的需要。 　　从南北曲本身的变化说，尚有“借宫”、“犯调”、集曲“等多种手法。原来联成一套的曲子，无论南北曲，都有属于那一宫调的曲子问题，当唱曲要求情绪显著变化时，同一宫调内的曲子不能胜任，就可借用其它宫调的合适曲子。如《牡丹亭·惊梦》，先后所用的曲牌是[山坡羊]（商调）、[山桃红]（越调）、[鲍老催]（黄钟宫）、[绵搭絮]（越调）。 　　在演唱技巧上，昆剧注重声音的控制，节奏速度的快慢以及咬字发音，并有“豁”、“叠”、“擞”、“嚯”等腔法的区分以及各类角色的性格唱法。音乐的板式节拍，除了南曲“赠板”将四拍子的慢曲放慢一倍外，无论南北曲，都包括通常使用的三眼板、一眼板、流水板和散板。它们在实际演唱时自有许多变化，一切服从于戏情和角色应有的情绪。 　　昆剧的乐器配置较为齐全，大体由管乐器、弦乐器、打击乐器三部分组成，主乐器是笛，还有笙、箫、三弦、琵琶等。由于以声若游丝的笛为主要伴奏乐器，加上赠板的广泛使用，字分头、腹、尾的吐字方式，以及它本身受吴中民歌的影响而具有的“流丽悠远”的特色，使昆剧音乐以“婉丽妩媚、一唱三叹”几百年冠绝梨园。伴奏有很多吹奏曲牌，适应不同场合，后来也被许多剧种所搬用。 　　昆剧的表演拥有一整套“载歌载舞”的严谨表演形式 　　昆剧表演的最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而谐和。昆剧是一种歌、舞、介、白各种表演手段相互配合的综合艺术，长期的演剧历史中形成了载歌载舞的表演特色，尤其体现在各门角色的表演身段上，其舞蹈身段大体可以分成两种：一种是说话时的辅助姿态和由手势发展起来的着重写意的舞蹈；一种是配合唱词的抒情舞蹈，既是精湛的舞蹈动作，又是表达人物性格心灵和曲辞意义的有效手段。 　　  宝剑记·夜奔
昆剧的戏曲舞蹈多方吸收和继承了古代民间舞蹈、宫廷舞蹈的传统，通过长期舞台演出实践，积累了丰富的说唱与舞蹈紧密结合的经验，适应叙事写景的演出场子的需要，创造出许多偏重于描写的舞蹈表演，与“戏”配合，成为故事性较强的折子戏。适应了抒情性和动作性都很强的演出场子的需要，创造出许多抒情舞蹈表演，成为许多单折抒情歌舞剧的主要表演手段。代表性剧目如《西川图·芦花荡》《精忠记·扫秦》《拜月亭·踏伞》《宝剑记·夜奔》《连环记·问探》《虎囊弹·山亭》等。 　　昆剧的念白也很有特点，由于昆剧是从吴中发展起来的，所以它的语音带有吴侬软语的特点。其中，丑角还有一种基于吴方言的地方白，如苏白、扬州白等，这种吴中一带的市井语言，生活气息浓厚，而且往往用的是快板式的韵白，极有特色。另外，昆剧的演唱对于字声、行腔、节奏等有极其严格的规范，形成了完整的演唱理论。 　　昆剧的舞台美术包括丰富的服装式样，讲究的色彩和装饰的以及脸谱使用三个方面 　　除了继承元明以来戏曲角色服装样式外，昆剧的有些服装和当时社会上流行的穿着很为相似。反映在戏上，武将自有各式戎装，文官亦有各样依照封建社会阶级等级不同的穿戴。脸谱用于净、丑两行。属于生、旦的极个别人物也偶然采用，如孙悟空（生）、钟无盐（旦），颜色基本用红、白、黑三色。 　　昆剧艺术经过多年的磨合加工，已经形成相当完善的体系，而这一体系又长期在中国戏曲中占据独尊地位，所以昆剧艺术被尊为“百戏之祖”，对整个戏曲的发展都有着深远的影响，许多地方戏都在不同程度上吸收了它的艺术养分，其中还留有部分的昆腔戏。
编辑本段行当
　　因为早期昆剧属于南戏系统，所以它继承了南戏的角色行当体制，  昆曲《西厢记》
同时兼收北杂剧之长，以生、旦、净、末、丑、外、贴七行为基础角色，早期作品《浣纱记》反映了昆剧初创时期的角色分行法，即除遵循南戏的七行之外，还借鉴了元杂剧的小末、小旦等设置法，更增设小生、小旦 、小末、小外、小净五行，共十二行。 　　明末昆剧兴盛期，明刊本《墨憨斋定本传奇》中，将原以“贴”扮老年妇女改为“老旦”，亦系吸收了元杂剧之分行法。其他角色行当基本同于昆剧初创时期。清康熙时，昆剧角色行当还基本保持了“江湖十二角色”的体制。 　　乾隆年间，昆剧折子戏最盛，表演艺术有了进一步提高，为刻画人物而设的角色行当体制，也有了新的突破。《扬州画舫录》中有“江湖十二角色”之说，它们是：副末、老生、正生、老外、大面、二面、三面，谓之“男角色”；老旦、正旦、小旦、贴旦，谓之“女角色”；又有打诨一人，叫做“杂”。后来在南方昆剧中演变为以小生和旦角为主要角色，因之这两门分得更为细致。小生行下分：大官生、小官生、巾生、鞋皮生（穷生）和雉尾生五类。旦行则下分：老旦、正旦、作旦（能扮演男孩子）、四旦（刺杀旦）五旦（闺门旦）和六旦（贴旦）六类。但各个昆剧支派有各自的门类。 　　昆剧的角色分工随着表演艺术的发展，也越来越细致。嘉、道间，昆剧角色行当，将原有的“江湖十二角色”，与后来出现更细的分工相结合，在“生、旦、净、末、丑”五大行当之下，又细分二十小行，称作“二十个家门”。 　　在「生」这个家门中，又分为官生、巾生、鞋皮生、雉尾生，用以表演不同的角色人物。官生一行，扮  长生殿
演做了官的成年男子，其中由于年龄大小、身份高低不同又分大、小官生。例如《长生殿》的唐明皇、《太白醉写》中的李白都由大官生扮演；《荆钗记》中的王十朋、《金雀记》中的潘岳都由小官生扮演。官生与巾生的表演有所不同：巾生饰演风流儒雅的年轻书生，清洒飘逸，歌唱要求真假嗓结合，假嗓成份较大，清脆悦耳；官生在表演上要洒脱大方，大官生更要富于气派，在唱法上也是真假嗓结合，但真嗓落在比巾生用真嗓时更高的音域，以洪亮为美。 　　旦行也细分为老旦、正旦、作旦、四旦、五旦、六旦。但实践中还有一个贴旦，共为七个家门。 　　正旦一般扮演身份比较贫寒的已婚女子，如《琵琶记》中的赵五娘，《金锁记》中的窦娥，《货郎担》中的张三姑等。正旦在表演上侧重朴实大方，在唱法上，咬字喷口都要有较大的力度，音色明亮、宽厚，音量也要求较大。正旦剧目颇丰富，所扮演各类人物性格均具鲜明特点，为演员提供了宽广的表演空间。 　　此外，净行分大面与白面，大面脸谱以红、黑二色为主，故有“七红、八黑、三和尚”之说；白面大多扮演反面人物，除眼纹外，全脸皆涂以白粉，通常又分成相貂白面、褶子白面、短衫白面等，白面有时也扮正面人物，或无所谓好坏的角色，有时也扮女角等。还有由白面行中析出的邋遢白面，除面涂白粉以外，在眼角、鼻窝等处，加上一些黑纹，故名。所扮者大多是下三流角色，又近于插科打诨式的人物。 　　  宝剑记
末行又细分为老生、末、老外。昆剧老生不分文武，如《宝剑记》的林冲，《麒麟阁》的秦琼等。末脚所戴胡须也是从黑三到白满，与老生同。 　　丑行又分为副（又称“二面”）和丑两个家门。其区别是副的面部白块画过两边眼梢，而丑只画到眼的中部，副常穿褶子、宫衣、袍，而丑多穿短衣。 　　昆剧以前的南戏和元杂剧都没有这样的行当，由于“副”行的出现，昆剧把丑行的表演范围，扩大到上层社会的衣冠缙绅之中。所扮演者大多是不正派的文人、奸臣、刁吏、恶讼师、帮闲篾片之类人物，这些角色的共同特点是奸刁刻毒，表里不一，表演上多强调其冷的一面，称之为“冷水二面”。 　　丑行因其面部白块较副为小，也称“小花脸”，因其排列于二面之后，也称“三花脸”，所扮大多是社会地位较低或滑稽可爱的角色，如《寻亲记》的茶博士，《渔家乐》的万家春。昆剧丑脚不分文武，有时扮演武功繁重的身段戏。 　　丑行和二面一样，也可扮演妇女，如《风筝误》年轻的千金詹爱娟，《荆钗记》中的张姑母。丑脚也扮演反面人物，如《十五贯》的娄阿鼠。 　　另有一个应各种群众角色的“杂”行，是指各种剧中没有名姓的群众角色，如车夫、船夫、伞夫、衙役、太监、宫女、龙套等，通常不计为家门。 　　传统昆剧职业班社，一般只需十八个演员，俗称“十八顶网巾”，只有极少数大班社有二十七名演员。一般班社只要十个家门齐全，就可演出，其他角色可以由家门接近的演员来替代，这十个基本家门被称为“十大庭柱”，他们是：净、官生、巾生、老生、末、正旦、五旦、六旦、副、丑。其中最能决定演出质量的是：净、老生、官生、正旦四个家门。 　　昆剧的各个行当都在表演上形成自己的一套程式和技巧，这些程式化的动作语言在刻画人物性格、表达人物心理状态、渲染戏剧性和增强感染力方面，形成了昆曲完整而独特的表演体系。
编辑本段伴奏
　　昆曲的音乐属于联曲体结构，简称“曲牌体”。它所使用的曲牌，据不完全统计，  昆曲《一片桃花红》
大约有一千种以上，南北曲牌的来源，其中不仅有古代的歌舞音乐，唐宋时代的大曲、词调，宋代的唱赚、诸宫调，还有民歌和少数民族歌曲等。它以南曲为基础，兼用北曲套数，并以“犯调”、“借宫”、“集曲”等手法进行创作。 昆曲的伴奏乐器，以曲笛为主，辅以笙、箫、唢呐、三弦、琵琶等（打击乐俱备）。
编辑本段剧团
　　在中国大陆现有江苏省苏昆剧团（成立于1956年，原名苏州苏昆剧团，  昆曲《长生殿》
2001年改名江苏省苏州昆剧院）、江苏省昆剧院、上海昆剧团、杭州浙江昆剧团、北京北方昆曲剧院、郴州湖南省昆剧团6家昆剧专业艺术团体，以及浙江永嘉昆曲传习所，被称为“六团（院）一所”。
编辑本段名家
魏良辅
　　  昆曲鼻祖魏良辅
魏良辅，字尚泉，江西南昌人，流寓于江苏太仓。为嘉靖年间杰出的戏曲音乐家、戏曲革新家，昆曲（南曲）始祖。对昆山腔的艺术发展有突出贡献，被后人奉为“昆曲之祖”、在曲艺界更有“曲圣”之称。
俞振飞
　　卓越的昆曲艺术家，他具有一定的古文学修养，又精通诗词、书、画，他不但精研昆曲，同时又是一位京剧表演艺术家。因此他能将京、昆表演艺术融于一体，形成儒雅、飘逸、雄厚遵劲的风格，特别是以富有“书卷气”驰誉剧坛。他深受海内外推崇的代表节日有《太白醉写》中的李白；《游园·惊梦》中的柳梦梅；《惊变·埋玉》中的唐明皇；《琴挑》中的潘必正；《八阳》中的建文君；《断桥》中的许仙等，演来无不栩栩如生。
田瑞亭
　　田瑞亭（1897-1961），河北省安新县端村大田庄人。 　　师从陶显亭，习文武老生戏，又曾向王亦友学习武生戏，未几嗓败，遂放弃演出以姨夫为师（其姨夫是北方昆弋著名鼓师朱可铮，为各昆弋班任管事兼“外写”）专攻吹奏曲笛和唢呐熟谙工尺谱，会戏极多，皆能背记。1918年收高景池唯弟子（后高景池为北昆著名笛师）传授曲笛和唢呐后同入北京荣庆昆弋社，专门为韩世昌吹笛。1928年韩世昌赴日本演出，田瑞亭随行全程，能以单笛灌满全场，遂获“笛王”之美誉。回国后收田柏林，白鸿林为徒。1935年受山东省立剧院院长王泊生之邀请携徒白鸿林、女儿田菊林，赴济南任教。1935-1937年间，学员赵荣琛、任桂林、张宝彝、徐志良（徐荣奎）等得其指导。其教戏时，某出各行角色，上下手带文武场，皆能由他一人包教到底。1938年被傅惜华主持的北京国剧学会昆曲研究会聘为教师，担任拍曲吹笛并在电台播音。1939-1949年田瑞亭携女田菊林及幼子田福林，先后在天津、北京、上海、烟台、青岛、石家庄等地演出，合作过的演员有，侯永奎、马祥麟、韩世昌、童芷苓、周又宸、梁慧超、李洪春等。1949年应邀入北京人民艺术剧院，后因身体不适，回津养病。次年任教于天津市越剧、评剧等团体，筱少卿、裘爱花、邢香灵、小花玉兰、小鲜灵霞等都等到过他的指教。1958年因受聘于天津戏曲学校昆曲班教师，故而推掉了北方昆曲剧院的邀请，留在戏校培养出新中国的第一批昆曲演员，渠天凰、仝秀兰、邓沐伟、何永泉、陈霁等。1961年8月2日因患舌癌病逝于天津，享年65岁。
王瑾
　　1971年生于北京，大学学历，北方昆曲剧院国家二级演员。1982年考入北方昆曲剧院学员班，1988年毕业于北京戏曲学校。至今从事昆曲。主演剧目:大戏《钗钏记》、《西厢记》、《牡丹亭》、《风筝误》等。折戏《胖姑学舌》、《思凡、下山》、《春香闹学》、《相约、相骂》、《昭君出塞》、《刺梁》、《梳妆、掷戟》、《痴梦》、《小放牛》等。 　　“原来姹紫嫣红开遍，似这般都付于断井颓垣。良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院……”这是明代著名剧作家汤显祖《牡丹亭》中最美丽的词句。随着近年来大家对昆曲的广泛关注，那些隽永的戏词和经典的人物形象一次次深深地触动了人们的心灵。昆曲是我国最古老的戏曲艺术。在新时代焕发出了新的生机，展现出它千古不衰的绝代芳华。2001年5月18日被联合国教科文组织列为“人类口头和非物质遗产代表作”。 　　看过牡丹亭的人们一定对那个天真活泼玲珑剔透的小丫环春香留下了深刻而美好的印象。扮演春香的王瑾是北昆自己培养的青年演员，有着北昆当家花旦的美称。她形象娇小，嗓音甜美，一双大眼睛清澈活泼，天生是个演花旦的好材料。良好的天资，可贵的热情，刻苦的训练，使得王瑾在通过了严格的考试和选拔之后成功地敲开了昆曲艺术殿堂的大门。入选北昆使她如愿以偿，然而以后的艰苦训练却让她尝到了通往理想途中的种种磨难。
单雯
　　江苏省昆剧院演员 　　1989年4月25日出生与一个昆曲世家，师从张继青，16岁时担任《1699桃花扇》主角扮演李香君，是昆曲界后起之秀。文化传承，重任在肩。
白先勇
　　著名昆曲推广人，青春版《牡丹亭》编剧。 　　当代台湾著名作家白先勇（1937——）国民党高级将领白崇禧之子，广西桂林人。曾就读台南成功大学水利系（一年）又考进台湾大学外文系。读完一年级，就在《文学杂志》发表了他的第一篇小说《金大奶奶》，紧接着又发表了《入院》和《闷雷》。1960年，读三年级时，与同班同学王文兴、欧阳子和陈若曦等创办了杂志《现代文学》。1961年大学毕业。1963年到美国依阿华大学作家工作室从事创作研究，较系统地接受了西方现代小说技巧的基本训练。1965年获硕士学位后，一直在美国加州大学圣塔.巴巴拉校区任教。著有小说集《寂寞的十七岁》、《台北人》，长篇小说《孽子》、《玉卿嫂》等。）
编辑本段名段
单刀会·训子
　　元代关汉卿杂剧《关大王单刀会》，简名《单刀会》，四折，《训子》也叫《训平》，是剧中第三折。剧演鲁肃定计，请关羽到东吴赴宴，席间索取荆州。关羽升帐，其义子关平侍候。关羽向关平讲述汉室创业、桃园三结义等往事。这时东吴下书请关羽赴宴，关羽明知是计，慨然应邀，关平劝阻，关羽做了周密安排，毅然赴宴。这折戏是北曲昆唱，是净角唱工剧。 　　净扮关羽，头戴绿夫子盔，口戴花五绺，身穿绿蟒加帅肩，腰束角带，红彩裤，高底靴。雉生扮关平，头戴三叉盔，身穿白蟒加帅肩腰束角带，粉红彩裤，高底靴，腰挂宝剑，开门时捧印信。付扮周仓，头戴尖翅纱帽，加耳毛子，口戴黑夹嘴，身穿黑蟒加帅肩，腰束角带，红彩裤，高底靴，挂腰刀。丑扮王文，头戴元翅纱帽，口戴黑吊搭，身穿黑青素，腰束黄宫绦，黑彩裤，朝方，执书信。 　　净角所演之剧，《训子》、《刀会》较难扮演。晚清苏州著名昆剧演员黄松、张八骏以演此剧著称，威毅中含儒雅。黄松演唱《训子》，虽高唱入云而端坐不稍动，关羽盔殿额上之绒珠，亦安如磐石，无抖擞之病，以显威严。功夫老到，嗓音结实。近代北派昆曲演唱此剧，以侯玉山最著名。
单刀会.刀会
　　《刀会》见关汉卿《单刀会》第四折。剧演东吴大夫鲁肃请关羽过江赴宴，关羽带周仓单刀赴会，在设有埋伏的筵席上，与鲁肃饮酒谈笑，畅述以往辞曹归汉、五关斩将，古城会斩蔡阳等英勇事迹。席中鲁肃向关羽索取荆州，关羽以剑迫使鲁肃送其上船，安然返回荆州。这折戏也是北曲昆唱，净角唱工戏。[新水令]“大江东去浪千叠”一曲，极为有名，历代传唱不衰。 　　净扮关羽，头戴绿夫子盔，口戴花五缙，身穿绿蟒，绿靠，背黄宫绦，腰束角带，高底靴，腰挂青笼剑。外扮鲁肃，头戴方翅纱帽，口戴花三，身穿紫蟒，腰束角带，红彩裤，高底靴。副净扮周仓，头戴周仓盔加倒缨，耳毛子，口戴黑扎，身穿黑靠，衬黑箭衣，背白宫绦，黑彩裤，高底靴，捧青龙刀。 　　《刀会》为净角最难扮演之剧。全剧中，关羽闭眼时多，睁开眼时，要光芒外射。清代咸丰、同治间，苏州著名昆剧演员黄松、张八骏扮演关羽，刚毅儒雅，称著于时。演《训子》时关羽，帽上绒球丝毫不动，以显其威严。演《刀会》中关羽，帽上绒球，大动不已，以壮其威武。据说，张八骏一日演《刀会》，装扮未完，掀认帘而出，既觉，乃擎袖障面，俾他人在旁徐徐整理。後人效之，演《刀会》关羽上场，亦以袖障面。此剧中鲁肃、周仓，虽非主角，如无一定功底，很难演好。鲁肃一段说白，须字字饱绽，而宴罢後，关羽执鲁肃袖，此时鲁之面容神色及纱帽上两翅抖擅。周仓盔头，软靠扎判(装垫肩膀及臀部)，关羽唱三刻钟，他要捧青龙偃月刀侍立一旁，摆三刻钟架子，比演鲁肃来得费力。而关羽兜袖时之周仓，将偃月刀舞一撤花盖顶，一声大吼，须配搭入毂。约1926年，高观耘之昆曲《训子》、《刀会》制成唱片。白云生《生且净末丑的表演艺术》一书中，有专章谈《刀会》的表演艺术。
不伏老·北诈
　　原名《诈疯》，因用北曲，又称《北诈疯》，後简称《北诈》，亦有称《装疯》的。此剧见元人杨梓《功臣宴敬德不伏老》(参见[不伏老]条)第三折，《缀白裘》二集作《金貂记·北诈疯》。 　　剧演尉迟恭在功臣宴上打落李道宗门牙，被贬到职田庄为民，高丽国向唐朝挑战，唐太宗命徐茂功宣召尉迟恭，尉迟恭装疯。徐茂功设计，命军士至其家无理取闹，尉迟大怒而动武，徐茂功戳穿尉迟装疯，用激将法使尉迟引兵出征。 　　本出用北曲[越调·斗鹌鹑]、[紫花儿序]、[小桃红]、[调笑令]、[圣药王]与[麻郎儿]二支(拼成一支)、[络丝娘](演唱时被截头)、[要三台](演唱时二支全删)、[尾声](演唱时亦被截头，以上三者并作一支唱)。 　　黑净扮尉迟恭，头戴长方巾，缚黄绸子，口戴白满，身穿箭袖褶子，腰裙，缚大带，彩裤，高底靴，手扶拐杖。老旦扮尉迟夫人，头戴包头，老旦挽头，身穿黄老旦衣、裙、相鞋。外扮徐积(茂功)，头戴相貂，口戴白满，身穿秋香色官衣，腰束玉带，彩裤，高底靴，袖藏圣旨。 　　尉迟恭是昆剧中“七红八黑”中的一黑，是黑净的重头戏。清代乾隆年间范二官擅演此剧。《消寒新咏》卷三：“此剧演者屡矣，然或故意显假，又或故意装真，俱未得宜。惟范二官有意无意之间，最为妙入。”“传”字辈邵传镛能演此剧，系陆寿卿所传授。
东窗事犯·扫秦
　　〈扫秦〉为元代孔文卿《东窗事犯》第二折，明代《精忠记》传奇将此折剧情融入〈诛心〉出中，《缀白裘》五编作《精忠记·扫秦》。实则昆剧演出的〈扫秦〉大体同《东窗事犯》第二折，但开头的【引子】则取自传奇《精忠记》。剧演秦桧杀了岳飞后，来灵隐寺拈香，寺中老和尚迎接。秦桧见壁上题诗，问知为疯僧所写，即唤疯僧来见。疯僧说破秦桧夫妇在东窗设计谋害岳飞之事，说得秦桧毛骨竦然，狼狈而去。舞台演出的昆剧〈扫秦〉，经明清艺人改动加工提炼，成为一折独立的折子戏。剧情的前後关系有调整，结构完整，疯僧与秦桧的冲突加强，人物形象更见丰满。 　　此折为昆丑的唱工戏，曲调别具风格，深受俞粟庐欣赏。清代光绪年间四喜部三儿(字翰云)擅演此剧。近代吴中陈万里，南社社友，善昆剧，其串〈扫秦〉之疯僧，名重一时。浙江省昆剧团曾根据昆剧演出本改编演出。
西游记·撇子
　　一作《慈悲愿·撇子》。杨讷《西游记》杂剧六本二十四折，〈撇子〉、〈认子〉出自第一本。《慈悲愿》传奇系根据《西游记》有关情节改编，未见传本。有些昆曲选本，认为〈撇子〉、〈认子〉等出自《慈悲愿》，故题《慈悲愿·撇子》。《六也曲谱》，《集成曲谱》皆题作《西游记·撇子》，剧谱陈光蕊夫妻乘舟赴任遇难，水贼刘洪将陈推入江中，其妻殷氏被贼胁迫欲占为妻。殷氏腹中有遗腹子，请求临盆后再行亲事，刘贼允应。般氏生下 　　遗腹子，刘贼逼其弃之江心，若不答应，母子二人将遭杀害。没奈何，殷氏来到江边，将孩子放在一只大梳匣内，取出金钗两股，系在孩千身上，以作标记。又咬破指头写下血书，写明孩子生辰年庚。为了不使漏水淹了匣子，她用一幅白练将匣缝塞，将匣盖缚，将包袱紧扣，虽是木匣，恰似一叶舟儿稳当。这时刘贼又在催促把孩子撇向江中，殷氏只殷氏只得忍痛将匣放入江中。
西游记·认子
　　此出大体同于杨讷《西游记》第一本。《集成曲谱》等题作《西游记·认子》剧演殷氏撇子十八年后，囚思念丈夫与孩儿，奄奄成病。殷氏所撇之子，为金山寺住持所救，取名玄焚，今年已十八，师傅向他讲述了亲生父母的遭遇，要他下山寻母，报父母之仇，玄奘奉师命下山寻母，来到黑楼子内，做化斋模样。殷氏请小和尚入内用斋，见小师父面庞好似自己丈夫陈光蕊的模样，乃问道：“请问师父法蒜多少。”玄奘回道：“贫僧一十八岁。”殷氏自思：“俺孩儿若在，今年也是十八岁了。”继又问道：“小师傅何处几岁出家？”玄奘乃道：“贫僧自幼出家的。我父姓陈母姓般，曾授洪州太守，贞观三年八月间，被水贼刘洪推入江中……师父丹霞禅师……收留……今年一十八岁，师父著我来到洪州，寻访母亲的。”殷氏听罢，乃知这小师父即是江流儿，就问道：“你既来寻亲，有何为证?”玄奘遂取出血书一封。殷氏见自己亲手写的血书，确证面前的确是儿子，乃相拥痛哭。玄奘乃道：“母亲，师父说寻见了母亲，即便回山，商量报仇。”殷氏忙道：“禁声……待我收拾些盘缠与你回山，请你师父到来，商量报仇便了。”玄奘乃辞母而去。 　　本出中【北商调集贤宾】套曲，为昆曲中仅存之套曲，旋律独具特色，为清曲家所喜唱。传宇辈艺人演出此剧，由工传蕖演殷氏。1999年张继青曾来台湾演出此剧。
西游记·思春
　　〈思春〉全名〈狐狸思春〉，一名〈狐思〉。《集成曲谱》振集二册载有此出，题《西游记·思春》。杨讷《西游记》杂剧中无此折，《纳书楹曲谱》外集卷二题作《俗西游》。剧演獾婆在藏古冢练气修真，已得人像，潜身在摩云洞中。洞内有一万年狐王，只生一女，名唤玉面仙姑，美貌非凡。狐王亡后，玉姑身无依靠，一向不曾许配佳偶，只至今良缘未就，弄得她恹恹成病，茶饭不吃，相思发作。獾婆送茶进去，欲与她说婚姻之事。问道：“姑姑这两日的容颜，一发清减了，你害的什么病，可对我说，何苦自受煎熬。你若不说藏在心内，只怕这病要害死人的。”玉面狐道：“死了倒也甘心。”獾婆道：“只怕你嘴硬心不硬。”又劝道：“我是有名的欢婆，怎么不能叫你欢婆?想老大王亡后……你一人无依无靠，必须要招一个美貌郎君。”玉面狐道：“不知其人也是枉然。”獾婆道：“就是牛魔王。”玉面狐道：“怎能勾到我家来?”獾婆道：“你这样一个美人，就是西天活佛也会动情的。”玉面狐于是打点聘礼叫獾婆去说合，獾婆道：“我是名医国手……一贴清凉散真堪效，一味黑牵牛能治心烦躁，还待出身风流汗，你的病根儿都去了。” 　　正旦扮獾婆，贴旦扮玉面狐。 　　此出【北双调】套曲，唱弦索调。 　　此剧自清代中期至清末，多有演出，民国以来，未见演出。
莲花宝筏·北饯
　　《缀白裘》八集三卷载有此出，作《安天会·北饯》。《集成曲谱》等作《莲花宝筏·北饯》(按：《莲花宝筏》即《升平宝筏》)。此出实出自吴昌龄《唐三藏西天取经》杂剧。剧演大唐朝徐绩、杜如晦、殷开山、程咬金、尉迟恭等十八路总管，都到十里长亭送玄奘法师往西天五印度求取大藏金经。远远望见长幡宝盖，玄奘法师来到。法师见有官员在路侧，忙道：“贫僧有何德何能，敢劳众位公卿远远相送。”众人答道：“不敢。”玄奘见一老将，问道：“此位莫非尉迟老将军么?久闻老将军南征北讨，东荡西驰，定下六十四处烟尘，擅改一十八家年号。贫僧只看得几卷经文佛法，不知老将军阵上威严。请老将军试说一遍，贫僧洗耳恭听。”尉迟恭乃道：“十八处都将年号改，某扶立起这唐世界。”“师父道俺杀生害命也罪何该，想当日尉迟恭怎想到今日持斋戒，今日个谢吾师恁便超度俺唐十宰。”“送师父特地请取一个法名来。”玄奘乃各取法名曰彗智、彗聪、慧能、慧善，彗德，并道：“待贫僧取经回来，再与你们摩顶受戒便了。”玄奘又道：“闻得老将军在南御园小交锋勤王救驾一事，再请老将军试说一遍。”尉迟恭就将御果园元吉谋害圣主，他来不及披甲，赤马单鞭直至御园救主事讲述一遍，唐僧听罢见天色巳晚，乃赶路西去。此出为元曲昆唱的传统剧目。
西游记·胖姑
　　昆曲《胖姑》（或作《胖姑学舌》）一出与元人杨讷杂剧《西游记》第二本第六出《村姑演说》基本同。剧演长安城里送国师唐三藏往西天取经，住在城外头蹶外跟庄上的胖姑儿和庄旺儿都去看社火。庄稼汉老张未能去看，他要等胖姑他们回来，教他们敷演与他听。老张住门首等候，见他俩兴冲冲的回来，就要胖姑说与他听，庄旺儿学给他看。于是二人敷演起来。胖姑唱道：“一个个手执著白木植，身穿著紫搭背，白石头黄铜片去腰间悬，一对脚似踏在黑瓮里。”老张道：“那是穿了皂靴。”胖姑接著唱道：“宫人们腰屈共头低，脑门儿著地。”老张道：“这是拜他哩。”眫姑道：“还有好看的哩。”老张道：“还有什么好看，可学与我看。”胖姑唱道：“见一个粉搽的白面皮横栓著油鬏髻，他笑一笑打一棒棰，跳一跳高似田地。”老张道：“这是在唱院本哩。”就这样胖姑将她所见盛况一一说与老张听。最後胖姑道：“说了半日，我肚皮饿也。”老张道：“你们辛苦了，我做的粉花在那里，吃些再去玩罢。” 　　六旦扮胖姑，包头，戴花，身穿粉红袄裤，腰束四喜带，彩鞋，右手拿女摺扇，左手拿手帕。作旦扮庄旺儿，头戴孩儿帽，身穿湖色书僮衣裤，腰束白肚带，跳鞋。二面扮张老头，头戴白尾子巾，口戴白六喜，身穿白棉绸褶子，腰束黄宫绦，黑彩裤，镶鞋，手拿拐杖。 　　这出戏从孩子胖姑口中讲述社火的内容，边说边表演各种人物的动作，生动活泼。清末葛小香、小桂林擅演此出，深受好评。近代著名演员韩世昌演此剧极著名。传字辈艺人中张传芳亦擅演胖姑。八十年代上海昆剧团亦曾演出此剧。张传芳为江苏省苏昆剧团传授此剧。
西游记·借扇
　　杨讷《西游记》第十九出《铁扇凶威》与本出内容同。《集成曲谱》载有此出，题《西游记·借扇》。剧演孙悟空保玄奘法师往西天取经，路过火焰山│，只见火焰冲天，有八百余里，只有翠云峰芭蕉洞铁扇公主之芭蕉扇才能扇灭此火。孙悟空来到翠云峰，铁扇公侍儿报道：『外面有个雷公嘴的和尚，自称齐天大圣孙悟空，要借芭蕉扇。』公主道：『这猴头好生无礼，待俺出去显个手段，以报昔年夺子之仇。』乃率众侍儿出洞会孙悟土。孙悟空一见铁扇公主，说：『嫂嫂一向好。』公主道：『啐，猴头，谁是你嫂嫂?』就打将起来。铁扇公主的太阿剑，敌不过孙悟空的金箍棒，乃行起法来，摸出芭蕉扇一扇，孙悟空被扇得阴风凛凛，惨雾迷漫，飘飘荡荡，无影无踪，早去十万八千余里。铁扇乃收兵回洞。后孙悟空用如来佛之定风珠，镇住风火扇，借扇而回。
编辑本段传承
　　昆曲之入选“人类口头与非物质文化遗产”，在于它是我国古典表演艺术的经典。但“成也萧何，败也萧何”，昆曲的辉煌与落败都与其特性有关。昆曲的兴盛与当时士大夫的生活情趣、艺术趣味是一脉相承的。士大夫的文化修养，为昆曲注入了独特的文化品位，他们的闲适生活和对空灵境界的追求，赋予了昆曲节奏舒缓、意境曼妙的品格，加之士大夫内心深处含有对社会对人生的哀怨、悲凉的感受，使得昆曲在音乐、唱腔上每每显示出惆怅、缠绵的情绪。而到了清乾隆时期，市民阶层崛起，舒缓、惆怅的风格显然与他们格格不入，即使士大夫们也开始务实起来，昆曲在不受市民青睐的同时，也失去了士大夫阶层这一阵地。于是，昆曲便逐渐走向衰落。到1949年新中国成立以前，全国范围内已没有一个职业昆剧团。20世纪50年代，一出《十五贯》救活一个剧种，全国随之成立了6个昆曲院团。韩世昌、白云生、顾传、朱传茗、周传瑛、俞振飞、侯永奎、北昆著名笛王田瑞亭及其女北方昆曲著名坤伶田菊林等老一辈表演艺术家及解放后培养出的李淑君、蔡正仁、计镇华、张继青、洪雪飞、汪世瑜等一批优秀演员，整理、编演了《牡丹亭》、《西厢记》、《千里送京娘》、《单刀会》、《桃花扇》等大量优秀剧目。但在今天，昆曲严格的程式化表演、缓慢的板腔体节奏、过于文雅的唱词、陈旧的故事情节，丧失了时尚性和大部分娱乐功能，离当代人的审美需求相距甚远，因而难以争得观众，演出越来越少，以至在演出市场上难觅其踪，形成了恶性循环。10年前，全国大约有800人在从事昆曲工作，号称“八百壮士”，如今只剩下600人了。全国6个昆曲剧院团创作、演出普遍陷入困境，演员培养及艺术创作均无力投入。自田家被迫离开北昆后其独有家传秘本《双占魁》、全本《荷珠配》、《白娘子》，就此失传，也是北方昆曲的一巨大损失。 　　有人主张，昆曲应作为博物馆艺术，只求保存，不用发展，此说遭到昆曲工作者和有识之士的反对，也有悖于联合国教科文组织评选人类口头与非物质文化遗产的初衷――保证这些杰出文化的生存，而不是遏制它们未来的发展。但是，昆曲确实面临着困境：人才的流失，使得胜任昆曲创作的人员寥寥无几；而要革新昆曲，又面临两难的境地――不对昆曲作较大的改变，就无法缩小昆曲与时代的距离；倘若作大的改变，昆曲就失去特性而不成其为昆曲了。 　　各国列入此次口头文化遗产的艺术，大都处境艰难，濒临绝灭，这说明全球都面临着如何保护优秀传统文化的问题。对昆曲而言，要走出困境，绝非一蹴而就，除了靠昆曲自身的艺术力量及昆曲工作者的敬业精神和积极性外，还必须有相应的政策保证和切实可行的得力措施。为此，文化部今年6月召集了全国昆剧院团长及剧团所在地的领导会议，商讨发展昆曲大计，并正在制定《保护和抢救昆曲十年规划》。一些专家还呼吁，建立“保护振兴中国昆曲艺术专项资金”，加大经费投入力度。 　　专家认为，昆曲目前当务之急是抢救现有剧目和文献资料，首先要对全国中老年艺术家的拿手剧目进行录音录像，对珍贵的昆曲文献、演出脚本、曲谱和图片进行搜集整理。昆曲演出可以从老戏中讨生活，剧目应以继承、整理为主，如上海昆剧团近两年排演的《牡丹亭》，将汤显祖原作删减为上中下三本，配以现代化的舞台处理，既保持原作特色，又符合当今审美，收到了很好的市场效果。 　　文化部计划10年间在北京和上海建立两个昆曲演员培训中心，为全国昆剧院团输送表演人才。昆曲剧院团长们则希望集中全国优秀师资，在中国戏曲学院等院举办昆曲演员、编剧、导演、作曲和管理人员研修班。 　　昆曲因其特性不可能在当今大红大紫，亦无法恢复往日的辉煌，但作为中华文化的瑰宝，作为世界遗产，我们有责任不让她自生自灭!
编辑本段福建昆曲发展史
　　昆曲，又称昆剧、昆腔、昆山腔，形成于江苏昆山县。明万历年间(1573～1619年)前已传入福建。至今所发现最早记载昆山腔传入福建的时间是明万历二年(1574年)。杨四知任福建巡按监察御史时，在《兴礼教正风俗议》中写道：“闻之闽歌，有以乡音歌者，有学正音歌者。”这里的“正音”即指昆山腔。万历年间，福州人邓原岳在《西楼集》卷十《闽中元夕曲》中，有一首诗描绘福州元宵节闹市演唱昆剧的情景：“今宵雨霁动新凉，短拍长歌夜未央；学得昆山齐按拍，还珠门外月如霜。”诗中的“还珠门”，即今福州鼓楼前。又据明代钱谦益《列朝诗集小传》丁集卷六记载，万历三十一年(1603年)，中秋节，官吏、文人会集福州城内乌石山凌霄台，邀集“梨园数部，观者如堵。”著名剧作家屠隆恰好旅次福州，应邀参加盛会，席间兴致之际，隆幅巾白衲，奋袖作《渔阳掺》，鼓声一作，广场无人，山云怒飞，海水起立。林茂之年少下坐，隆起，执其手曰：“子当为挝鼓，歌赠屠生。快哉，此夕千古矣!”同时，大量昆剧剧本如《昆池新调八能奏锦》、《南北时尚昆弋雅调》等选集，在闽北建阳县麻沙书坊出版，发行各地。 　　明天启年间(1621～1627年)，涉及时人时事、描写杨继盛等8位谏臣同严嵩父子进行斗争的新编昆剧剧本《鸣凤记》与屠隆的《彩毫记》，也于天启六年(1626年)在福州上演。正月十五元宵晚上，演出《昭君出塞》等昆剧剧目。 　　昆剧除在福州公开演出外，不少官宦人家还自蓄家班。万历二十九年(1601年)，进士、曾任江苏嘉定县令的陈一元，平时酷爱昆剧，因与当朝宰相不和，引疾返乡。他在福州衣锦坊蓄有“一部歌童”，经常演出昆剧以自娱，自己也参演“大花”角色，因而有“陈大花”的外号，其居处俗称“陈大花宅”(见清郭柏苍《全闽明诗传》卷三十七《万历朝八》)。另据明何良俊《四友斋丛说》卷十三《史九》记载，闽县(今福州)人林庭昂，任太守时，“公余多暇日，好客喜燕乐，每日有戏子一班，在门上伺候呈应，虽无客亦然。长、吴二县，轮日给工食银五钱，戏子既乐于祗候，百姓亦不告病。” 　　明末，福州书法家许月溪的私人园亭“紫藤花庵”(今鼓楼区光禄坊)里演出汤显祖的《邯郸记》。梁溪(今无锡市)人季麟光，当时游幕福州，观看演出后写一组观剧诗，其中一首写道：“一部《邯郸》夜叫憨，娱人残梦是痴贪；半生幻想无消息，那得亲从枕上参。”明末清初，昆剧在闽南被称为“做大班”，漳州民间称之为“北管”。 　　昆剧在福建广泛流传，对福建地方剧种或多或少、或直接或间接发生过某些影响。明末曹学佺创始的儒林戏，其主要的声腔“逗腔”中，就包含有昆山腔的成份。如逗腔的代表性剧目《紫玉钗》，主要曲牌是“十三腔”。过去闽剧艺人多系文盲半文盲，口传心授，以音传音，结果以讹传讹，把“十三腔”念成(甚或写成)“习山腔”。据民国29年(1940年)6月福州出版的《抗敌戏剧》第二卷第十期，著名戏剧理论家董每戡在《唱戏的》一文中说：“闽剧《新茶花》中，‘盗国救国’一折所唱的［自叹］曲，听者仅感其音调悲凉、凄惨，而不知系采自什么调子。这调子实采取昆曲《劫宝投江》的昆曲十三腔。” 　　所谓“十三腔”就是［桐城］、［苏落］、［双叠翠］、［玉娥郎］、［四不象］、［桂枝儿］、［耍孩儿］、［青江引］、［三句半］、［银柳丝］、［古儿天］、［六娘子］等十三种腔调合成(“双叠翠”作为两腔)。 　　此外，在梨园戏传统剧目《郑元和》(又名《李亚仙》)剧中［鹅毛雪］一曲，标明是“昆曲”。流行于福清、平潭等地的词明戏，其中“水调”主要来自昆曲。屏南的四平戏与南平的南词戏也都搬演过昆剧的剧目。 　　昆曲在民间还以坐唱形式出现。清乾隆三十五年(1770年)，建瓯县成立“斋雅林曲社”，学唱昆腔，俗称“唱大曲”。 　　清道光年间(1821～1850年)，沙县成立有“清咏轩”昆曲票房组织，光绪二十六年(1900年)，改名“赏清轩”，以坐唱形式演出，剧目有《花魁吐袖》、《花亭相会》、《借衣劝友》、《秋江》、《花子过江》等。 　　清道光十一年(1831年)，东山县人林亚哥从广东碣石镇引进昆曲，在士绅、商界中传唱。清咸丰九年(1859年)，东山县陈荣祥利用出海行商机会，在上海、宁波、温州等地拜师学艺，回到东山后，进一步传播昆曲艺术，并进行改革，推动昆曲在东山县的发展。 　　清光绪十六年(1890年)，一位姓海的东山盐场管理员倡立“枕云天昆曲馆”，随后举人马兆麟、马征祥父子均参加活动。民国10年(1921年)，建瓯县曹梅亭、彭风人等组织“昆曲场”。同年，东山县昆曲爱好者林彭川在上海经商时，购得一套《六日曲谱》，回东山后，创办“东山国乐研究会”与“昆曲传习所”等组织。随后，东山县又成立“洞天和昆曲馆”，人数达70多人。至抗日战争爆发前夕，东山昆曲达到全盛时期。抗日战争期间，东山昆曲组织随之解散。 　　中华人民共和国成立后，东山昆曲得到恢复。1957年，由清唱形式发展到登台表演，演出《白蛇传》、《醉打山门》等传统节目。“文化大革命”期间，珍贵的《六日曲谱》手抄演出本遭焚毁。 　　粉碎江青反革命集团后，第七代传人黄匡国与孙初叶积极挖掘昆曲遗产，至1994年，共搜集、整理出12个剧目、47支曲牌。其中《白蛇传》13支、《卸甲封王》4支、《富贵长春》1支、《醉打山门》3支、《伏虎》4支、《思凡》5支、《长生殿》3支、《西厢记》5支、《赏荷》1支等。[3]词条图册更多图册
参考资料
1
http://www.people.com.cn/GB/wenhua/1087/2530355.html  

http://www.people.com.cn/GB/wenhua/1087/2530355.html
2
牡丹亭 摄影  

http://www.xqsy.net/category/mudanting/
3
福建省志  

http://www.fjsq.gov.cn/ShowText.asp?ToBook=183&index=17&
扩展阅读：
1
周传家：北京的昆曲艺术 http://humanities.cn/modules/article/view.article.php?381/c13
2
王宁：“清赏”与“雅玩”－昆曲的文人环境与地域色彩 http://humanities.cn/modules/article/view.article.php?380/c13
3
吴新雷：南京剧坛昆曲史略 http://humanities.cn/modules/article/view.article.php?379/c13
4
傅谨：京剧崛起与中国文化传统的近代转型——以昆曲的文化角色为背景 http://humanities.cn/modules/article/view.article.php?247
5
中国昆曲网:http://www.kunqu.net/
6
http://www.people.com.cn/GB/wenhua/1087/2530355.html
7
http://www.kunqumi.com/
8
http://www.jsszkjy.com/index.asp?module=history

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1.中国五大剧种之一 2.慕容晓晓演唱歌曲 1.中国五大剧种之一 编辑本义项百科名片
     黄梅戏《天仙配》剧照（严凤英，王少舫）黄梅戏，旧称黄梅调或采茶戏，与京剧、越剧、评剧 、豫剧并称中国五大剧种。它发源于湖北、安徽、江西三省交界处黄梅多云山，与鄂东和赣东北的采茶戏同出一源，其最初形式是湖北黄梅一带的采茶歌。黄梅戏用安庆语言念唱，唱腔淳朴流畅，以明快抒情见长，具有丰富的表现力；黄梅戏的表演质朴细致，以真实活泼著称。 黄梅戏来自于民间，雅俗共赏、怡情悦性，她以浓郁的生活气息和清新的乡土风味感染观众。

目录

词语解释
简介
黄梅戏的定名与源头
发源
发展1.黄梅戏在安庆的发展
黄梅戏的发展历史
黄梅戏的艺术特色
2.黄梅戏在湖北
历史沿革(1) 萌芽阶段的表演活动
(2)早期阶段的表演活动
(3)后期阶段的表演
(4)近期阶段的表演活动
黄梅戏鼻祖
人物生平
唱腔伴奏
角色行当
优秀剧目
著名演员
解放前的黄梅戏班社
黄梅戏荣誉榜
黄梅戏专业剧团（院）词语解释
简介
黄梅戏的定名与源头
发源
发展 1.黄梅戏在安庆的发展
黄梅戏的发展历史
黄梅戏的艺术特色
2.黄梅戏在湖北
历史沿革 (1) 萌芽阶段的表演活动
(2)早期阶段的表演活动
(3)后期阶段的表演
(4)近期阶段的表演活动
黄梅戏鼻祖
人物生平
唱腔伴奏角色行当优秀剧目著名演员解放前的黄梅戏班社黄梅戏荣誉榜黄梅戏专业剧团（院）展开 编辑本段词语解释
　　黄梅戏    黄梅戏《天仙配》
　　黄梅戏是安徽省的主要地方戏剧种，发源于以安徽省安庆市为中心的皖江流域（上至皖鄂交界的大别山地区，下至安徽安庆宿松、岳西、太湖、望江、潜山、怀宁、安庆市区、枞阳、桐城以及安徽池州在内的广大皖江流域），并最终以完整的独立剧种的形式诞生于安庆地区、成长于安庆地区、兴盛于安庆地区。 黄梅戏原名黄梅调、怀腔或府调等，现主要流布于安徽省安庆市及其周边地区。 　　黄梅戏的最早源头可能是来自湖北与安徽交界的大别山地区（目前此观点较为普遍）。传说清朝乾隆时期，湖北省黄梅县一带的大别山采茶调传入毗邻的安徽省怀宁县等地区，与当地民间艺术结合，并用安庆方言歌唱和念白，逐渐发展为一个新的戏曲剧种，当时称为怀腔或怀调，这就是早期的黄梅戏。其后黄梅戏又借鉴吸收了青阳腔和徽调的音乐、表演和剧目，开始演出“本戏”。后以安庆为中心，经过一百多年（19世纪初至解放前）的发展，黄梅戏成为安徽主要的地方戏曲剧种和全国知名的大剧种。 　　黄梅戏的唱腔属板式变化体，有花腔、彩腔、主调三大腔系。花腔以演小戏为主，曲调健康朴实，优美欢快，具有浓厚的生活气息和民歌小调色彩；彩腔曲调欢畅，曾在花腔小戏中广泛使用；主调是黄梅戏传统正本大戏常用的唱腔，有平词、火攻、二行、三行之分，其中平词是正本戏中最主要的唱腔，曲调严肃庄重，优美大方。黄梅戏以抒情见长，韵味丰厚，唱腔纯朴清新，细腻动人，以明快抒情见长，具有丰富的表现力，且通俗易懂，易于普及，深受各地群众的喜爱。在音乐伴奏上，早期黄梅戏由三人演奏堂鼓、钹、小锣、大锣等打击乐器，同时参加帮腔，号称“三打七唱”。中华人民共和国成立以后，黄梅戏正式确立了以高胡为主奏乐器的伴奏体系。 　　黄梅戏的角色行当体制是在“二小戏”、“三小戏”的基础上发展起来的，包括正旦、正生、小旦、小生、花旦、小丑、老旦、老生、花脸、刀马旦、武二花等行。虽有分工，但并无严格限制，演员常可兼扮他行。黄梅戏的表演载歌载舞，质朴细致，真实活泼，富有生活气息，以崇尚情感体验著称，具有清新自然、优美流畅的艺术风格。黄梅戏中有许多为人熟知的优秀剧目，而以《天仙配》、《女驸马》、《牛郎织女》、《夫妻观灯》、《打猪草》、《纺棉纱》等最具代表性。 　　黄梅戏是中国五大戏曲剧种之一，影响十分深远。目前黄梅戏流行区域正在萎缩，各级黄梅戏剧团特别是县级剧团的生存日益艰难，需要政府和全社会的关心与扶植。
编辑本段简介
　　。黄梅戏原名“黄梅采茶调”，渊源于唐初，十八世纪后期在皖、鄂、赣三省毗邻地区黄梅形成的一种民间小戏。 　　清道光前后，产生和流传于皖、鄂、赣三省间的黄梅采茶调、江西调、桐城调、凤阳歌，受戏曲青阳腔、徽调的影响，与莲湘、高跷、旱船等民间艺术相结合，逐渐形成了一些小戏。经过一段时间的发展，又在吸收“罗汉桩”、青阳腔、徽调的演出内容和表演形式的基础上，产生了故事完整的本戏。在从小戏过渡到本戏的过程中，曾出现过一种被老艺人称之为“串戏”的表演形式。所谓“串戏”是指那些各自独立而又彼此关连的一组小戏。这些小戏有的以事“串”，有的则以人“串””。“串戏”的情节比小戏丰富，出场的人物也突破了小丑、小旦、小生的三小范围。其中一些年龄大的剧中人物需要用正旦、老生、老丑来扮演。这就为本戏的产生创造了条件。戏在剧目方面，号称“大戏三十六本，小戏七十二折”。大戏主要表现的是当时人民对阶级压迫、贫富悬殊的现实不满和对自由美好生活的向往。如《荞麦记》《告粮官》《天仙配》等。小戏大都表现的是农村劳动者的生活片段，如《点大麦》《纺棉纱》《卖斗箩》。 　　解放以后，先后整理改编了《天仙配》《女驸马》《罗帕记》《赵桂英》《慈母泪》《三搜国丈府》等一批大小传统剧目，创作了神话剧《牛郎织女》历史剧《失刑斩》《玉堂春》现代戏《春暖花开》《小店春早》《蓓蕾初开》。其中《天仙配》:树上的鸟儿成双对........《女驸马》《玉堂春》和《牛郎织女》相继搬上银幕，在国内外产生了较大影响。严凤英、王少舫、张辉、黄新德、吴琼、马兰、韩再芬是著名的黄梅戏演员。 　　黄梅戏已成为深受全国观众喜爱的著名剧种。黄梅戏已有两百多年的历史，早期叫黄梅调，是“自唱自乐”的民间艺术。
编辑本段黄梅戏的定名与源头
　　黄梅戏的最早源头是来自湖北与安徽交界的大别山地区（目前此观点较为普遍）。清朝乾隆时期，湖北省黄梅县一带的大别山采茶调传入毗邻的安徽省怀宁县等地区，与当地民间艺术结合，并用安庆方言歌唱和念白，逐渐发展为一个新的戏曲剧种，当时称为怀腔或怀调，这就是早期的黄梅戏。其后黄梅戏又借鉴吸收了青阳腔和徽调的音乐、表演和剧目，开始演出“本戏”。后以安庆为中心，经过一百多年（19世纪初至解放前）的发展，黄梅戏成为安徽主要的地方戏曲剧种和全国知名的大剧种。
编辑本段发源
　　黄梅戏的起源最早可追溯到唐代。据史料记载，早于唐代时期，黄梅采茶歌就很盛行，经宋代民歌的发展、元代杂剧的影响，逐渐形成民间戏曲雏形。至明清，黄梅县戏风更盛。明崇贞年间，黄梅知县曾维伦在《黄梅风教论》中就有“十月为乡戏”的记述。清道光九年，在别霁林的《问花水榭诗集》中，一首竹枝词的描述就更为生动：“多云山上稻荪多，太白湖中渔出波。相约今年酬社主，村村齐唱采茶歌”。 　　    黄梅戏
约从清乾隆未期到辛亥革命前后为黄梅戏发展的早期。黄梅戏原名“黄梅调”或“采茶戏”，是十八世纪后期在皖、鄂、赣三省毗邻地区形成的一种民间小戏。其中一支逐渐东移到安徽省怀宁县为中心的安庆地区，与当地民间艺术相结合，用当地语言歌唱、说白，形成了自己的特点，被称为“怀腔”或“怀调”。这就是今日黄梅戏的前身。 黄梅戏从起源到发展经历了独角戏、三小戏、三打七唱、管弦乐伴奏4个历史阶段。前3个阶段均在湖北黄梅完成，为黄梅戏大剧种的最后形成提供了充分的先决条件。从清康熙、乾隆到光绪年间，是“三打七唱”形成和发展的重要历史阶段。这个阶段全面实践了传统剧目、唱腔、表演艺术积累和剧种的广泛传播，期间传统剧目非常丰富，艺人能演出的本戏、小戏有200多本，俗称“大本三十六、小曲七十二”。其中，不少是取材于黄梅的真人真事，如《告经承》《告坝费》《大辞店》《过界岭》等。 在剧目方面，号称“大戏三十六本，小戏七十二折”。大戏主要表现的是当时人民对阶级压迫、贫富悬殊的现实不满和对自由美好生活的向往。如《荞麦记》、《告粮官》、《天仙配》等。小戏大都表现的是农村劳动者的生活片段，如《点大麦》、《纺棉纱》、《卖斗箩》。 　　产生和流传到皖、鄂、赣三省间的黄梅采茶调、江西调、桐城调、凤阳歌，受当地戏曲（青阳腔、徽调）演出的影响，与莲湘、高跷、旱船等民间艺术形成结合，逐渐形成了一些小戏。进一步发展，又从一种叫“罗汉桩”的曲艺形式和青阳腔与徽调吸收了演出内容与表现形式，于是产生了故事完整的本戏。从小戏到本戏还有一种过渡形式，老艺人称之为“串戏”。所谓“串戏”就是各自独立而又彼此关连着的一组小戏，有的以事“串”，有的则以人“串”。“串戏”的情节比小戏丰富，出场的人物也突破了小丑、小旦、小生的三小范围。其中一些年龄大的人物需要用正旦、老生、老丑来扮演。这就为本戏的产生创造了条件。民国九年（1920年）的《宿松县志》上记载有“邑境西南，与黄梅接壤，梅俗好演采茶小戏，亦称黄梅戏。”第一次提出“黄梅戏”这个名称。
编辑本段发展
1.黄梅戏在安庆的发展
黄梅戏的发展历史
　　黄梅戏是安徽省的主要地方戏曲剧种。在湖北、江西、福建、浙江、江苏、台湾等省以及香港地区亦    黄梅戏
有黄梅戏的专业或业余的演出团体，受到广泛的欢迎。黄梅戏原名“黄梅调”，是十八世纪后期在皖、鄂、赣三省毗邻地区黄梅形成的一种民间小戏。其中一支逐渐东移到安徽省桐城市与安庆市的交汇处，与当地民间艺术相结合，用当地语言歌唱、说白，形成了自己的特点，被称为“怀腔”或“黄梅调”。这就是今日黄梅戏的前身。在民国10年(1921年)出版的《宿松县志》中,第一次正式提出“黄梅戏”这个名称。 　　黄梅戏的发展历史，大致分为三个阶段： 　　第一阶段，约从清乾隆到辛亥革命前后。产生和流传到皖、鄂、赣三省间的采茶调、江西调、桐城调、凤阳歌，受当地戏曲(青阳腔、徽调)演出的影响，与莲湘、高跷、旱船等民间艺术形成结合，逐渐形成了一些小戏。进一步发展，又从一种叫“罗汉桩”的曲艺形式和青阳腔与徽调吸收了演出内容与表现形式，于是产生了故事完整的本戏。从小戏到本戏还有一种过渡形式，老艺人称之为“串戏”。所谓“串戏”就是各自独立而又彼此关连着的一组小戏，有的以事“串”，有的则以人“串”。“串戏”的情节比小戏丰富，出场的人物也突破了小丑、小旦、小生的三小范围。其中一些年龄大的人物需要用正旦、老生、老丑来扮演。这就为本戏的产生创造了条件。 　　第二阶段，是从辛亥革命到1949年。这一阶段，黄梅戏演出活动渐渐职业化，并从农村草台走上了城市舞台。黄梅戏入安庆城后，曾与京剧合班，并在上海受到越剧、扬剧、淮剧和从北方来的评剧(时称“蹦蹦戏”)的影响，在演出的内容与形式上都起了很大变化。编排、移植了一批新剧目，其中有连台本戏《文素臣》、《宏碧缘》、《华丽缘》、《蜜蜂记》等。音乐方面，对传统唱腔进行初步改革，减少了老腔中的虚声衬字，使之明快、流畅，观众易于听懂所唱的内容。取消了帮腔，试用胡琴伴奏。表演方面，吸收融化了京剧和其他兄弟剧种的程式动作，丰富了表现手段。其它如服装、化妆和舞台设置，亦较农村草台时有所发展。 　　第三阶段，是1949至今。1952年，黄梅戏艺人带着《打猪草》、《蓝桥会》等剧目到上海演出。几十年来造就了一大批演员，除对黄梅戏演唱艺术有突出成就的严凤英、王少舫等老一辈艺术家外，中青年演员马兰、韩再芬等相继在舞台上、银幕上和电视屏幕上展现了各自的英姿，引起了观众的注视。严凤英、王少舫合演的《天仙配》，曾二度摄制成影片，轰动海内外。
黄梅戏的艺术特色
　　在剧目方面，号称“大戏三十六本，小戏七十二折”。大戏主要表现的是当时人民对阶级压迫、贫富    黄梅戏
悬殊的现实不满和对自由美好生活的向往。如《荞麦记》、《告粮官》、《天仙配》等。小戏大都表现的是农村劳动者的生活片段，如《点大麦》、《纺棉纱》、《卖斗箩》。 　　解放以后，先后整理改编了《天仙配》、《女驸马》、《罗帕记》、《赵桂英》、《慈母泪》、《三搜国丈府》等一批大小传统剧目，创作了神话剧《牛郎织女》、历史剧《失刑斩》、现代戏《春暖花开》、《小店春早》、《蓓蕾初开》。其中《天仙配》、《女驸马》和《牛郎织女》相继搬上银幕，在国内外产生了较大影响。严凤英、王少舫、吴琼、马兰是黄梅戏的著名演员。 　　黄梅戏的类别主要有花腔和平词。花腔以演小戏为主，富生活气息和民歌风味。平词，正本戏中的主要唱腔，常用大段的叙述、抒情，韵味丰富，如行云流水。
2.黄梅戏在湖北
　　黄梅戏湖北的发展，与18年前省委、省政府提出的一句口号密不可分，这句口号就是“把黄梅戏请回娘家”。]在这一口号的指引下，湖北省围绕振兴黄梅戏做了大量工作；成立了湖北省黄梅戏剧院；从安徽安庆聘请了部分黄梅戏演员；把黄冈地区的大部分楚剧、汉剧团纷纷改为黄梅戏剧团；成立了黄冈艺校，专门为黄梅戏培养后备人才。黄冈地区创作的两台剧目《於老四与张二女》、《银锁怨》先后在北京演出14场，得到观众好评；1995年，湖北省黄梅戏剧院创作的大型现代戏《未了情》和古装戏《双下山》，在安徽举办的全国第二届黄梅戏艺术节上获得优秀演出奖，主演杨俊、张辉获表演金奖。《未了情》还获得第五届中国艺术节文华新剧目奖、文华导演奖、文华音乐创作奖。 　　为了提高黄梅戏的整体艺术水平，湖北省文化厅与黄冈市政府决定每三年举办一次黄梅戏艺术节。经过5届艺术节的推动与磨砺，创作出了《冬去春又回》、《请让我做你的新娘》、《春到江湾》、《春哥传》等优秀剧目，培养出了郭华阳、周洪年、段秋萍等一批黄梅戏新秀。
编辑本段历史沿革
　　黄梅戏是由山歌、秧歌、茶歌、采茶灯、花鼓调，先于农村，后入城市，逐步形成发展起来一个剧种。他的起源，大约可以追溯到清朝乾隆年间，但形成一个完整的剧种，那还是近代的事。在这段时间内，他吸收了汉剧、楚剧、高腔、采茶戏、京剧等众多姐妹艺术的精华，使自己逐渐完善起来而成为一个名剧。在谈说这个名剧的时候，不能不注意到，表演这个剧种的团体，同样经历了这么一个漫长的发展过程．他也是从无到有，从小到大，从简单到复杂，逐步完善起来的。也可以说，黄梅戏的形成发展和他的表演团体的形成发展是相辅相成的。 纵观黄梅戏的表演活动，从业余性到专业性，大略可分为四个阶段．
(1) 萌芽阶段的表演活动
　　只有表演者，没有表演团体。这时期的黄梅戏，在宿松、怀宁的皖江一带(现在的安庆地区)，只是一些农民、手工业艺人如竹木匠、织工、裁缝等，用山歌、茶歌等结合旱船、龙舟民间歌舞形式，在庙会上或过年过节时演出、演唱，他们由一人牵头，把自愿者联络在一起，业余时间，自由结合，演唱完毕，各自散去，下次再演唱，重新组合。而这一次的组合，与上一次的人员，就不一定相同了。这种演出、演唱，纯粹是自娱自乐、与人同乐的性质，并不是以此为职业作为谋生的手段。所以说，早期的黄梅戏，还没有形成真正的表演团体。
(2)早期阶段的表演活动
　　相对固定、人员很少、形成业余或半职业的班社黄梅戏从山歌、茶歌、采茶灯、风阳花鼓调的演唱，发展到有简单故事情节的二小戏、三小戏的时候，演唱者们，便不能如先前那样随意演唱了。由于是戏的演出，必须有排练，有服装、道具等戏剧所需要的程序和要求，业余时间则不够，加之，这种演出可能变成表演者的职业或半职业，他们便自然结合成一个团体。这就有了早期相对固定的黄梅戏班子，即现在称之为表演团体的。这个时期的班子，有的是短期的，有的是季节性的，基本是业余性或半职业性的。大多没有固定的班址，内部松散，组织结构不完整，没有严格的纪律约束，人员出入自由，因表演的内容不大，剧中的人物不多，只不过三两出二小戏(小生、小旦)和三小戏(小生、小旦、小丑)，所以班子的人员很少，七八个人即可，所谓“七忙八不忙”，这是黄梅戏班子里流行的一句俗浯，就是说，这个班子七个人，就忙些，有八个人就不忙了。 因此说，中期阶段的黄梅戏，已经有了一些相对固定的，人员很少的，但是业余或半职业性的表演团体。
(3)后期阶段的表演
　　班社迅速发展，走上正规、固定，剧目增多，行当全，从农村进入城市黄梅戏到了清末民初，兼收并蓄，已经发展成比较完整、成熟的剧种。除演二小戏、三小戏外，吸收了青阳腔、楚剧的大本戏。演大本戏，就要求班社要相对的稳定，要具备表演大戏的表现能力。因此这段时期，相继出现了固定的职业性的班社，这种职业性的表演团体，为了生计，为了营业，为了保证收入，剧目要经常翻新，表演也要有一定的质量，人员增加了，行当齐全了，舞台美术(衣箱、幕布、道具、刀枪把子)也有了发展。班子不那么松散了，组织管理上，有了班主，还有了联系演出和管理生活的专职人员，流动性也增大了(即所谓“跑码头”)。这种职业性的表演团体，大约在清咸丰年间就已出现，如在咸丰七年(1857年)．清军多隆阿、鲍超曾在冬至这天．在宿松缄“为剧楼，演花鼓戏，邀各营队长洎众文吏聚观”。(宿松县志)这里说的花鼓戏就是黄梅戏。这个记述，说明两个问题：一、多隆阿和鲍超看的这个黄梅戏，可能是一个阵容不错，有一定演出质量的固定性职业班社。二、这个班社已进入剧场。可惜这个记述未记班社名字及其他活动情况，因此有人说，他也可能是一个非职业性的班子。但是在光绪年间之后，黄梅戏的职业班杜，在岳西、宿松、潜山、太湖、怀宁的皖西一带就相继大量出现。光绪二十一年(1895年)，桐城人瓦匠彭鸿华，人称彭小佬，组织了黄梅戏班子，在怀宁的乡间演出，称“彭小佬班”。又光绪三十年(1904年)前后，王宏元在岳西组“同升班“。20年代到30年代，是黄梅戏职业班社发展比较多的时期，除长江以北皖西、长江以南的至德(今东至县)、青阳、贵池、铜陵乃至徽州地区均有黄梅戏班社的组建。民国十五年(1926年)，张廷翰在岳西组建“张翰班“ (又称“良友班”)。民国十六年(1927年，檀槐珠在东至组建“同乐堂”，又名“槐珠班”、“檀家班”。王梓林于民因二十七年(1938年)，在宿松组建“抗建班“，又叫“王梓林班“。时值抗战时期，这个班子到抗战后方演出，宣传抗日救亡。民国三十五年(1946年)，桂春柏、桂月娥，在铜陵组建“椿月堂班“。抗战胜利后，大江南北，此散彼聚，聚而又散，散而又聚，比较活跃。1932年，丁永泉与艺友们一起，带班子进入安庆市，结束了黄梅戏只在农村演出的历史。此后，其他班社：仿效，也纷纷进入安徽的市县演出。 总的说，后期的黄梅戏表演团体，比较正规和固定，演出剧目增多，行当比较齐全，流行地区扩大，并从农村进入城市。
(4)近期阶段的表演活动
　　从职业班社转为政府管理的职业剧团黄梅戏于1932年进入城市，到全国解放，20多年间，从当时的安徽省省会安庆市，到周围各县以及江南的铜陵、青阳、贵池等县镇，都有黄梅戏的班社活动。1949年，中华人民共和国成立后，人民政府的文化事业管理部门，通过对艺人组织学习、培训等方式，将他们重新组织起来，置于政府领导之下，使之更好的学习和演出。如在安庆市，以丁老六(丁永泉)和他的儿子丁紫成、女儿丁翠霞，还有潘泽海和他的女儿潘王景琍，及后来从京班转来的王少舫兄妹，组建了“民众剧场”(当时场团合一，其实为民众剧团)。不久，严风英回到安庆，参加了“群乐剧场” (后改为“胜利剧场”，迁至钱牌楼新址)。又如桂春柏、桂月娥组建的“一二三班”，在铜陵被政府改为“铜陵新民剧团”。在此前后，安庆地区所辖各县及江南各县，将流动的职业班社及零星艺人，组成职业性的黄梅戏剧团。如望江县艺人胡玉庭和怀宁艺人李桂兰等人，从江北流动到至德，被至德组建为“至德大众剧团”。桐城县的文化部门将黄梅戏艺人陈国荣等，和一些业余演唱积极分子严云林等人，组成“桐城人民剧团”。望江县则是把半专业性的“凉亭剧团“和业余活动骨干组成“望江流动剧社”。 这样的恢复和重建表演团体，使原本流动性很强的“跑码头”状况，都相对的稳定了下来，基本上在一个县的范围内活动和演出，并且多有固定的剧场。演出条件大大改善，脱开了“草台”和“地滩”。最主要的是，有了政府的领导和支持，自己管理自己，经济收入也有了一定保证。
编辑本段黄梅戏鼻祖
　　简介　邢绣娘：本名秀莲，因会挑花绣朵，后改名绣娘。生于乾隆十四年，死于嘉庆二十三年(1749-1818)，黄梅县孔垄镇邢大墩人。 邢绣娘出身贫寒，自幼聪明伶俐，乖巧可人，喜爱歌唱，且歌喉婉转，音韵悠扬，她的演唱别具一格，深受民众喜爱，她曾经四次为乾隆皇帝献艺，并获得了“黄梅名伶”的御赐墨宝。
编辑本段人物生平
　　从小与兄嫂一起出门卖唱，因扮相俊俏，唱腔甜美，出道不久便赢得了“不要钱，不要家，要听绣娘唱采茶”的美誉。再加上黄梅县“一去二三里，村村都有戏”和黄梅县几乎人人都是“戏迷”的地域氛围，从而为邢绣娘最后完善黄梅采茶戏的创建，提供了必要条件。 　　乾隆二十九年，黄梅发大水，父病故，兄嫂携她和两岁侄子到江西卖唱。景德镇一个花花公子，见绣娘年青貌美，要纳她为妾，后在四川拳师吴荣帮助下，才逃回黄梅。回到家中，匆忙嫁给小时侯订就的“娃娃亲”丈夫梅火望。成家后，一心收徒唱戏，组建班社。 　　嘉庆二十三年，邢绣娘逝世，享年六十九岁，葬在九华山。 　　清道光年间，王耀文（汪永贤）与邢绣娘的长子汪敬延，次子汪敬宜，带着他们的儿孙，到湖北黄梅县汪黎许村认祖归宗。后代一直在安徽定居落户。 　　邢绣娘旧居位于黄梅县孔垅镇邢大墩。故居为二间土砖房。内有邢绣娘青少年时期使用过的木床、连厢、道情筒和“采茶戏”戏装等纪念物及《蔡鸣凤辞店》、《上天台》、《白扇记》等剧本。
编辑本段唱腔伴奏
　　黄梅戏唱腔委婉清新，分花腔和平词两大类。花腔以演小戏为主，富有浓厚的生活气息和民歌风味，多用“衬词”如“呼舍”、“喂却”之类。有“夫妻观灯”、“蓝桥会”、“打猪草”等；平词是正本戏中最主要的唱腔，常用于大段叙述，抒情，听起来委婉悠扬，有“梁祝”、“天仙配”等。 现代黄梅戏在音乐方面增强了“平词”类唱腔的表现力，常用于大段抒情、叙事，是正本戏的主要唱腔；突破了某些“花腔”专戏专用的限制，吸收民歌和其他音乐成分，创造了与传统唱腔相协调的新腔。黄梅戏以高胡为主要伴奏乐器，加以其它民族乐器和锣鼓配合，适合于表现多种题材的剧目。 　　一、唱腔 　　黄梅戏唱腔有三种形式：主腔、花腔、三腔（“彩腔”、“仙腔”、“阴司腔”三种腔体的统称）。 　　黄梅戏的主腔 　　主腔是黄梅戏传统唱腔中最具戏剧性表现力的一个腔系。它以板式变化体（或称板腔体）为音乐结构的原则，正是这一主要特点使它区别于曲牌联缀体（或称曲牌体）的“花腔”以及兼有两种体制特征的“三腔”。 　　主腔并不意味着在黄梅戏的所有剧目中每每为主。实际上，花腔小戏基本上不用主腔，有些大戏也并非以主腔为主，之所以把这一腔系称作主腔，是就它的音乐形态及音乐表现功能而言的。另外，从黄梅戏音乐发展史来看，主腔也晚于花腔和三腔。这一发展过程又与剧目从独角戏、两小戏、三小戏发展到串戏而最终能演整本大戏的历程相吻合。因此，可以认为：主腔是黄梅戏发展到成熟阶段的产物。它的出现，标志着黄梅戏音乐的基本风格的框定。 　　黄梅戏的花腔 　　 　　黄梅戏源于民间歌舞。山野村夫的劳动之歌，妇孺皆知的里巷歌谣，灯会社火之中的欢歌劲舞，是黄梅戏活泼的源头。黄梅戏在形成第一个阶段性成果——两小戏、三小戏的进程中，也形成了百余首小曲杂调的“花腔”腔系。花腔从民歌中来，但作用已与民歌不大一样。它已经从田头走上舞台，从随口而歌进入到规定的戏剧情境，传达角色的心声。今天所见的花腔小调，无论它与民歌有多大程度的类似，但它确已经历过戏剧浪头的打磨，具备了戏剧性音乐的某些特质，是一种民歌式的曲牌体制。 　　1．花腔的艺术特点 　　花腔的艺术特点体现在调式色彩的明朗化、表情达意的质朴化、节奏律动的舞蹈化、旋律线条的口语化、唱词结构的衬字（词）化等方面。 　　花腔是一个调式丰富的腔系。有典型的五声宫、商、角、徵、羽调式，还有运用偏音的五声性的六声调式等。花腔不同的调式色彩并不导致表情上的巨大反差。无论是大调性质的宫、徵调式，还是属于小调性质的羽、角、商调式，既不用于表现昂扬豪迈之刚烈，也洋用于表现悲戚愁苦之柔弱，在节奏律动的驱使下，在旋律线条的跌宕起伏中，它们充满着欢愉之情，谐谑之趣，似乎一切都很透明，一切都很乐观，纷繁的调式只不过是增添色彩而已。花腔这种求轻盈不求沉重，尚乐天而不沦于稳如泰山唐的表情倾向，成为黄梅戏的音乐乃至整个黄梅戏艺术不得不留意的基本品质。 　　表情达意的质朴化也是花腔的一个特点，从唱词看，状物言情都以快人快语、诙谐逗趣见长。如《逃水荒》中“小小竹竿三尺长，安几个铜钱响丁当，名字叫“莲厢”和《夫妻观灯》中“长子来看灯，他挤得头一伸。矮子来看灯，他挤在人网里蹲。胖子来看灯，他挤得汗淋淋。瘦子来看灯，他挤成一把筋”都是例证。从音乐看，简洁的乐汇、自然的语势、密集型的字位安排、结合成朗朗上口的旋律，既朴素又大方。 　　花腔的节奏具有民间舞蹈的律动。它用锣鼓伴奏，流畅的“长槌”，梧合人物上场下场，“花腔二槌”、“花腔四槌”、“花腔六槌”紧贴着唱腔的各个部位，或作入头，或作过门，令表演者和观众都有按捺不住的动感。 　　花腔的旋律线条非常口语化。它不仅符合当地方言的调值，还将人们说话时的锣辑重音以及有意强调某一字的语势都表达出来。花腔的百余首曲调，来自很多地方，如“莲花”、“凤阳歌”来自北方，“鲜花调”来自江南，这些曲调在流变的过程中，语言因素带来的变异是十分明显的，因此，花腔旋律的口语化，是统一花腔的风格的重要环节。 　　花腔在唱词中常大幅度采用衬字衬词，有些曲调甚至有“本末倒置”的现象，如“汲水调”，表意性的词只有“走出门来抬头看，三条大路走中间，奴家的小情歌”20个字，而加进衬词就成了“走出门来咦么郎当，抬头看呀么郎当，三条大路嗨嗨咦儿嗬嗨嗨呀儿嗬走中间，咦么郎当，郎得儿郎当，郎得儿郎当，唆儿嘞，唆儿嘞，嗨嗨咦嗨荷，唆儿嘞，奴家的小情哥。”需要说明的是，很多花腔的衬词都是曲调不可缺少的部分，它扩大了曲式结构，使短小的两句头、三句头小曲丰富起来。衬字的非表意性，为演唱者留出空白，可以任意点染自己所认可的情绪。当然过多的衬字衬词使本来易懂的词意变得难以捕捉，这是不必讳言的。 　　2．花腔的用法 　　从两上视角观察花腔的用法，一是花腔与小戏、串戏、大戏的关系，一是花腔各个小曲的自身变化以及小曲间的连接。 　　花腔与小戏密不可分，它几乎是小戏的代名词。在小戏中，花腔绝大多数是专曲专用，如“对花调”、“打猪草调”专用于《打猪草》，“开门调”、“观灯调”专用于《夫妻观灯》等。花腔在串戏中的使用情形与小戏类似。在大戏中，花腔仅作插曲。 　　花腔的某一首曲调自身的变化，主要是旋律线的变化。这种变化常常发生在小戏或串戏中的生旦角色共用一首曲调的时候。如“打猪草调”，陶金花上场与金小毛上场所唱略有差别。女腔在一个八度内活动，在乐句的开头每每碰撞最高音，旋律活泼而流畅；男腔则避开女腔的高音，在六度音域内活动，旋律线条较显棱角。 　　花腔属于曲牌联缀体。常见的是一出戏（小戏或串戏的一折）用1~2首花腔小曲。这些小曲用原型，也产生一些变体，在旋律上或板式上有所拓展。如《打猪草》前半部用“打猪草调”，男女腔有旋律上的差异。后半部用“对花调”，先是男女对唱齐唱，继而发展成“对花调对板”。花腔在小戏中也偶尔用一下主腔，如《打猪草》就是在“对花调对板”之后，忽然终止在“平词切板”上。但更多的时候，花腔是与三腔中的彩腔联用。如小戏《夫妻观灯》，开始处便用了五声徵调式的男彩腔，接着，是女腔为主男腔附和的五声宫调式的“开门调”。以后是“开门调”自身再产生板式变化，形成两首不同的“开门调对板”。当唱到“这班灯过了身，那厢又来一班灯”时，“彩腔”的变体与“开门调”结合，构成了内含调性调式变化的“观灯调”，“观灯调”进而引入“彩腔对板”扩大曲体，并强烈地维持着彩腔的调式调性，全剧最后结束在男女合唱的彩腔上。设彩腔因素为A，开门调因素为B，二者结合为C，《夫妻观灯》粗略的线条变是A-B-C-A-C-A，像这种材料集中、对比得当的结构手法，至今仍然是不可忽略的优秀传统。 　　3．花腔的戏剧音乐特征 　　花腔的戏剧音乐特征表现在角色意识的觉醒和板式手段的运用上。 　　如果把塑造典型的“这一个”音乐形象定位在戏曲音乐表现的最高层次，那么，居中的是程式化的行当唱腔，而处于最下层的是角色意识初萌的产物——简单的男女分腔。导致这种区分的动机很明显，即让人们从音乐中听出角色的性别来。 　　板式变化的手段对花腔的渗透，导致戏剧音乐特征进一步显现。如“对花调”、“开门调”、“讨学俸调”都演化出对板形式，这就增强了花腔的叙事功能。另外，被认为是青阳腔主要特色的滚调，也以滚板形式进入花腔，如“开门调”于一板一眼中夹入有板无眼的滚板唱腔，使音乐有了疏密快慢的比照，强化了戏剧性表现。 　　黄梅戏的三腔 　　三腔是“彩腔”、“仙腔”、“阴司腔”三种腔体的统称。 　　三腔有许多共同点。首先，三腔在音乐体制上综合了曲牌体和板腔体的因素，呈现出“准板腔体”的状态。三腔各自拥有一个基本腔体，彩腔、仙腔为四句体，它们的字位安排、复句位置、锣鼓的用法都较固定，具有曲牌体的定格之感。但三腔的每一腔体都派生出对板或数板，还形成一些补充腔句，因此，三腔也有板腔体的特点。其次，在男女分腔上，三腔既不同于主腔的男女腔转调相连，也不同于大多数花腔小曲的男女腔同腔同调演唱，而是男女腔在旋律上差别较大，容易区别开来。再者，在戏剧性表现功能上，三腔兼有抒情性叙事性表现能力。 　　三腔是一组情趣各异的姊妹腔，它们的不同之处也很显见。如三腔的来源各不相同。彩腔，又称“打彩调”，它由花腔小曲逐渐演变而成。仙腔也称作“道腔”、“道情”，产生于当地的道教音乐，直接进入黄梅戏或先由青阳腔吸收后由黄梅戏传承。阴司腔又叫“还魂腔”，来自青阳腔，故又叫“阴司高腔”。三腔的表情及用途也不同：彩腔表达光高采烈的喜庆之情；而男仙腔则有舒展洒脱的气度，通过特殊唱法的处理，还可以获得奇异的喜剧色彩或表达伤感的情绪，阴司腔是一个表现沉郁的腔体，原为剧中亡灵或行将辞世的角色抒发悲伤的情感所用，其言戚戚，其音哀哀，恍若进入阴曹地府一般。另外，三腔的调式及句式不尽相同。彩腔、仙腔有五声徵调式、六声徵调式两种，阴司腔则是五声商调式。 　　1．彩腔 　　彩腔的基本结构是四句体。男女腔保持着共同的调式、共贩字位安排及共同的核心乐汇，但旋律线是男腔走低女腔走高。彩腔以“花腔六槌”作入头，第二句唱腔后用“花腔四槌”，第三句唱腔后用“花腔二槌”，一段彩腔唱完可用“花腔一槌”终止唱段。彩腔为徵调式，大多是五声，偶尔旨直变宫音。四句腔的落音分别是5 5 6 5。老的彩腔与黄梅采茶戏有所近似是而非，四句腔的落音是6 5 6 5或1 5 6 5。从音乐的材料上看，彩腔的第二句与第四句旋律十分相近，而第三句则具有较强的展开性，形成ABCB的“起承转合”结构。 　　彩腔的辅助板式有对板和散板，均由上下句构成，这种板式或一人独唱或二人对唱，增强了彩腔的叙事功能。对板为一板一眼，词格有五字句和七字句。对板常以下句与具有“转”句功能的彩腔第三句相接，也可从彩腔第二句后接对板上句或唱完一段彩腔后再接对板等。彩腔的补充腔句主要有“迈腔”，它代替第三句的位置。迈腔的句幅比第三句短小，落音在1上，具有新鲜感，以增加音乐的动力。彩腔的落板方式是将结束句放慢，利用速度的递减形成缓冲以造成终止。另外，彩腔也停留在“切板”上，“切板”的旋律与“平词切板”大致相同。 　　彩腔的四句基本腔，有时因唱词增多而有扩展。扩展的方式，一种是用“句首加帽”的方法增加行腔，另一种是增加滚唱。如在《三字经》的丑唱彩腔中，因唱词句式多变而生出有板无眼的流水落石出板和滚唱并用的大段彩腔来。彩腔这种一曲多变的实例，说明黄梅戏传统唱腔的自由度历来就很大。当某种腔调形成了大致的框格，聪明的艺人们便“据本而衍文”，从这个边缘不十分清晰的本体中，孳生出许许多多的枝节，甚至可以大增大减，演化出多种多样的变体来。这大概就是民间艺人创腔的“作曲法”。 　　彩腔因其音乐体制介乎于主腔、花腔之间，与它们的联用也很常见，尤其是小戏中，彩腔与花腔联用更为频繁。另外，在早期的花腔小戏演出中，彩腔常常用于“打彩”。所谓打彩是游离于戏外的一种筹款活动，是艺人获取收入的一种手段。且不论某些艺人在讨彩中不免有庸俗的表演，但用于打彩的曲调当是受众最广，最能代表剧种特色的唱腔。艺人们“百里挑一”选择了它，观众也“百听不厌”接纳了它，那么彩腔的形态特征及音乐情趣当是不可忽略的。 　　2．仙腔 　　仙腔的基本结构也是四句体，但形态比彩腔复杂。仙腔要在两个部位重复唱词，一处是第一句词（七字句）的后三个字，另一处是第四句词全句重复。这样，四句腔的长度变得参差不齐，在腔体内部造成了有的乐句一掠而过，有的乐句则重点强调的对比效果。 　　复句是高腔中常见的一种表现手段，在岳西高腔中，复句是要在抄本上用符号予以圈点的，足见艺人们对它的重视。高腔的复句，被重复的唱词披以新的旋律，腔幅也有很大变化，这与黄梅戏仙腔的复句手法相似。 　　仙腔也用花腔锣鼓。以“花腔六槌”作入头，可用“花腔一槌”收束，这与彩腔相同。但内战腔在第一句腔与三字复句之间夹入“花腔二槌”，在三字复句之后，接以“花腔四槌”，形成头一句唱词（含复句）紧锣密鼓的状态，这与彩腔中锣鼓较平均的用法有很大差别。在老的仙腔中还运用帮腔，并且用“靠腔锣”随腔击节，这些都是高腔特点的留存。　仙腔的辅助板式有数板（也称对板），是将仙腔腔体内的第二、第三两句予以变化重复而形成的上下句结构。 　　仙腔的补充腔句有“迈腔”，句幅及落音与“彩腔迈腔”相同。 　　仙腔有一个显著的特点，它可以用变奏的手法形成不同变体，这种变体不是一般意义上的稍有不同，而是有相当大的表情差异。以《天仙配》为例，当众仙女偷偷来至天河，观看人间美景时，表现她们得到解脱后的愉悦之情用的是仙腔；当七仙女小施法术，令千年槐树开口讲话时，配合这一神奇场面的是音色古怪、口吻夸张的男唱仙腔；当董永得知七仙女将被迫离他而去，那棵曾作媒证的老槐树也哑口无言，不能相助时，他伤心至极地唱着：“哑木头，哑木头，连叫三声，不开口。”这里用的还是仙腔。如此不同的情境，不同的人物，反差极大的情感表达都以仙腔来体现。 　　3．阴司腔 　　阴司腔是黄梅戏主腔诸腔体与三腔之中表情最单一，拖腔最充足的腔体。专用于伤感之时，上下两句腔的末字上都有四到六小节的行腔。 　　阴司腔一波三折，凄婉动人，极善表达剧中人如死灰的绝望之情。由于这一特点，它常与主腔联用，以补足主腔的悲腔块面。 　　阴司腔是五声商调式。调式色彩既不同于主腔，也不同于彩腔，仙腔。这使它兀立于群腔之中，很容易分辨。 　　阴司腔因其腔句长大和表情单一而不宜反复使用，一般只用一遍就转入辅助板式和补充腔句。从这里似乎可以“悟”出板腔体对上下句的要求：它排斥非叙事性的过长拖腔，同时，它对表情的要求取“中性色彩”，那些情绪过于偏狭而不易更动的腔句，不宜用作变奏的原型，也就不配作上下句的母体。 　　阴司腔的辅助板式是上下句结构的数板，具有较强的叙事能力，它的旋律来自阴司腔的上下句，同样也是五声商调式。阴司腔的补充腔句是“阴司迈腔”，它的结构及落音与彩腔迈腔、仙腔迈腔同。常用于阴司腔上下句之后，以转向阴司腔数板或别的腔体。　由于表情的互通，阴司腔常与“哭介”结合在一起，伤情之处，辅以哭喊的音调，以求更强烈的悲剧性表现。 　　二、语 言　 　　黄梅戏语言以安庆地方语言为基础，属北方方言语系的江淮方言。其特点为----唱词结构在整本戏多为七字句和十字句式。七字句大多是二、二、三结构，十字句大多是三、三、四结构。有时可根据需要以七字、十字句为框架，字数可压缩或增扩，曲调则常使用垛句。花腔小戏的唱词灵活多变，有三至七字不等，中间常夹杂多种口语化无词意的字。句数不一定为偶数有时奇数句重复最后一句便成偶数。唱念方法均用接近普通话的安庆官话唱念。整本戏中用韵母念、官话唱，小戏说白则用安庆地方的乡音土语，唱腔仍用官话唱。 　　三、伴 奏 　　黄梅戏最初只有打击乐器伴奏，即所谓“三打七唱”。抗日战争时期，曾尝试用京胡托腔；后又试用二胡伴奏，但都未能推广。到建国初期，才逐渐确定用高胡作主要伴奏乐器，并逐步建立起以民族乐器为主、西洋乐器为辅的混合乐队，以增强音乐表现力。 伴奏锣鼓最初只有大锣、小锣、扁形圆鼓，被称作“三打七唱”，即3人演奏打击乐器并参加帮腔、7人演唱。以后执堂鼓者又兼奏竹根节和钹，3名伴奏者分别坐在上场门内外侧和草台正中（奏鼓者）。30年代后，因受徽班和京剧影响，逐渐移至下场的台侧。传统的锣鼓点质朴、洗练，常用的有一、二、三、四、五、六、九槌，和十三槌半、四不粘（又名“一字锣”）、蛤蟆跳缺、凤点头、三条箭、推公车等。配合身段表演的有起板锣鼓、十三槌半、七字锣、叫锣等。建国后，又陆续吸收京剧技艺，编创了一些新锣点，以适应表演和声腔伴奏的需要。　起初，黄梅戏无伴奏曲牌，抗日战争前后因与徽调、京戏同台演出，才吸收了京剧中的《三枪》、《大开门》、《小开门》、《枯皇天》等曲牌。建国初期，艺人又吸收了一些民间吹打及道教音乐中的《游春》、《琵琶词》等曲牌，使黄梅戏伴奏音乐逐步丰富起来。
编辑本段角色行当
　　黄梅戏角色行当的体制是在“二小戏”、“三小戏”的基础上发展起来的。上演整本大戏后，角色行当才逐渐发展成正旦、正生、小旦、小生、小丑、老旦、奶生、花脸诸行。辛亥革命前后，角色行当分工被归纳为上四脚和下四脚。上四脚是：正旦（青衣）、老生（白须）、正生（黑须）、花脸；下四脚是：小生、花旦、小丑、老旦。行当虽有分工，但很少有人专工一行。民国十九年（1930）以后，黄梅戏班社常与徽、京班社合班演出。由于演出剧目的需要，又出现了刀马旦、武二花行当，但未固定下来。当时的黄梅戏班多为半职业性质，一般只有三打、七唱、箱上（管理服装道具）、箱下（负责烧茶做饭）十二人。行当搭配基本上是正旦、正生、小旦、小生、小丑、老旦、花脸七行。由于班社人少，演整本大戏时，常常是一个演员要兼扮几个角色，因而在黄梅戏中，戏内角色虽有行当规范，但演员却没有严格分行。 　　正旦：多扮演庄重、正派的成年妇女，重唱工，表演要求稳重大方。所扮演的角色如：《荞麦记》中的王三女、《罗帕记》中的陈赛金、《鱼网会母》的陈氏等。重唱念，讲究喷口、吐字铿锵有力。所扮演的角色如：《荞麦记》中的徐文进、《告经承》的张朝宗、《桐城奇案》的张柏龄等。 　　小旦：又称花旦，多扮演活泼、多情的少女或少妇，要求唱做并重，念白多用小白（安庆官话），声调脆嫩甜美，表演时常执手帕、扇子之类，舞动简单的巾帕花、扇子花。所扮演的角色如：《打猪草》中的陶金花、《游春》中的赵翠花、《小辞店》中的刘凤英等。演出整本大戏后，小旦行又细分出闺门旦及专演丫鬟的行当“捧托”。旦行是黄梅戏的主要行当，旧有“一旦挑一班”之说。 　　小生：多扮演青少年男子，用大嗓演唱，表演时常执折扇。扮演的角色如：《罗帕记》的王科举、《春香闹学》的王金荣、《女驸马》的李兆廷、《天仙配》的董永等。 　　小丑：分小丑、老丑、女丑（彩旦）三小行。在黄梅戏中，丑行比较受欢迎。为帮助演出，小丑常拿着一根七、八寸长的旱烟袋，老丑则拿着一根二、三尺长的长烟袋，插科打诨，调节演出气氛。扮演的角色如《打豆腐》中的王小六、《钓蛤蟆》中的杨三笑等。 　　老旦：扮演老年妇女，在戏中多为配角。如《荞麦记》中的王夫人。 　　花脸：黄梅戏中花脸专工戏极少，除在大本戏中扮演包拯之类的角色外，多扮演恶霸、寨主之类的角色，如《卖花记》的草鼎、《二龙山》的于彪等。 　　正生：又称挂须，有黑白须之分，一般黑须称正生，白须称老生。重唱念，讲究喷口、吐字铿锵有力。所扮演的角色如：《荞麦记》中的徐文进、《告经承》的张朝宗、《桐城奇案》的张柏龄等。 　　伴奏锣鼓最初只有大锣、小锣、扁形圆鼓，被称作"三打七唱"，即3人演奏打击乐器并参加帮腔、7人演唱。以后执堂鼓者又兼奏竹根节和钹，3名伴奏者分别坐在上场门内外侧和草台正中（奏鼓者）。30年代后，因受徽班和京剧影响，逐渐移至下场的台侧。传统的锣鼓点质朴、洗练，常用的有一、二、三、四、五、六、九槌，和十三槌半、四不粘（又名"一字锣"）、蛤蟆跳缺、凤点头、三条箭、推公车等。配合身段表演的有起板锣鼓、十三槌半、七字锣、叫锣等。建国后，又陆续吸收京剧技艺，编创了一些新锣点，以适应表演和声腔伴奏的需要。
编辑本段优秀剧目
　　黄梅戏的优秀剧目有《天仙配》、《牛郎织女》、《槐荫记》、《女驸马》、《孟丽君》、《夫妻观灯》、《打猪草》、《柳树井》、《蓝桥会》、《路遇》、《王小六打豆腐》、《小辞店》、《玉堂春》等等。
编辑本段著名演员
　　严凤英、王少舫、张云风、潘璟琍、黄宗毅、黄新德、马兰、陈小芳、张辉、吴琼、杨俊、吴亚玲、袁玫、韩再芬、周莉、李萍、汪菱花、汪静、李文、赵媛媛、孙娟、余顺、周源源、周珊等
编辑本段解放前的黄梅戏班社
　　解放前黄梅戏班社的类型 　　解放前的黄梅戏班社，大约可分个人演唱，业余性班社，季节性班社，半职业班社，职业性班社。 　　一、个人演唱，是指个人或几个人零星演唱。 　　二、季节性班社，是指业余性班社和半职业性班社两种。 　　三、职业性班社。 　　黄梅戏职业班社在长期的演出活动中，涌现出一批有影响的班社： 　　双喜班 　　班址在桐城，班主是踞光华。演出活动范围很广，主要在桐城、潜山、怀宁、枞阳、岳西、贵池、东流等地，演员阵容强大，早期是吴汉周、胡金发、方立堂等，其后则是严风英、桂月娥、丁翠霞，号称“三大坤角”，以及丁永泉、了紫臣等。班规很严，管理有序。还请了京剧艺人传授技艺，藉以提高自己的演戏水平。这个班子，勇于改革，演出中减少帮腔，加入京胡托腔伴奏取代锣鼓过门。1936年琚光华与丁永泉、潘孝慈、查文艳、郑绍周、檀槐珠等人，带班到上海，在上海九亩地、陆家浜演出。1944年，“双喜班”停止活动，到抗战胜利的1945年才恢复演出，1947年，“双喜班”荟聚黄梅戏精英严风英、桂月娥、丁永泉、丁翠霞、柯砚秋、潘犹芝、程积善、潘泽海、潘璄瑮、丁紫臣、王文治、饶广胜等于一堂，演出于大通，引起很大的轰动。这可能是黄梅戏一个最强的职业班社，一次质量最好的演出。 　　小白伢班 　　成立较早，约在1911年。班址在岳西，班主是崔小白和刘金秀两个女子。她们原本都是童养媳，黄梅戏的艺人住在她们家隔壁，教戏时她们隔墙偷听学会了黄梅戏，后冲破阻碍拜师学艺，师满试演获得成功，后两人以“二小戏”到处唱“堂会”，很受欢迎。随邀人自己组班，被称为“小白伢班”，不仅演唱“二小戏”、　“三小戏”，更多的是演出“本戏”。因当时女子演戏是件新奇的事儿，尤其是两个女伶领班并同台演唱，轰动四乡八村，数十里外的人也赶来看戏。这是黄梅戏的历史上，第一个女子领班的班社。 　　张翰班 　　班址在岳西，班主是张廷翰。这个班子，活动于岳西、潜山、怀宁、太湖、舒城、霍山、六安一带。班子里的成员，是集中潜山、岳西、怀宁的精英，如王宏元，朱昌运、吴汉周、王风阳、方立周、方立堂等．老旦朱昌运被誉称朱奶奶，花脸方立堂被誉称“活文王”、“活姜维”、“活包公”。由于阵容强大，演出质量上乘，故有“岳潜第一班”之称。
编辑本段黄梅戏荣誉榜
　　1985年 　　全国黄梅戏青年演员大奖赛“十佳”演员称号　丁同、刘广慧 　　1986年 　　马兰　第四届全国戏曲梅花奖（主演莎士比亚戏《无事生非》） 　　1987年　1988年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《西厢记》　第六届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片创新奖 　　（2）马兰　第六届“金鹰奖”最佳女主角奖（主演电视连续剧《严凤英》） 　　（3）马兰　第八届“飞天奖”优秀女主角（主演电视连续剧《严凤英》） 　　1989年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《朱熹与丽娘》　全国第九届电视剧《飞天奖》二等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《朱熹与丽娘》　第六届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片创新奖 　　（3）全国黄梅戏大奖赛中荣获“十佳”演员　周莉 　　1990年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《遥指杏花村》　全国第十届电视剧《飞天奖》二等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《遥指杏花村》　全国第五届戏曲电视剧多本剧二等奖 　　（3）黄梅戏音乐电视剧《遥指杏花村》　全国第三届“乌金奖”特等奖 　　1991年 1992年 　　（1）黄梅戏《红楼梦》　获全国“五个一工程”奖　、　文化部“文华大奖” 　　（2）马兰获“文华表演奖”、“白玉兰奖” 　　（3）黄梅戏音乐电视剧《桃花扇》　全国第十二届电视剧《飞天奖》二等奖 　　（4）黄梅戏音乐电视剧《桃花扇》　第十届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片创新奖 　　（5）胡连翠　全国第五届戏曲电视剧优秀导演奖 　　1993年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《半把剪刀》　全国第九届戏曲电视剧《飞天奖》二等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《半把剪刀》　第十一届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片奖 　　1994年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《玉堂春》　中国首届戏曲展播优秀戏曲片奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《玉堂春》　第十二届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片奖 　　1995年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《孟丽君》　全国第十五届电视剧《飞天奖》三等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《孟丽君》　第十三届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片奖 　　（3）黄梅戏《梁山伯与祝英台》剧本于1995年获华东田汉戏剧奖。 　　1996年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《家》　全国第十六届电视剧《飞天奖》二等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《家》　第十四届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片奖 　　（3）黄梅戏音乐电视剧《家》　全国“五个一工程”奖 　　（4）黄梅戏音乐电视剧《家》　全国戏曲二等奖 　　（5）黄梅戏音乐电视剧《家》　中国戏曲音乐《孔三传》优秀作曲奖 　　1997年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《春》　全国第十七届电视剧《飞天奖》一等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《春》　第十四届《大众电视》“金鹰奖”戏曲电视剧一等奖、最佳戏曲导演奖、最佳编剧奖、最佳摄影奖、最佳舞美奖 　　（3）黄梅戏音乐电视剧《春》　全国“五个一工程”奖 　　（4）黄梅戏音乐电视剧《春》　“97”中国电视戏曲展播一等奖 　　1998年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《秋》　全国第十八届电视剧《飞天奖》二等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《秋》　第十六届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片奖 　　1999年 　　（1）黄梅戏音乐电视剧《啼笑因缘》　全国第十九届电视剧《飞天奖》三等奖 　　（2）黄梅戏音乐电视剧《啼笑因缘》　第十七届《大众电视》“金鹰奖”最佳戏曲片奖 　　2000年 　　韩再芬　荣获第十七届中国戏剧梅花奖 　　黄梅戏《徽州女人》获第六届中国艺术节戏曲类大奖 　　黄梅戏《风雨丽人行》　获全国“五个一工程”奖 　　2001年 　　黄梅戏《生死擂》荣获第21届“金鸡奖”“最佳戏曲片奖” 　　2002年 　　安徽省黄梅戏剧院著名演员吴亚玲荣膺第十九届中国戏剧梅花奖 　　2007年 　　马兰荣获美国纽约市文化局、林肯表演艺术中心和美华协会颁发的“亚洲最杰出艺术家终身成就奖”。 　　文华奖（选拔进艺术节的作品都会获得文华新剧目奖，从中再选择出文华大奖）： 　　第二届（1992年） 　　文华大奖 《红楼梦》 安徽省黄梅戏剧院 　　文华导演奖 《红楼梦》 马科 孙怀仁 　　文华音乐创作奖 《红楼梦》 唱腔设计 沈利群 徐志远 　　文华表演奖 马兰 《红楼梦》饰贾宝玉 　　第七届（1997年） 　　文华新剧目奖 《未了倩》 湖北省黄梅戏剧院 　　文华导演奖 《未了情》 余笑予 　　文华音乐创作奖 《未了情》 陈精耕作曲 　　文华表演奖 杨俊 《未了情》饰陆芸 　　第九届（2000年） 　　文华新剧目奖 《徽州女人》 安徽省安庆市黄梅戏剧院 　　文华导演奖 《徽州女人》 陈薪伊 曹其敬 　　文华舞台美术奖 《徽州女人》 灯光设计 邢辛 　　服装设计 史延芹 　　化装设计 雷茨美 　　文华表演奖 韩再芬 《徽州女人》饰女人 　　第十一届（2004年） 　　文华新剧目奖 《长恨歌》 安徽省黄梅戏剧院 　　文华表演奖 李文 《长恨歌》饰杨玉环 　　黄新德 《长恨歌》饰李隆基 　　梅花奖： 　　第四届　马　兰 《无事生非》 　　第九届　黄新德 　　第十三届　杨　俊 　　第十七届　韩再芬 　　第十九届　吴亚玲 　　第二十四届 张 辉 周源源
编辑本段黄梅戏专业剧团（院）
　　（以1984年为基准） 　　安徽省黄梅戏剧院 　　安徽省小黄梅剧团 　　安徽省安庆市黄梅戏剧院一团 　　安徽省安庆市黄梅戏剧院二团 　　安徽省安庆市黄梅戏剧院青年演出团 　　安徽省安庆地区黄梅戏一团 　　安徽省安庆地区黄梅戏二团 　　安徽省安庆市怀宁县黄梅戏剧团 　　安徽省安庆市望江县黄梅戏剧团 　　安徽省安庆市潜山县黄梅戏剧团 　　安徽省安庆市宿松县黄梅戏剧团 　　安徽省安庆市太湖县黄梅戏剧团 　　安徽省安庆市岳西县黄梅戏剧团 　　安徽省安庆市桐城市黄梅戏剧团 　　安徽省安庆是枞阳县黄梅戏剧团 　　安徽省东至县黄梅戏剧团 　　安徽省贵池县黄梅戏剧团 　　安徽省铜陵市黄梅戏剧团 　　安徽省铜陵县黄梅戏剧团 　　安徽省马鞍山市黄梅戏剧团 　　安微省休宁县黄梅戏剧团 　　安徽省歙县黄梅戏剧团 　　安徽省黟县黄梅戏剧团 　　安徽省绩溪县黄梅戏剧团 　　安徽省太平县黄梅戏剧团 　　安徽省石台县黄梅戏剧团 　　安徽省南陵县黄梅戏剧团 　　安徽省当涂县黄梅戏剧团 　　安徽省青阳县黄梅戏剧团 　　安徽省泾县黄梅戏剧团 　　安徽省六安市黄梅戏剧团 　　安徽省金寨县黄梅戏剧团 　　安徽省霍邱县黄梅戏剧团 　　安徽省巢湖地区黄梅戏剧团 　　安徽省庐江县黄梅戏剧团 　　安徽省滁县黄梅戏剧团 　　安徽省定远县黄梅戏剧团 　　安徽省芜湖市黄梅戏剧团 　　江西省九江县黄梅戏剧团 　　江西省彭泽县黄梅戏剧团 　　江西省都昌县黄梅戏剧团 　　江西省湖口县黄梅戏剧团 　　江西省星子县黄梅戏剧团 　　江苏省盱眙县黄梅戏剧团 　　江苏省泗洪县黄梅戏剧团 　　江苏省洪泽县黄梅戏剧团 　　江苏省句容县黄梅戏剧团 　　湖北省黄梅县黄梅戏剧团 　　湖北省蕲春县黄梅戏剧团 　　湖北省英山县黄梅戏剧团 　　浙江省长兴县黄梅戏剧团 　　福建省明溪县黄梅戏剧团 　　山西省大同市黄梅戏剧团

绍剧
百科名片
绍剧，戏曲剧种。又名“绍兴乱弹”、“绍兴大班”。流行于浙江绍兴、宁波、杭州地区及上海一带。绍剧是浙江三大剧种之一，已有300多年历史，拥有400多个剧目。绍剧以高亢激越的唱腔、粗犷朴实的音乐、豪放洒脱的表演和文武兼备等特点形成了自己独特的艺术风格，特别是悟空戏独树一帜，达到了较高的艺术水平。一出《孙悟空三打白骨精》拍成电影后，发行七十二个国家和地区，曾风靡全国，声播海外。1950年定名为绍剧。

目录

历史渊源
艺术特点
经典剧目
当代发展
　　    

编辑本段历史渊源
　　绍剧是一种古老的剧种，来源于秦腔，明末清初时期形成于绍兴地区，后兴盛于清康熙、乾隆年间。受到弋阳腔、赣剧、徽戏等剧种的影响，并收了流行于绍兴地区的余姚腔、新昌调（高）腔以及民间戏曲的特色，逐步发展成为绍兴乱弹，并在剧目、音乐唱腔和表演艺术等方面，有很大发展和提高。清乾隆年间（1723-1735）开始盛行。  绍剧
　　明嘉靖年间,余姚腔、弋阳腔盛行,绍兴一带出现了“调腔”。初为吹唱道士班和堂名班等坐唱形式，一人兼唱多行脚色，并以大锣、大鼓、铙钹伴奏。搬上舞台后，称绍兴高调班。明末清初，昆腔盛行，继而乱弹传入，高调班纷纷兼唱昆腔和乱弹，形成三合班。至乾隆年间，盛极一时，多以“群玉”二字作班名。到了咸丰、同治年间，高腔和昆腔逐渐失去观众，特别在农村，乱弹备受欢迎，于是艺人改唱乱弹为主，称绍兴乱弹班。
编辑本段艺术特点
　　  绍剧
　　绍剧唱腔的主要曲调为“二凡”、“三五七”和“阳路”，以“二凡”为主。唱辞以七字齐言对偶为基础，剧作内容多为忠奸争斗、征战杀伐之事。焦循《花部农谭》谓“其事多忠、孝、节、义，足以动人；其词直质，虽妇孺亦能解；其音慷慨，血气为之动荡。”30年代称“越剧”。“二凡”与西秦腔有明显的渊源关系。其流传情况，一说为南明潞王朱常汸南驻杭州，鲁王朱以海东迁绍兴,均带有乐工南来,因而西秦腔传入浙东;另一说则认为系李自成将西秦腔带到安徽,与“三五七”两腔合用，然后由徽州商人逐渐带入浙江。“二凡”唱腔高亢激越，以紧拉慢唱为特点，其拖腔不受乐曲限制，演员可以根据人物感情需要，尽情发挥。“三五七”因其唱句以前句三字和五字，后句七字组成而得名，属早期吹腔，源于安徽太平（今当涂），故艺人称“太平三五七”，由于长期流行于浙东，并用绍兴方言结合中原音韵的绍兴官话演唱，使之具有当地的乡土特色。“三五七”行腔委婉，宜于抒情。“阳路”即吹腔，有“高阳”、“平阳”之分。  绍剧
　　绍剧伴奏乐器以板胡为主，“斗子”为辅。绍剧的板胡亦称高胡,音色比一般板胡更为高亢,“斗子”亦称“金刚腿”、“牛腿琴”。此外，还有唢呐、梆笛、笙、管等。绍剧的打击乐用大锣、大鼓、大钹，气势宏伟。锣鼓点自成一套，粗犷、朴实，具有浙东地方的风格特点，称为“绍班锣鼓”。 　　绍剧的音乐曲调丰富，音调高亢激越，旋律节奏急速明快，声音清越刚劲，善于表达悲壮、慷慨激昂的情感；加上唱白通俗易懂，表演风格粗犷豪放，具有浓郁的生活气息。 　　绍剧的武功有的来自目连戏，有的吸收民间武术加以美化，如“打短手”、“九窜滩”、“手顶”、“窜刀”、“甩桌”、“推车跟斗”、“七十二吊”、“叠罗汉”等,均颇有特色。绍剧的唱法也有自己的特点,花脸用宏亮的“堂喉”(真声)，小生和旦用“子喉”（假声），老生则用“乖喉”（真假声结合）。 　　绍剧的著名演员有梁幼侬、吴昌顺、陆长胜、筱玲珑、林芳锦、汪筱奎、章宗信（七龄童）、章宗义（六龄童）、筱昌顺、陈鹤皋、章艳秋、王振芳（十三龄童）、钱慧韵、筱艳秋等。
编辑本段经典剧目
　　  绍剧
　　绍剧的剧目颇为丰富，从题材上看，以历史戏居多，家庭戏次之。就其风格特点来说，多为情绪愤慨、斗争激烈、感情奔放的一类戏，流传的传统剧目达三百多个。整理后的《孙悟空三打白骨精》、《于谦》、《龙虎斗》、《芦花记》等，得到一致好评。各行脚色均有各自的拿手戏，如二手戏《游园吊打》、《磨房串戏》，花脸戏《打太庙》、《打半山》，老生正生戏《轩辕镜》、《渔樵会》、《芦花记》，花旦戏《香罗带》、《哭箱诉舅》等。 　　绍剧传统剧目主要有以“二凡”为主腔的《高平关》、《后朱砂》、《千秋鉴》、《龙虎斗》，以“三五七”为主腔的《双贵图》、《双核桃》、《龙凤锁》，唱“阳路”（吹腔）的《和番》、《醉酒》，以及属目连戏的《男吊》、《女吊》、《调无常》等。各行角色均有各自的拿手戏,如二丑戏《游园吊打》、《磨房串戏》;花脸戏《打太庙》、《打半山》；老生正生戏《轩辕镜》、《渔樵会》、《芦花记》；花旦戏《香罗带》、《哭箱诉舅》等。绍剧较有影响的剧目传统戏有：《龙虎斗》、《后朱砂》、《龙凤锁》、《芦花记》、《双贵图》；新编历史戏有：《于谦》、《斩魏征》；现代戏有：《血泪荡》等。绍兴著名剧目《孙悟空三打白骨精》拍成电影后，先后发行世界七十几国家和地区。周恩来曾四次观看绍剧演出，同演员合影留念；毛泽东同志观看后，还写下了著名的诗篇。
编辑本段当代发展
　　  绍剧
　　为及时保护和更好地发展绍剧艺术，浙江绍剧团切实围绕繁荣绍剧事业目标，成立了以团长为组长的“绍剧保护与发展工程”实施机构，聘请了多位老艺术家担任顾问，下设传统剧目排练、“音配像”工作、传统剧目整理等工作小组，循序渐进，立足长远，扎实实施绍剧保护与发展工程。一是复排绍剧传统大戏。通过全团上下几个月的努力，精心复排了绍剧传统戏《郭彦威》和《陆文龙》，已分别在绍剧艺术中心进行了彩排。二是收集整理优秀传统剧目。《薛刚反唐》、《黄飞虎反五关》、《天缘球》、《陆文龙》、《龙凤锁》等已收集整理。三是落实“音配像”前期工作。剧团专门设立“音配像”工作办公室，聘请资深老艺人担任顾问。落实专门人员赴浙江人民广播电台等单位进行上门采集和社会征集，着手对上世纪30年代至60年代末的绍剧录音、唱片等资料进行收集、整理，并对原音进行技术处理。四是打磨新编现代绍剧。为参加将在十二月份举行的浙江省第十届戏剧节汇演，浙江绍剧团全面动员《秋瑾》剧目主创人员、广大演职员对《秋瑾》进行精心加工、打磨、提升，不断丰富精神思想内涵，激情创演绍剧艺术精品，努力冲刺戏剧节奖项。  绍剧
  绍剧
　　据浙江绍剧团团长朱燕介绍，她们计划每年至少推出两个传统剧目的大戏，明年至少争取达到3-4台，今年除了推出《郭彦威》外，还要推出一部传统剧目《陆文龙》，将于11月5日进行彩排。而《陆文龙》演出人员全部由下半年刚毕业的绍剧小百花演出团演出，他们的年龄仅16-20岁。朱燕表示，她们将进一步加大挖掘整理力度，并巩固已经排演的剧目成果，在2-3年内，让绍剧舞台上经常可以演出的优秀传统剧目增加到30台。词条图册更多图册
扩展阅读：
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http://baike.baidu.com/view/79661.htm

辽南戏
百科名片
辽南戏，辽宁省地方戏曲剧种。形成于辽宁省盖县。又名影剧、影调戏、盖平戏，辽宁复县称辽南影调戏。它是建国后在辽南皮影戏基础上发展形成的新剧种，1961年定名为辽南戏。

目录

简介
历史沿革
艺术特点概述
唱词
伴奏乐器
音乐
行当流派
曲目简介
历史沿革
艺术特点 概述
唱词
伴奏乐器
音乐
行当流派
曲目
展开 　　  辽南戏

编辑本段简介
　　辽宁省地方戏曲剧种。形成于辽宁省盖县。又名影剧、影调戏、盖平戏，辽宁复县称辽南影调戏。它是建国后在辽南皮影戏基础上发展形成的新剧种，1961年定名为辽南戏。 辽南戏主要源于辽南盖州皮影，是该地区农村祭祀娱人的一种主要演出形式。演出时照本宣唱,唱腔曲调吸收、借鉴了河北省皮影的成份,唱腔以板式变化体为主。四台子村业余剧团的皮影艺人以真人上台唱影调的形式演出了业余作者翁景树编写的现代戏《白杨树下》,把影窗艺术变成舞台艺术，取名影调戏。辽南戏经过不断的探索和实践，得到了很大的发展。我市现有盖州辽南戏剧团。九十年代以来，它们演出的辽南戏《三十五荒唐梦》获全国天鹅杯戏曲广播剧三等奖，《半庙沟》、《龙凤镜》、《逼嫁杀店》、《梁山除 霸》、《三女抢板》、《望儿山》分别获省艺术节银奖和特别奖。2002年1月，辽南剧正式定名为辽剧。
编辑本段历史沿革
　　辽南戏的前身辽南皮影戏旧称“本地影”。清末民初时受河北滦州影的影响而丰富了唱腔。同时，又吸收融合了辽南地区的民歌、民乐和曲艺音乐，形成了一套唱腔体系，从而成  辽南戏
为风格独特、地方色彩浓郁的辽南皮影戏。在以后的数十年中，在盖县先后出现了王树文(艺名王大嗓)、阎永茂(艺名阎麻子)、马传亮、洪生纯、陈克忠、迟海楼等著名皮影艺人。1956年马传亮等根据吕剧剧本移植排练了用真人扮演的小戏《小借年》，在群众中产生一定影响，从而普及于业余文艺活动中。这一戏曲形式初名“影调戏”，1958改名“盖平戏”，并在盖平县(今盖县)建立了盖平戏剧团。1961又改名为辽南戏，为筹建了辽宁省辽南戏实验剧团(隶属于辽宁省青年戏曲剧院)，配备了专业导演、编剧和音乐工作者，并由马传亮担任唱腔教师。1963年剧团被解散。1978年春重新成立-了辽宁省辽南戏剧团，还在盖县成盖县辽南戏剧团。此外，在辽南地区城乡，业余演出活动也较为普及。 　　辽南戏改为辽剧，将更好地发挥具有辽宁地域特色的民间戏曲艺术，把区别于评剧，也区别于吉剧、龙江戏的辽宁地方剧种的发展推向一个新水平、新阶段。使全省人民、全省观众都来关心和支持这一剧种，而不仅仅局限于辽南地区的观众。同时还有助于调动辽西、辽北的辽剧艺术工作者的积极性，凝聚更多民间戏曲工作者的力量，为共同发展辽宁地方剧种做出贡献。 剧种改名是剧种发展过程的一部分，也是它逐渐成熟的标志。许多剧种，如京剧、评剧等等,都有这样的过程。辽剧是新兴剧种，它在发展过程中出现一些变化或更新是合乎规律的。
编辑本段艺术特点
概述
　　辽南戏表演上以中国戏曲表演程式为主体，吸收辽南民间艺术。如水袖的运用和武打，适当融合了一些皮影动作。丑角表演还有模拟皮影人物“大巴掌”的滑稽动作和步法。此  辽南戏
外还借鉴了辽南秧歌、民间舞和二人转的一些舞蹈动作。唱词结构变化也十分丰富，除常见的“七字赋”（七字句）、“十字赋”(十字句)外，还有“五字锦”(王字句)、“三字经”(三字句)、“六字头”(三、三句式)、“三赶七”（句式为三三、四四、五五、六六、七七宝塔形结构）、“大金边”、“小金边”(跟句重复)、“罗嗦句”等。在押韵上，有平唱(上仄下平)和硬唱(上平下厌)之分。
唱词
　　变化多样的唱词句式为辽南戏唱腔带来多种处理方式，形成板腔体和部分曲牌联接的方法。唱腔上分男、女两大系统。生、旦、净、丑各有自己的旋律和基调，其中以丑角的唱腔尤为独特。在辽南戏形成和发展中还派生出一些新的唱腔，如糅合滦州影腔。现已在辽南戏中自成一格的唱腔有〔二龙松〕及其反调和新创的〔鸡啼令〕、〔节节旺〕、〔水连珠〕等曲脾。
伴奏乐器
　　伴奏乐器以四弦为主，配以三弦，高胡、扬琴、琵琶、管、笛、笙等。演现代戏时还加上古筝、二胡、板胡、提琴及电吉他等，以增加戏剧气氛。
音乐
　　特点主要体现在音乐方面。辽剧音乐为板腔体，唱腔丰富、板式齐全、曲调优美、通俗流畅、地方韵味浓郁，有表现多种情感的功能。辽剧诞生后，为了更好地表现生活，满足观众不断更新的欣赏需求，在确保剧种音乐风格、特点的基础上，进行了大胆的革新与发展，使辽剧音乐得到了极大的丰富与完善。如原始唱腔中“女腔平唱”的主要功能，从旋律上讲是以表现哀怨、忧伤情感见长的曲调。然而，“二平唱”和“欢腔”的产生，弥补了“女腔平唱”表现欢快喜悦和庄重豪迈情感的不足；为了解决原有音乐中没有反调唱腔，而不利于表现剧中人物痛楚、伤感等特殊情感的缺憾，辽剧著名作曲家王信威，采取了将“男腔平唱”正调移低四度等创作方法，产生了男女同腔同调、同度演唱、曲调低回凄楚、悠扬深沉及各种行当都可选用的“平唱反调”唱腔；“二龙松”唱腔是辽剧最早丰富发展形成的一种腔调，它是由辽剧创始人之一、著名辽剧作曲家马传亮编创的一种曲调优美、开朗明快、表现情感细腻、适应性与可融性较强的旦角专用唱腔。
编辑本段行当流派
　　辽南戏产生于二十世纪五十年代，脚色行当基本沿用京、评剧的既成体制，初步分为生、旦、净、丑四大行当，但尚未形成整套的表演程式，演员亦无严格的行当分工。六十年代，辽宁省辽南戏实验剧团为培养演员和探索创建辽南戏的表演特色，相继排演了一批各行当的重头  辽南戏
戏，如花旦行的《当箱子》，花脸、老生行的《宫门断鞭》 ，青衣、武生、武丑行的《逼嫁杀店》，花旦、文丑行的《打灶王》和行当较全的大戏《青天鉴》等，演员有了较明显的行当分工。 　　生：分小生、老生、武生、娃娃生。小生，如，《小借年》中的王汉锡；老生，如《正义图》中的李自成；武生，如《图龙城》中的佛宝等。旦：分闺门旦、花旦、青衣、老旦、彩旦、刀马旦。闺门旦，如《小借年》中的爱姐；花旦，常摹仿皮影的影人动作，如《当箱子》中的玉梅；青衣，如《逼嫁杀店》中的贾淑贞；老旦，如《杨运》中的高大娘；彩旦，道白以辽南方言为主，并常摹仿皮影的影人动作，如《扫雪打碗》中的后娘；刀马旦，如《图龙城》中的蓝素艳等。净：分文净、武净。文净，如《宫门断鞭》中的尉迟恭；武净，如《图龙城》中的鲍虎等。丑：分文丑、武丑。道白以辽南方言为主，常摹仿皮影的影人动作。文丑，如《打灶王》、中的灶王爷；武丑，如《逼嫁杀店》中的董三怀等。
编辑本段曲目
　　上个世纪60年代初，辽宁省辽南戏实验剧团在沈阳成立，使辽剧进入了一个新的发展阶段，并涌现出一大批优秀的代表剧目，如《宫门断鞭》、《逼嫁杀店》、《龙凤镜》、《打灶王》、《当箱子》、《花为谁开》等。  辽南戏
　　20世纪80年代后，省内举办的各种大型艺术盛会，均有辽剧参加，而且屡获大奖。如《加林与巧珍》、《半庙沟》、《姜云胜》等。特别是《姜》剧，曾被中纪委调入北京进行专场演出，受到首都观众、专家学者及国家领导人的好评。近些年来，由于辽剧经常涉足电视领域，如盖州辽南戏剧团排演的《小工匠》、《杨柳新》，瓦房店排演的《山这边，海那边》等，先后由中央与地方电视台播放；营口戏校学生演的《逼嫁杀店》与《龙凤镜》等剧目也先后进京展演，使辽剧在全国也产生了一定的影响。 　　九十年代以来，辽南戏《三十五荒唐梦》获全国"天鹅杯"戏曲广播剧三等奖，《半庙沟》、《龙凤镜》、《逼嫁杀店》、《梁山除霸》、《三女抢板》、《望儿山》分别获省艺术节银奖和特别奖。 　　据初步统计，目前辽宁省辽南戏实验剧团及盖县辽南戏剧团，共保留了60多个剧目，主要有《借年》、《逼嫁杀店》、《宫门断鞭》、《龙风镜》、《花打金刚》、《卖艺访友》、《走天鉴》、《挡马》、《包公赶驴》和现代戏《花为谁开》、《红花岗》、《邻居》、《真情假意》等。

梨园戏
百科名片
梨园戏发源于宋元时期的泉州，与浙江的南戏并称为“搬演南宋戏文唱念声腔”的“闽浙之音”，距今已有八百余年的历史，被誉为“古南戏活化石”。梨园戏广泛流播于福建泉州、漳州、厦门，广东潮汕及港澳台地区，还有东南亚各国闽南语系华侨居住地。

目录

简介
历史溯发展史
初看梨园戏
传承发展
兴与衰
艺术特点规制
曲牌形式
旧制
音韵
表演
化装
角色行当
获得荣誉简介
历史溯 发展史
初看梨园戏
传承发展
兴与衰
艺术特点 规制
曲牌形式
旧制
音韵
表演
化装
角色行当
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　　梨园戏，戏曲剧种。孕育于福建省泉州，流行于晋江、龙溪地区及厦门、台湾省闽南方言区域。东南亚各国华侨聚居地，也有演出活动。梨园戏历史比较悠久，至今尚保留  梨园戏
不少南戏剧目和音乐。明嘉靖四十五年(1566)，已有“潮泉二部”的《荔镜记》刊本，可见当时梨园戏已经流行。梨园戏有大梨园和小梨园之分，大梨园又分“上路”、“下南”两支，三种流派都有各自的“十八棚头”（保留剧目）和专用唱腔曲牌。宋时，行省称为路，闽南泉、漳一带人称上头的省份为上路，故“上路”戏系指由浙江传入的戏曲。其剧目较为古老，保留了不少南戏脚本，如《蔡伯喈》、《王魁》、《王十朋》、《朱买臣》、《刘文龙》、《孙荣》、《朱文》（即《朱文太平钱》，存有《赠绣箧》、《认真容》、《走鬼》三出）以及《苏秦》、《林招得》、《孟姜女》等。
编辑本段历史溯
　　梨园戏发源于宋元时期的泉州，与浙江的南戏并称为“搬演南宋戏文唱念声腔”的“闽浙之音”，距今已有八百余年的历史，被誉为“古南戏活化石”。梨园戏广泛流播于福建泉州、漳州、厦门，广东潮汕及港澳台地区，还有东南亚各国闽南语系华侨居住地。梨园戏在发展进程中，有大梨园（  梨园戏
过去成年演员的班社）和小梨园（儿童演员的班社）之分，大梨园本地人俗称“老戏”，又有“上路”与“下南”之别。元代各省设“路”， 泉州人把福建以北叫做“上路”，把自己叫做“下南人”。上路老戏就是指来自浙江、江西等地的剧种，而下南老戏就是本地戏。小梨园，泉州人叫做“戏仔”，又叫“七子班”， 早在宋光宗绍熙年间（1190-1194），闽南泉州、漳州一带的民间，就盛行一种“优戏”。这种土生土长的剧种，唱的是闽南土腔土调，后人称之为“下南腔”。演唱内容多是南曲曲牌体的戏文。 南宋时期，由于泉州海上交通发达，与浙江温州的关系极为密切，所以温州的杂剧也流传到了泉州， 因戏班来自福建的北部，所以俗称之为“上路戏”。（当时各省设“路”，泉州人习俗泛指北方包括江西、浙江等为“上路”，对自己则自称“下南人”）。它们带来了一批大型的南戏剧目，作为一种艺术形态与当地的“下南戏”同时存在。不久，元兵南下，杭州陷落，宋氏宗室纷纷入闽。由于他们在杭州时过着歌舞升平的奢侈生活，所以入闽时往往都随带戏子家班，以供娱乐。这种家班多由童龄男女组成，泉州人叫做“戏仔”，又叫“七子班”，被后人称之为“小梨园”。这样，在南宋末年的泉州，便出现了上路戏、下南戏和小梨园的三种戏剧艺术形态。 　　南宋恭宗德佑二年（1276年），元兵入闽，泉州市舶司提举蒲寿庚降元，大杀宋室官员  梨园戏
，于是作为官宦人家蓄养的“小梨园”家班便流散民间，开始与下南戏、上路戏既同时存在，又互相影响。由于三者来路不同，所以各自都有自己的传统剧目。 　　下南戏包含有13个剧目：《苏秦》、《梁灏》、《吕蒙正》、《范雎》、《文武生》、《岳霖》、《刘 秀》、《刘永》、《刘大本》、《周德武》、《周怀鲁》、《百里奚》与《郑元和》。 　　上路戏包含有18个剧目：《苏秦》、《苏英》、《程鹏举》、《朱文》、《朱寿昌》、《朱买臣》、《尹弘义》、《刘文龙》、《林招得》、《姜明道》、《曹彬》、《杨六使》、《王魁》、《王祥》、《王十朋》、《赵盾》、《孙荣》与《蔡伯喈》。 小梨园有16个剧目：《陈三五娘》、《吕蒙正》、《高文举》、《朱弁》、《韩国华》、《刘知远》、《蒋世隆》、《郭华》、《葛希亮》、《杨文广》、《西祁山》、《宋祁》、《江中立》、《王昭君》、《田淑培》和《崔抒》。 　　以上三家剧目，上路老戏的剧目比较古老，保留了部分当年传自浙江的南戏剧目；下南老戏的剧目生活气息较浓，插科打诨较多。小梨园剧目则以生、旦戏见长，往往取材于民间传说和古代爱情故事。三派在剧目上各自有其看家戏，称“棚头”，彼此不能互演，就是同一故事题材的剧目，在情节、戏路等方面也不一样；在表演上，有统一的程式，音乐上都唱南曲，与曲艺南音彼此有着密切的渊源与交流关系。三派各有其专用曲牌，风格各有不同，伴奏均以琵琶、洞箫为主，用南鼓指挥。 以后，下  梨园戏
南戏，上路戏、小梨园逐渐合流，形成了以“下南腔” （又称“泉腔”）为主体. 　　明万历年间，梨园戏班曾东渡到琉球演出。这次演出是目前已知的福建戏剧团体最早的一次出国演出。 二十世纪20年代是福建地方戏剧出国演出的第一个高峰期。1925年“双凤珠班”赴印度尼西亚的泗水演出《陈三五娘》和《雪梅教子》。同年，“新女班”又赴新加坡演出《陈三五娘》、《雪梅教子》、《昭君和番》等，在海外扩大了影响。 　　80年代，梨园戏迎来了历史上第二个出国演出的高峰期。1986年，福建省梨园戏剧团应菲律宾皇都影剧中心邀请，首次赴菲演出《李亚仙》、《朱文太平钱》、《高文举》、《苏秦》、《陈三五娘》等传统看家戏。1990年9月，应意大利“蒙德罗国际文学基金会”主席任蒂尼先生的邀请，由福建省梨园戏剧团与中央歌剧院共同组成的中国艺术家代表团飞往地中海参加这次国际性的艺术活动。1991年10月，福建梨园戏剧团应新加坡邀请，在新加坡国家剧场演出《陈三五娘》、《吕蒙正》、《苏秦》、《李亚仙》、《郭华买胭脂》、《高文举》、《节妇吟》等剧目。
发展史
　　梨园戏，流行于闽南方言区的泉州、漳州及台湾省，远至粤东潮、汕地区，并传入东南亚许多华侨旅居国。 　　泉州在晋朝至唐朝，音乐、歌舞已十分繁盛。至今广泛流播于闽南语系区域的古乐“南音”(又称南曲、南管、弦管)，其十三套大谱(有标题的器乐曲)，犹存汉“相和歌”、晋“清商三调”及唐五代“燕乐”的遗音。至五代，“晋江王”留从效在泉州郡圃，就有化妆的歌舞表演。 　　“南戏始于宋光宗朝”(明·徐渭《南词叙录》)。南宋绍熙元年(1190年)以后，闽南地区出现了“优戏”。绍定年间(1228～1233年)，朱熹的学生真德秀第二次知泉州时，曾颁布“禁戏”与“莫看百戏”的“劝农文”。说明“南曲戏文”已在泉州地区流行。 　　当时有三种艺术形态：土生土长的“下南班”、浙江方面来的“上路班”和贵族府第的家班(俗称“小梨园”)，三者各以不同的看家戏“十八棚头”，互相竞胜。“下南班”与“上路班”，二者均以成年人组班，各自可以“优人互凑”，故合称“大梨园”，俗呼“老戏”；家班因纯属童伶，称为“小梨园”，或名“七子班”，俗呼“戏仔”。“小梨园”非“大梨园”所生，童伶长大后就散棚，并非自然成为“大梨园”。 　　从现存的各种剧目看：“下南”的《范睢》、《梁灏》、《郑元和》都具有地方特色，与明刊的《绨袍》、《青袍》、《绣襦》诸传奇，情节大不相同。《岳霖》一剧，是按岳珂为晋江人的外甥(刘锜墓在安溪)而创编的，为全国戏文所仅见。剧目保留方言本色和浓郁的泥土味。表演以净、末、外、丑为行当“四大柱”，并不以生、旦为主，具有唐戏弄和北杂剧末、副净的演出形态和诙谐情笑的特点。唱腔用南音，保留［太子游四门］等古乐曲。其他剧目只有［浆水令］、［金钱花］、［地锦］、［剔银灯］等几十支常见曲牌反复出现，且具有粗豪的声腔特色，其古朴原始，尚存宋元南戏的风貌。 　　“上路”的《赵真女》、《王魁》、《刘文龙》、《朱文》、《王十朋》、《朱买臣》等，都是“宋元旧编”的古剧，与明刊《琵琶》、《焚香》、《菱花》、《荆钗》、《渔樵》诸记，绝不相同，为全国所仅见；《朱文》更为海内孤本。其题材以已婚男、女悲欢离合的家庭剧为多，异于“下南”之侧重忠奸斗争和公案戏。表演行当以生、大旦、净、丑为“四大柱”。音乐唱腔同是南音，曲牌处理以刚劲、淳朴、哀怨为主，别具风格，也较“下南”丰富。《蔡伯喈·弥陀寺》的［摩诃兜勒］，是古乐曲的遗存。而此剧尚具南戏“实首之”的《赵贞女》的原型特点。虽仅止于“认真容”，要“一齐去拜墓”，而无“雷殛”的后文，但可看出《琵琶记》是据其祖本改为“全忠全孝”的。 　　“小梨园”剧目如《吕蒙正》、《郭华》、《蒋世隆》、《刘知远》等，都是“宋元旧编”，与明刊《破窑》、《胭脂》、《幽闺》、《白兔》诸记也不同；其《董永》独以“摘花”产生人物纠葛，而非“路遇”，且以“皇都仙女送麟儿”作喜剧性结束。所有题材都是少男少女的恋情，以小生小旦为主，故其行当“四大柱”是生、大旦、小旦、丑，与“大梨园”不同。音乐唱腔同用南曲，不同剧目有不同的曲牌、套曲、名曲，丰富多彩。 　　从三者艺术内涵考知：“上路”一词本指宋之“两浙路”，可知系来自温州班，经地方化的易语改调而成。它与“小梨园”家班同是外来戏曲，经历宋、元、明易代，由城市退处农村，与“下南”亦农亦艺者共处，而完成其风俗与方言的改造，壮大了地域声腔，元末明初融会为一体，进入大发展时期。“下南”有《刘永》、《周德武》；“上路”有《苏英》等新创剧目。而以“小梨园”的《陈三五娘》一剧，标志着梨园戏发展的艺术高峰。明嘉靖四十五年(1566年)出版于建阳麻沙的《荔镜记》，是合潮、泉二部《荔枝记》的重刊本，省梨园戏实验剧团现尚藏刊于清光绪十年的《荔枝记》，潮州则有刊于明万历年间的东月李氏《乡谈荔枝记》。“泉腔”在声腔上已吸取潮调；《朱弁》一剧把一支［弋阳腔］融入［举起金杯］的南音［寡北］滚门；“下南”《郑元和》的［鹅毛雪］一曲，则吸取自［昆北］。当明代四大声腔盛行之际，梨园戏在闽南语系地区，随南音的流播，“泉腔”已成为独立声腔，并融化外来唱腔艺术养料而发展壮大，从而鼎盛于清代。据清乾隆三十二年(1767年)《同安县志·礼俗》载：“昔人演戏，只在神庙，虽不过上路、下南、七子班。光绪后，始专雇江西班及石码戏。”闽南在清光绪前，只有梨园戏三流派独步翟毛毹；清末，高甲戏兴起，其后台湾歌仔戏传入，梨园戏以严格的师承，继世相传，因固步自封而趋式微，濒于消亡。 　　中华人民共和国成立后，党和政府关怀戏曲艺术，把流散民间的“下南”、“上路”、“七子班”的梨园戏名老艺人，罗致集合在一起，于1952年在晋江县成立大梨园实验剧团，由小梨园名师蔡尤本口传身教《陈三五娘》。翌年，改属省级建制，定名为福建省闽南戏实验剧团(后改称福建省梨园戏实验剧团)，大力抢救、记录三流派的传统剧目、音乐唱腔、表演艺术等。先恢复传统原貌，再进行整理加工，使古老剧种焕发青春。 　　20世纪50年代，梨园戏改编出一批优秀传统剧目，如《陈三五娘》、《郭华》、《高文举》、《朱文太平钱》等，并在各级会演中获奖。其中《陈三五娘》、《郭华》被拍成电影，《朱文太平钱》被誉为“海内孤本”，得到戏曲专家的高度评价，赢得“宋元南戏活化石”、“活文物”称号。80年代后，梨园戏进入创作、研究的新时期。新编古装剧《节妇吟》获1987年省第17届戏剧会演剧本一等奖及导演、音乐等奖项；1988年，又获首届中国戏剧节优秀演出奖及第四届全国优秀剧本创作奖；在“全国天下第一团”优秀剧目展演时，又获各奖项的榜首，剧中颜氏的扮演者曾静萍获福建第一个全国戏剧梅花奖。1990年，文化部授予梨园戏剧团为全国(剧团管理)先进艺术表演团体称号，该团于1991年被评为全国文化工作先进单位。剧团自1980年至1995年，先后出访日本、菲律宾、意大利、新加坡等国家和香港地区，并与世界各国许多文化艺术团体及学者建立联系。1983年9月，梨园戏导演吴捷秋赴台，在台湾大学、台湾清华大学、艺术学院、成功大学南管戏传艺中心等处演讲《泉腔梨园戏艺术史》。1994年11月，梨园戏导演苏彦硕，赴日本参加“东亚民俗与表演艺术”国际研讨会，在会上介绍梨园戏演出民俗。1995年3月，在省首届百花文艺奖评奖中，《董生与李氏》一剧获一等奖。1996年1月，福建省梨园戏实验剧团应中央电视台邀请晋京参加春节文艺晚会现场直播演出。1997年8月，福建省梨园戏实验剧团赴台演出，随团出访的专家学者在台湾与文艺界同行共同探讨梨园戏的历史与现状。[1]
编辑本段初看梨园戏
　　除了《枫林晚》是现代戏外，其余剧目如《李亚仙》 、《冷温亭》、《玉真行》、《摘花》、《朱文太平钱》等，都是传统老剧目。而且还不是一般的老剧目，它可以说是宋元南戏的遗响。已经历宋、元、明、清而直到现在了，所以无怪有人要称它为戏剧的“活文物”了 治戏剧史的同志都  梨园戏
知道，上述剧目，都是属于宋元南戏的旧剧目。宋元南戏只保存有《永乐大典》戏文三种，即《张协状元》、《小孙屠》、《宦门子弟错立身》。仅仅是这一点，也就十分值得我们认真一看了。我初看梨园戏后，也确实感到大开眼界。《李亚仙》这个戏，是南戏的老剧目，它是据唐白行简的传奇《李娃传》改编的。这个传奇在唐代就已改编为话本。在元剧中有石君宝的《李亚仙花酒曲江池》等，又在明代有薛近衮的《绣襦记》。那么，从唐人传奇转而唐人话本，更转而为戏曲，这中间就失去了元以前的这个环节。现存梨园戏中的《李亚仙》，恰好把这个断失了的环节接续起来了。(现在演出的《李亚仙》虽然已经改编，但还保留了二折传统戏，这就是《踢球》和《莲花落》中的“拍胸”舞。)这次演出的《李亚仙》，无论是舞台美术设计和场面的安排，都是十分精致、富有 特色的。加上独具格调，幽雅动人的音乐，使你感到细腻而又文静，而整个剧情更是起伏跌宕，动人心弦。饰李亚仙、郑元和及李妈的演员，都能丝丝入扣，情景交融。特别引人注目的是这个剧里，还保留了“踢球”和“拍胸”两种古代舞蹈。按“踢球”，古称“蹴鞠”，汉唐时即已有这种游戏。到宋时更为盛行，《水浒传》在一开头就写到了高俅的踢球。 　　这种踢球的舞蹈，在《永乐大典》戏文三种的《张协状元》里，还有生动的描写。所以现在的梨园戏《李亚仙》里保留的这一踢球的情节，是十分值得重视的。 　　再有一点是这个戏里保留了“拍胸”的舞蹈。这种民间舞蹈也是来源很占的。尤其是在舞蹈时，还连续唱“哩琏罗罗琏”这种和声。查这种和声也保存在《张协状元》这个剧本里，在剧本的第十二出里：(丑唱)我适来担至庙前，见一个苦胎与它厮缠。口里唱个哩琏罗罗琏，把小二便来薄贱。《张协状元》，据我的研究，应是现存南戏剧本中最早的一个，其时间约在南宋初。现在《李亚仙》中还保存着许多与《张协状元》剧本中一样的东西，那末，它的历史渊源之早，也就可想而知了。我十分喜欢《冷温亭》这出戏。虽然我还说不出它的渊源，但它给我以一种特别古朴的感觉。情节的淳朴动人是无用多说了，饰刘氏的演员，从扮相到全部身段动作，都散发着一种淳厚古朴的味道。麻包片(裙子)高扎到齐胸，肩  梨园戏
上横压一根扁担，这一身段是富有浓厚的生活气息的。一般挑担，扁担不是放在右肩就是放在左肩，没有横压在背脊上，与两肩一字平放的，但这正是深入生活的演员才能设计出如此的身段来。因为当担子挑得重，双肩都被压得肿痛难当不能再压的时候，就不得不伛偻着身子，把肩上的扁担横移到背脊梁上，以使双肩得以哲息。只要是长期挑过担子的人，都能亲切地理解这一点。现在舞台上的这一身段设计，就非常有效地突出了刘氏的含辛茹苦和她身上的重压。饰朱寿昌的演员身段虽不多，但情绪交流得很好，戏的悲凉气氛很浓郁，具有感人的力量。 　　同样，欣赏《玉真行》。演员的活动天地只有桌面大的一小块地方，但却让你感到她已历尽千辛万苦，行了千里万里的路程了。演员的扮相很古朴，身段也不繁复，却给你一种十分真切的感受。也会使你联想到南戏《赵贞女蔡中郎》里的赵贞女，或《王魁负桂英》里的桂英形象。令人特别感兴趣  梨园戏
的是伴奏的压脚鼓，我还是第一次见到，看来也是古乐无疑，这不禁使我联想起四川成都天回镇出土的那个有名的汉代说书陶俑来，他的右脚也是上翘作动作的，但他的脚下似乎没有鼓。我特别想看一个究竟的是《朱文太子钱》。因为这是一个南戏的老剧目，《永乐大典》作《朱文鬼赠太平钱》，《南词叙录·宋元旧篇》作《朱文太平钱》。因此，剧中的女主角一粒金究竟是鬼的形象，还是人的形象，很有分歧。据沈璟《南九宫十三调曲谱》卷四(正宫·黄钟赚)调云：“昔有朱文，太平钱鬼为缔姻。”这里词曲非常清楚，没有含糊的地方，而且这支曲子，都是讲的鬼故事，如“鬼法师”、“鬼媒人”等等。 所以这个戏里的一粒金是一个鬼魂形象是无可争议的。现在梨园戏的《太平钱》还保存着这个戏的三折占剧，即《赠绣箧》、《认真容》、《走鬼》。这个戏的演员我认为是很出色的，尤其是饰一粒金的旦角，戏演得活，扮相好。出场时披白纱，表示是“鬼”，这之后，就不用白纱了，完全是人的形象，到“走鬼”时只是很快就赶上了朱文，令朱文感到是“鬼”，但经解释后，也就释然了。所以这里的“鬼”，并无任何“鬼气”，形象仍然很美。这个戏一上来就唱和声“哩罗琏罗哩罗吔”，另外剧中人王行首、一粒金等名字，也是宋元时代的习惯称呼，所以这个戏确是南戏遗响是没有问题的。而他们恢复这个戏的演出，也是十分成功的。 　　梨园戏的演出最大的启示或者说证实，是治戏曲史，除了文献资料外，还必须重视  梨园戏
活资料、活文物，要到活资料、活文物里去发现新的东西，准确点说，是旧东西新发现。前些年，曾多次提出过，元人杂剧的遗响，是否还保存在舞台上，我们应该作研究。当然从剧目来说，是很容易弄明白的，例如《窦娥冤》 、《单刀会》 、《赵氏孤儿》 、《破窑记》等等都是。我说的是元剧演出方面的情况，是否在舞台上还保存着它的某些东西。我认为现在梆子系统的戏里，可能还保存着元剧的某些演出传统。山西出土的五个元代戏俑，其中有一个作提甲亮帽状，这种靠把武生亮相的程式，不是现在也还是如此吗?我现在看了梨园戏，更相信元剧并没有绝响。这就是梨园戏给我的启示和证实。
编辑本段传承发展
　　梨园戏在发展进程中，有大梨园（过去成年演员的班社）和小梨园（儿童演员的班社）之分，大梨园本地人俗称“老戏”，又有“上路”与“下南”之别。元代各省设“路”， 泉州人把福建以北叫做“上路”，把自己叫做“下南人”。上路老戏就是指来自浙江、江西等地的剧种，而下南老戏就  梨园戏
是本地戏。小梨园，泉州人叫做“戏仔”，又叫“七子班”，早在宋光宗绍熙年间（1190-1194），闽南泉州、漳州一带的民间，就盛行一种"优戏" 。这种土生土长的剧种，唱的是闽南土腔土调，后人称之为"下南腔"。演唱内容多是南曲曲牌体的戏文。 南宋时期，由于泉州海上交通发达，与渐江温州的关系极为密切，所以温州的杂剧也流传到了泉州 因戏班来自福建的北部，所以俗称之为"上路戏"。（当时各省设"路"，泉州人习俗泛指北方包括江西、浙江等为"上路"，对自己则自称"下南人"）。它们带来了一批大型的南戏剧目，作为一种艺术形态与当地的"下南戏"同时存在。不久，元兵南下，杭州陷落，宋氏宗室纷纷入闽。由于他们在杭州时过着歌舞升平的奢侈生活，所以入闽时往往都随带戏子家班，以供娱乐。这种家班多由童龄男女组成，泉州人叫做"戏仔"，又叫"七子班"，被后人称之为"小梨园"。这样，在南宋末年的泉州，便出现了上路戏 、下南戏和小梨园的三种戏剧艺术形态。 　　南宋恭宗德佑二年（1276年），元兵入闽，泉州市舶司提举蒲寿庚降元，大杀宋室官员，于是作为 　　官宦人家蓄养的"小梨园"家班便流散民间，开始与下南戏、上路戏既同时存在，又互  梨园戏
相影响。由于三者来路不同，所以各自都有自己的传统剧目。 　　上路老戏的剧目比较古老，保留了部分当年传自浙江的南戏剧目；下南老戏的剧目生活气息较浓，插科打诨较多。小梨园剧目则以生、旦戏见长，往往取材于民间传说和古代爱情故事。三派在剧目上各自有其看家戏，称"棚头"，彼此不能互演，就是同一故事题材的剧目，在情节、戏路等方面也不一样；在表演上，有统一的程式，音乐上都唱南曲，与曲艺南音彼此有着密切的渊源与交流关系。三派各有其专用曲牌，风格各有不同，伴奏均以琵琶、洞箫为主，用南鼓指挥。 以后，下南戏，上路戏、小梨园逐渐合流，形成了以"下南腔"（又称"泉腔"）为主体。
编辑本段兴与衰
　　梨园戏不但以历史悠久闻名遐迩，更以保存着大量的南戏剧目而赢得"活化石"之美誉。据统计，仅以上47个剧目中，属于宋元南戏的就有26种。其中除了被古人称之为"戏文之首"的《王魁》、《赵贞女》、（即《蔡伯嘴》）以及《朱文》、《刘文龙》、《郭华》、《刘知远》等外，另有《韩国华》、《朱寿昌》、《江中立》、《田淑培》、《宋祁》、《姜明道》、《刘永》、《尹弘义》、《刘阮》  梨园戏
、《杜牧》、《梁意娘》、《苏盼奴》、《颜臣富》等二十多个为梨园戏所独有的传本或存目。 明代时，梨园戏得到了迅速发展，《荔枝记》的诞生，标志着梨园戏进入了一个黄金时代。《荔枝记》创作于明代嘉靖之前，由于辗转演出，互相传抄，结果造成"字多差讹，曲文减少"。于是到了嘉靖四十五年（1566），便把当时"潮泉二部"的《荔枝记》增加"颜臣勾栏诗词北曲"，并改名为《荔镜记》。 　　《荔镜记》以轻喜剧的手法，描写抒情的爱情故事，富有浓郁的地方色彩，因而数百年来盛演不衰，传唱不绝。由于故事出自闽粤两地，所以《荔镜记》分别以泉、潮方言、声腔演出。《荔镜记》还被莆仙戏、高甲戏、芗剧等其它剧种所移植。 　　清末，高甲戏在泉州地区迅速崛起，歌仔戏也随即在漳州、厦门地区广为流传，打城戏又以新的面貌出现，梨园戏因之受到了严峻的挑战，班社日益减少，范围日渐缩小，连厦门的梨园戏也改唱歌仔戏。十九世纪40年代末，梨园戏已濒临消亡。 　　1949年后，梨园戏获得了新生。1952年，流散于民间的艺人在政府组织下成立了晋江县大梨园实验剧团。翌年，经文化部批准，该团与原晋江专区文工队合并，建立起省级直属剧团"福建省闽南戏实验剧团"，1957年改名为"福建省梨园戏实验剧团"，成为全国古稀剧中的唯一剧团，被誉为"天下第一团"。从此，梨园戏以它的古雅面貌在舞台上焕发出新的风采。经过老艺人蔡尤本口述整理的传统名剧《荔镜记》，改名为《陈三五娘》。随后，将《郭华》整理成《胭脂记》。另有《苏秦》、《朱文太平线》、《李亚仙》、《刘文龙》、《玉真行》、《冷温亭》、《王魁》、《董永》、《十朋猜》、《士久弄》、《公主别》等本戏、折子戏相继被整理上演，使失传已久的宋元南戏剧目重新与广大观众见面。
编辑本段艺术特点
规制
　　梨园戏保存了宋元南戏的诸多剧作、唱腔和演出规制。它分小梨园（七子班）和大梨园的"上路"、"下南"三个流派，每个流派各有号称"十八棚头"的保留剧目，保存了《朱文》、《刘文龙》、《蔡伯喈》、《王魁》等25种南戏剧目。"棚"是梨园戏传统的演出场地，演出前需要举行"献棚"仪式，  梨园戏
供奉戏祖师田都元帅，之后才开始扮角、跳加官。与一般戏曲舞台的一桌二椅不同，棚的正后方只摆设长条椅；南宋杂剧《眼药酸》的砌末至今仍可在梨园戏净、丑两个行当的表演中见到。 整个梨园戏的音乐唱腔属于南曲系统，伴奏以箫弦为主，一字多腔，语言用泉州方言。曲牌体式有：套曲、集曲、过曲、慢、引、近、小令和唐宋大曲的衮等。梨园戏的曲牌来源于唐宋大曲和法曲、民间音乐、弋阳腔、青阳腔、昆腔等，其中保留了相当一部分的古曲，如〔摩诃兜勒〕、〔太子游四门〕、〔霓裳羽衣曲〕等。它的三个流派各有其专用的曲牌和独特的风格,同时，还专曲专剧，每个剧目都有一些专用曲调，其它剧目不能再用。在唱念方面，要求"明句读"，讲究"喜怒衰乐，吞吐浮沉"。各派的唱腔风格也各有特点，上路老戏比较古朴劲健，下南老戏比较明快粗犷，小梨园则比较委婉纤细，有独唱、对唱、轮唱、合唱等演唱形式。
曲牌形式
　　梨园戏由于使用泉州方言歌唱，融合部分民间音乐，形成了独特的梨园戏南曲唱腔，曲牌联套，一出戏中，既可以用一种宫调中的曲牌连缀，也可以用不同宫调中的曲牌组套。每个传统剧目都有一套专用曲牌，曲牌形式有集曲、慢、引、小令等。梨园戏还使用犯调集曲，有二犯、三犯、四犯、九联串、巫山十二峰、十八学士、十三腔等，如《昭君出塞》中的[山险峻]，又叫[十三腔]，有四个管门、十三个曲牌联成。
旧制
　　梨园戏的乐律和乐器方面还沿用唐代旧制，伴奏乐器有琵琶、洞箫、二弦、三弦、唢呐等；打击乐器以鼓、小锣、拍板为主。与其它剧种的锣鼓经不同，鼓用音色浑厚的"南鼓"，伴奏时将左脚压在鼓面上，作不同位置的移动，配合鼓槌打出轻重不同的鼓点，用这种"压脚鼓"的特殊技法制造气氛，烘托情绪。
音韵
　　梨园戏在音韵上保留了许多古语言。方言土腔一律以泉州音为准，但也注意到不  梨园戏
同人物身份与地方色彩，在有的剧目中还保留了地方土音和古音。在"上路"戏的剧目《朱买臣》中，保存了很多朴素生动的科诨和古代泉州的民间风习。小梨园的剧目文词优美。显然是经过了文人的加工。情节的处理也有独到之处。 梨园戏的表演整体上比较优雅和细腻，中规中矩，颇有法度。
表演
　　梨园戏的表演优雅细腻，有一套极其独特、严谨的基本程式，称为"十八步科母" ， 对表演的手、眼、身、步等的每个动作都有严格的规定，如"举手到目眉，分手到肚脐，拱手到下颏"等，大、小梨园的表演只有粗犷与细腻之差异。除十八科母外，各行当都各有自己特殊的科步身段，如官生与末行的"十八罗汉科"，净与官生的"马鞭科"，老生的须功，生、旦的扇法及眼法，也各有成套的程式。其中，遗存了一些傀儡动作，载歌载舞，古朴、幽雅、细腻，别具风格。 　　梨园戏还根据人物和戏剧情节的需要，创造了"十八雨伞科"。如《孟姜女送寒衣》中的单人伞舞，表现人物顶风冒雨艰难地行进。其中有表现遇雨的张伞，怕水泥泞的蹑足撑伞，逆风斜风的顶伞，狂风四起的旋伞，暴风起伏的升降伞、飘伞、放伞等表演动作，组成了一套伞舞表演。 　　因为所有传统戏目都是文戏，没有武打场面。所以如有战斗或动武情节，都用台词交代，作暗场处理(个别武打场面也独具一格)，必须要做的武行表演，也用特有的身段示意，舞而不武。
化装
　　化装比较简明，旦角抹胭脂、水粉，小旦有时在额中写一个"小"字，大旦写"大"字，或者点一个红点，老旦系黑头巾，丑角只涂白粉，女丑角的化装比较夸张，整个脸涂白粉，两颊搽大红胭脂  梨园戏
，假髻上还插树枝，花脸基本只有黑白两色，线条少，简单明快，有些角色如天官、魁星、小鬼等必须戴面具。服装简朴，旦角除外，一般穿衫和裙，没有水袖。小旦穿衬裤加围巾。其他生、外、老旦、净、丑的水袖都非常短，所以没有水袖表演。 演出排场比较简单，戏台称为"棚"，台下帮腔叫"棚下唱"，对台戏叫"对棚"，在闽南，除少数大寺庙有固定戏棚外，一般都是临时搭棚，道具也只有一条条凳。
编辑本段角色行当
　　梨园戏在角色行当和演出形式方面有这样几个主要特点： 　　梨园戏的行当设置沿用宋元南戏的旧制，早期只有生、旦、净、丑、贴、外、末七个角色，俗称"七子班"。大梨园增加了老旦（也叫老贴）和二旦，一般不超过七人(但近几十年来又增加了一些角色)， 由于梨园戏的角色比较少，所以往往要演员兼扮，比如说这一出生演这个人物，到了下一出这个人物不用上场，生就可能扮演其他的人物，所以只能演文戏。由于有了兼扮，梨园戏就  梨园戏
有相应的规定，一个戏的某个人物只能由固定的某一行当来扮，不能随便地兼扮。大梨园还有"棚主"，就是每一出戏都要有扮演某个人物的某个行当来充当固定的棚主，由这个角色来掌握这出戏的演出，这算是古代的一种舞台调度手法。传统剧目保留了宋元南戏的体例，往往以男主角命名。 　　梨园戏 　　开场一般先打“头落鼓” ，全班人员“落棚脚”，做演出准备；打“二堂鼓” ，上演《八仙贺寿》；接下是“跳加官”、“相公爷踏棚”。梨园戏剧目大多数是用男主人公来命名的，每一个戏的开场，都要有生脚坐场当引子，叫做“头出生”，即使演折子戏也有这样的排场。 　　生有四个方面的戏：相当于南戏的“副末开场”。 　　纱帽戏（官生），如《王十朋》中的王十朋；《朱弁》中的朱弁等。 　　破衫戏（穷生），如《朱买臣》中"逼写"的朱买臣；《苏秦》中"真不第"的苏秦；《吕蒙正》中" 　　验脚迹"的吕蒙正。 　　生巾戏（文小生），如《高文举》中"打冷房"的高文举；《周德武》中"相命"的周德武。 　　梨园戏 　　小角戏，即扮演安僮之类的人物。 　　小梨园、上路、下南三个不同路子的行当还各有所侧重。小梨园以生、旦、贴、丑为四大柱（即四个主要行当），以生、旦、贴为主的戏叫"幼脚戏"，以丑为主的戏为"粗脚戏"。上路老戏则以生、旦、净、丑为四大柱，下南老戏则以净、丑、外、末为四大柱。大梨园还增加了老贴和二旦，但是一般也不超过七人。另外，大梨园（上路、下南）和小梨园在旦角分行上也各有不同 。 　　大梨园有大旦、二旦、小旦之分，这三个行当在一个戏的不同场口可以扮演同一个人物。 　　大旦，主要担负戏中唱念较难、情绪跌宕较大的场口，如《王魁走路》的谢桂英； 《孟姜女送寒衣》中的孟姜女，这些戏都是唱做并重，许多场面全靠单人表演。 　　二旦，演的是同一个戏的喜剧场口，老艺人称为佻戏（轻佻之意），如《周德武行香相命》中的 　　张瑞英；《朱买臣逼写》中的窦氏。这些戏生活气息、人情味较浓，重念白，全本戏的第二折，就是女主人公上场的戏，所以叫"二出旦"。这出戏由小旦扮演，同时，还要担负扮演结场时大团圆戏中女主人公，另外还要扮演丫头、书僮之类的角色。 　　小梨园的旦角分行不像大梨园老戏那样。小梨园的大旦，要扮演整本戏中的女主人公。如《陈三》中的黄五娘， 《吕蒙正》中的刘月娥，都是由大旦自始至终演完。
编辑本段获得荣誉
　　近年来，梨园戏实验剧团多次获得文化部嘉奖。其中新编梨园戏《董生与李氏》获首届曹禺戏剧文学奖，并荣膺2003至2004年度国家舞台艺术精品工程“十大精品目”；另一新编梨园戏《节妇吟》获首届中国戏剧节优秀演出奖、第四届全国优秀剧本创作奖及入选2005至2006年度国家舞台艺术精品工程初选剧目。剧团先后出访意大利、英国、荷兰、瑞士、日本、新加坡、菲律宾、印尼等国家及中国台湾、香港、澳门。 国家非常重视非物质文化遗产的保护，2006年5月20日，梨园戏经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。

花儿剧　　    
花儿剧流行于宁夏回族自治区的西海固地区和银川市地区，也称“花儿歌剧”、“花儿歌舞剧”，因其音乐主要来源于宁夏南部山区的回族民歌“花儿”而得名。1979年，银川市文工团首次把民间叙事诗《马五哥和尕豆妹》用花儿的曲调加以改编，并正式上演。同年，西吉县文工团又创作并演出了《曼苏尔》，1980年，又创作了《金鸡姑娘》。 　　【花儿之乡——临夏】 　　临夏，是花儿之乡。花儿源远流长，闻名遐迩，蜚声中外。花儿为花儿剧的诞生，提供了丰厚的基础。它的诞生，为我国的戏剧百花苑增添了一朵娇艳醉人的艺术奇葩。同时，也把临夏花儿这一具有浓郁民族风格和地域特色的民间艺术推向了一个更高的艺术层面，达到了民间艺术与戏剧艺术的完美统一。花儿剧的绽放，是各族儿女精心浇灌的成果，是全州广大文艺工作者辛勤耕耘的结晶。在1984年，临夏州文化局专门成立了花儿剧创作组。他们深入生活，搜集大量素材，创作了一批较好的花儿剧文学剧本。如《恭喜发财》、《娑罗树传奇》、《喜鹊喳喳》、《米拉尕黑》、《瓜园情》、《花儿案》等．为参加全省调演，决定以《花儿案》为素材，重新结构编写。集中人力，八易其稿，剧本脱稿时，更为《花海雪冤》自治州歌舞团于1985年12月首演该剧。这是第一次将花儿以大型戏剧形式搬上舞台，是我州向新剧种挺进，具有划时代意义的动作。《花海雪冤》以浓郁的民族风格，优美的唱腔，动人的故事，别致的舞蹈，奇特的风情与习俗，幽默诙谐的语言，荣获1985年甘肃省戏剧调演特别奖。1987年7月，应文化部邀请，进京演出。在北京演出期间，国家领导人及众多戏剧家、艺术家观看了演出。文化部隆重召开专题座谈会，对演出作了全面的肯定。首都各大报纸纷纷发表专题文章，评介该剧的演出盛况和成就。著名作家、时任文化部部长王蒙指出：“《花海雪冤》的故事、音乐、唱腔、唱法、舞蹈都是民间的，民族性特别强，给首都观众耳目一新的感觉。”“花儿漫上首都、奇葩享誉京华”是花二剧轰动北京的真实写照。 　　【主要剧目】 　　《花海雪冤》所迈出的步于是沉稳而坚实的。它揭开了自治州民族戏剧崭新的一页，为自治州戏剧的发展，开拓了一条灿烂的道路。 　　继《花海雪冤》之后，又创作上演了《牡丹月里来》、《雪原情》、《雾茫茫》等一批脍炙人口的大型花儿剧。2003年又创作出了一部取材于东乡族美丽的民间传说的大型花儿剧《月光宝镜》，将于2004年立于舞台。 　　【艺术特点】 　　花儿剧是一种集歌、舞、剧为一体的综合性舞台戏剧。 　　花儿以即兴山歌为主，河湟花儿的曲调有快调和慢调之分：快调里的衬句教少，拖腔也相应减少，较为简洁紧凑。慢调曲柔缓悠远，曲首、曲中和曲尾亦大多使用衬句来拖腔，声调音域范围广，多有起伏，其高音阶区域用假声演唱。剧本的唱词以花儿的曲令为基调格式，并援引信天游等西北地方民歌等演唱形式和对仗等我国古典诗词的修辞方式。花儿剧本的唱词大多采用比兴的修辞手法，并在段落中较多地运用叠字、叠句的手法，以及诸如“者”、“嘛”、“呀”、“哈”、“哎”等虚词来做衬字。花儿的原有旋律是花儿剧的主要基调的花儿在演唱的时候，大多是采用一问一答的方式来进行的对唱模式，其中第一、二句和第三、四句各分为相对应的两段，一般是“比”在前半段，后半段（第三、四句）为兴。在两段中的上句各多为三、三、三句式，而下句则为三、三、二句式；并且一般上句多用单音节词结尾，但下句一定要用双音节词结尾。河湟花儿的唱词通常是一种单音节和双音节相互交错、奇偶句式交相出现的格律诗歌。在念白上则使用六盘山地区的方言。 　　花儿的唱词在结构上主要有两种形式：一种称为“齐头齐尾式”，一般是按四句一组，分为两段。如《金鸡姑娘》中的唱段：“四季里日月来又归，比不上母亲的劳累。小溪（者）弯弯流不尽，好似那母亲的汗水。”；另一种称为“折断腰式”：也是四句一组，但在齐头齐尾式的第一和第二句之间或第三和第四句之间，各有一个半截句，从而形成由五句或六句组成的长短相间的句式。如《曼苏尔》中的唱段：“上去（嘛）高山望东海，亮闪闪，好一条美丽的彩带，告诉给白云捎过来，浪花里，放养的曼苏尔穿戴。” 　　舞蹈是花儿剧的重要表现手段，它以回族民间舞蹈动作为主，并在此基础上广泛地吸收东乡族、维吾尔族以及阿拉伯舞等的其他舞蹈形式加以融合。除了吸收如回族舞蹈《宴席曲》中的一些动作外还在民族的日常习俗如“礼拜”、“睹瓦”等形式中寻找舞蹈的饿艺术所在，并从中提取出不同的舞蹈语汇来表达，并在个别地方还大胆地借用了回族的民间传统武术形意拳的某些动作。 　　花儿的演唱曲调称作“令”，不同的曲调有不同的令名（曲牌名），象{三令}{白牡丹令}{大令}{尕马儿令}等。它的唱腔则是在各种“令”的基础上，进一步吸收了其他民族及其相关的戏曲和其他相近的宗教音乐加工而形成的，在保持原调色彩的基础上又丰富了本身唱腔的音乐渲染力。当然，原初的花儿曲调一般只是一个个的小片段，后来，为了使剧本的演出更加适合剧本人物的感情起伏，诸多变化的需求，也逐渐尝试运用吸取外来板式变化的手法，使演出更富有表现力，取得了的戏剧效果有较好的反响。例如《金鸡姑娘》的演出就是在传统的花儿的曲调（令）的基础上，加进了戏曲的打击乐，文场以板胡、高胡伴奏为主；武场伴奏乐器有梆子、堂鼓、鼓板等；道白则是采用了韵白的形式，使得整个演出风格更向戏曲形式转变，丰富了表现能力。 　　【角色行当】 　　流行于宁夏地区的“花儿”有“山花儿”和“河湟花儿”两种。其中，山花儿又称干花儿，以流行于南部山区和同心回族的聚居地区为主，除几种主调外有较多的变体；河湟花儿则主要在回族聚居区流传，深入劳动人民群众，为人们喜闻乐道，其骨干曲调有数十种，并带有众多变体。 　　【相关文献】 　　中国戏曲志.宁夏卷/中国戏曲志编辑委员会，《中国戏曲志·宁夏卷》编辑委员会编.--北京：中国 ISBN中心出版，1996.--11,471页 　　中国大百科全书：戏曲、曲艺/中国大百科全书出版社编辑部编.--北京：中国大百科全书出版社，1983.--659页 　　中国戏曲剧种大辞典/《中国戏曲剧种大辞典》编辑委员会编.--上海：上海辞书出版社，1995.--1668页 　　剧种·剧目·剧人：中国传统戏曲知识简介/麻国钧等编著.--北京：大众文艺出版社，2000.--14,311页.--(北斗星大众文化丛书) 　　中国戏剧史/徐慕云撰.--上海：上海古籍出版社，2001.--328页.--(蓬莱阁丛书) 　　六盘山花儿两千首:西部情歌/徐兴亚主编；宁夏固原县文化馆,中国民协宁夏分会编.--银川：宁夏人民出版社，1989.1.--248页 　　西北花儿精选/雪 犁,柯 杨编.--西宁：青海人民出版社，1987.8.--428页 　　新中国地方戏剧改革纪实 /叶炳南主编.--北京：中国文史出版社，2000.--2册(1276页)

新城戏
百科名片
20世纪60年代初，以流传于吉林省扶余一带的满族曲艺八角鼓为基础发展而成。因扶余在清代曾设新城府治,故定名为新城戏。

目录

简介
历史沿革
艺术特点
角色行当
表演风格
文献介绍
发展史上的里程碑
编辑本段简介
　　新城戏  新城戏
　　1959年,当地文化主管部门组织八角鼓老艺人和新文艺工作者对八角鼓进行了戏曲化的创作改编工作,经多年探索和实践,将八角鼓曲牌中的〔靠山调〕、〔四句板〕作为主要声腔，创作了慢板、原板、数板、行板、弹颂板、快四板等板式，并结合板式运用了〔太平年〕、〔拣菊花〕、〔娃娃腔〕、〔茨山〕等曲牌，使它成为板式变化体与曲牌联套体相结合的剧种。它的音乐唱腔委婉抒情,清越明快。主奏乐器是高胡、三弦、扬琴。代表剧目有《箭帕缘》、《战风沙》,还有移植的《小女婿》、《刘三姐》、《江姐》等。扶余县新城戏剧团是这个剧种唯一的专业剧团，主要活动在扶余及白城一带。
编辑本段历史沿革
　　八角鼓原先是满族人民在行围射猎的闲暇之余所进行的民间艺术，大约  新城戏
在清朝乾隆年间（1736－1795），逐渐发展为一种曲艺形式。八角鼓一般是多人坐唱的形式，乐器分别由演唱者操奏，主唱者击打八角鼓，又有单口、对口、拆唱、群唱以及化装表演等多种表现形式。在清代的时候，扶余曾是北方的重镇之一，文化较发达，土著居民以满族较多。根据八角鼓老艺人程殿选（1884－1969）介绍，自清朝后期至20世纪30年代，曲艺八角鼓在扶余颇为流行。当时，逢年过节，喜庆堂会，均演唱八角鼓。八角鼓艺人还经常演出于城镇的书场、茶肆、集市、农村等地。从抗日战争后期至建国前夕，八角鼓逐渐趋于消沉。 　　自清朝末期至中华国年间，扶余境内演唱八角鼓成风。民间的喜庆和官绅的堂会无不演唱八角鼓。演唱者满族、汉族皆有，职业演员和业余团体并存。在汉族演唱者中，以程殿选的声望比较高，他既是持鼓主唱者，又是演出组织者。中华人民共和国建立之后，音乐工作者徐达音等按程殿选口授，记录、整理了四十个曲目和二十七个曲牌。 　　1955年，在有关部门的主持下，八角鼓作为满族文化遗产被重新挖掘、抢救。1959年，扶余当地的文化主管部门组织一批八角鼓老艺人和新文艺工作者对八角鼓进行了戏曲化的  新城戏
创作和改编工作，开始在八角鼓基础上创建新剧种。同时还成立了扶余县新剧种实验剧团，编演实验剧目《箭帕缘》。因《箭帕缘》的首演取得巨大的成功，次年就将新剧种正式命名为新城戏，改实验剧团为新城戏剧团。此后接连创作和移植了一批剧目，使剧种在县内扎下深厚的艺术根基。经过文艺工作者的多年探索和实践，将八角鼓曲牌中的〔靠山调〕、〔四句板〕作为主要声腔，在此基础上创作了慢板、原板、数板、行板、弹颂板、快四板等多种板式，并且在结合板式的基础上运用了诸如〔太平年〕、〔拣菊花〕、〔娃娃腔〕、〔茨山〕等曲牌格调，使它成为板式变化体与曲牌联套体相结合的剧种。它的音乐唱腔温婉抒情，清脆明朗。 　　“文化大革命”期间，新城戏剧团改为文工团，剧种的建设受到影响。1978年在恢复新城戏剧团之后，剧种建设又再度掀起高潮。八十年代初，剧团和县文化主管部门决定突出满族特点，建设新城戏剧种，同时又成立了扶余县新城戏艺术研究室，着手编演满族题材的新剧目《红罗女》，并在音乐、表演和服装、化妆等方面进一步向满族歌舞靠拢。 　　至1966年，新城戏戏剧团编创和移植了二十多个剧目，先后上演达一千七百余场，并曾先后至白城、长春、四平等巡回演出。扶余县新城戏剧团这个剧种唯一的专业剧团，主要活动在扶余及白城一带和附近各县，此外，在扶余还有一些业余剧团或文艺宣传队也演出新城戏。
编辑本段艺术特点
　　曲艺八角鼓音乐为联曲体，现今存留的曲牌有〔四句板〕、〔茨山〕、〔拣  新城戏
菊花〕、〔太平年〕、〔靠山调〕、〔柳青娘〕、〔数唱〕等二十七个。发展为新城戏后，八角鼓逐渐成为板腔体和联曲体相结合的综合体式，其板腔部分是以八角鼓的〔四句板〕、〔靠山调〕两个曲牌为基础，吸收了其他曲牌的个别乐句发展而成。经过多年的探索实践，八角鼓逐渐形成了慢板、三眼、原板、弹颂板、行板、快四板、数板、垛板、流水、快板、散板（包括导板和快打慢唱）等各种板式。根据演出的需要，也经常使用一些独立的曲牌，如〔太平年〕、〔剪剪花〕、〔茨山〕、〔数唱〕、〔娃娃腔〕等。八角鼓在板腔和曲牌的运用上也比较灵活：有时板腔和曲牌结合使用，有时只用板腔，有时则是把曲牌联接起来使用。唱腔的主要特点是旋律经常使用四、五度的连续跳进，又二度上行的旋法，加之旋律进行跳动幅度较大（有的竟达两个八度），拖腔长而委婉，因而形成了其独特的风格。男女分腔采用同调异腔的方法，即男女腔基本上相差四、五度。八角鼓的主奏乐器是高胡，配以二胡、扬琴、三弦组成四大件。但也有的板式和曲牌如弹颂板，就只用琵琶和古筝，打击乐器则配以八角鼓。数板只用扬琴和八角鼓。 　　新城戏音乐整体上以八角鼓为基础，吸收满族民间音乐(满族民歌、太平鼓等)，以板式变化为主，兼用曲牌。行当以生(小生、老生)、旦(青衣、花旦)、丑(文丑)为主，长于表现悲欢离合的故事情节以及轻松喜悦的故事。1963年以后，曾编演一些多行当的文武并重的剧目。表演取京剧的唱、做、打兼收满族民间舞蹈，具有满族歌舞特色。念白可以分为韵白与散白两种。韵白类似评剧的上韵，多用于古代戏官宦和才子佳人。散白是东北地方语音的说白，多用于古代戏中平民百姓和滑稽脚色。在现代戏中一律运用散白。
编辑本段角色行当
　　新城戏的脚色行在该剧种创建的初期，基本上是沿用京剧的行当体制。其中以旦脚的青衣和花旦为主。如古代戏《箭帕缘》里的主人公贞娘(花旦)和现代戏《战风沙》里的主人公杨松梅等。七十年代末期，剧团开始着重建设满族戏曲的脚色类别。自满族题材古代戏《红罗女》的创  新城戏
作之后，就大致放弃了原有的行当。在人物表演上着重从年龄、身份、性格等特点出发，并无明显的行当属性。新城戏的身段大多从满族民间歌舞中提炼而成，亦无固定的行当程式。
编辑本段表演风格
　　1984年前，新城戏的表演没有自己的特点。对此，专家和观众都不满意。专家说，新城戏不创建自己的表演艺术，将严重影响它的发展前途，观众也说，新城戏的做派（表演）跟京评戏一模一样，功夫还不如人家，有什么看头儿，他们最严厉地批评就是不再来看戏。这些批评和意见让新城戏的主创者们认识到，有无自己的表演风格关系着新城戏的生死存亡，必须下决心解决。 　　[跳萨满][打单鼓][踩寸子]等许多传统舞蹈，是个很丰富的宝库，足可用来创建新城戏的表演风格。为此，他们曾多次派艺术骨干走访民间和去有关单位学习。在掌握了大量素材之后，加工整理出了[萨满舞][单鼓舞][寸子舞]等几套满族舞蹈，都用在了《红罗女》这出戏里，收到了很好的艺术效果。例如， 《红》剧第六场，红罗女怀抱生死相爱的未婚夫骨灰与之成婚。舞蹈设计者把[萨满舞]用在了她的特殊婚礼上，老萨满带领一群徒弟为红罗女高歌狂舞倾诉满腔悲愤，指斥奸佞小人，满台腰铃和抓鼓的响声振天动地，乐队则伴以沧凉悲壮的萨满音乐，把主人公的思想感情表现得淋漓尽致。台下观众总是被感动地潸然泪下。再如，《红》剧中有好几处骑马戏，这次没再用过去常用的老“趟马”，而是根据满族自古善骑射的习俗，参考当代[骑兵舞]，加工成一套[满族骑马舞]，按需要分拆使用。虽然其中还保留了“探海儿”“翻身儿”等老趟马的动作，但他的基本台步，肢体形态，马鞭等都做了根本性的改变。乐队也没再使用单一的“官中”打击乐，而是采用管弦乐配以单鼓等满族打击乐混合伴奏。慢时，柔美飘逸，快时，气势磅礴。既有民族特点，又较好地表现了人物和剧情，观众反映说，比老“趟马”更好看。 　　在以后排演的几出戏里，又根据陆续搜集到的素材加工使用了[单鼓舞][腰铃舞][火神舞][弓舞]等数套满族舞蹈，丰富和加强了新城戏的表演内容和民族色彩。然而，他们深知，光靠加几套舞蹈还是不能创建成新城戏的整体表演风格的，还必须把这些舞蹈渗透到每个剧目的各种人物和各种情节，乃至整个表演中去，并让它们融会贯通，浑然一体，才能真正成为一种完整的艺术风格。为此，他们一直在进行着多方面的探索和实践。 　　《绣花女》这出戏，表现的是一个村姑装扮成三个格格（小姐）与贪色的小王爷巧妙周旋的故事。导演把[腰铃舞][单鼓舞][寸子舞]中的一些动作提炼出来，为三个不同性格的格格设计了三种不同的身段和舞姿，塑造了三个不同的人物形象。而剧中的两个媒婆的台步和身段则是源于[萨满舞]中的“摆跨”动作；小王爷的一些肢体动作也是出于[满族秧歌]。这样，几个主要人物的表演都有了自己的特点，这出戏的总体风格也就基本形成了。不过，倘若只有继承而无创新，也不会搞出高水平的作品，前面提到的成果，都不是原始形态的照搬，而是继承和创新的综合结晶。最典型的例子当属《铁血女真》中阿古打跳的那段[鹰舞]。当时的情境是：阿古打及其族人多年遭受辽帝的残酷压迫，连他的爱妻也被辽帝夺去并为之生下一子。辽帝命阿古打前来贺喜，不仅当面言辞羞辱，还命他跳个舞企图再戏弄一番。阿古打此时心中如倒海翻江，但迫于形势又不能不跳。导演和演员借鉴[萨满舞]，按女真人崇尚“海东青”（一种最勇猛的鹰）的习俗，为阿古打设计了一个动式刚劲，舞姿矫健，状如一只雄鹰在暴风雨中奋勇搏击的独舞。加上乐队震撼人心的伴奏，把阿古打一腔仇恨尽情倾泄出来。观众看罢总是报已热烈的掌声。 　　满族历史剧的表演，新城戏演出现代戏还有没有自己的表演特色呢？这是一个很大的难题，因为，今日的满族，经长期满汉融合，他们的生活习俗，文化形态，已同汉族没有明显的差异。反映现实生活的现代戏，当然也不能人为地制造特点。但是，满族戏终究还是满族戏，如果演现代戏就没有了表演特点，那它岂不成了一个“缺腿”剧种。 　　为了攻克这个难题，在排演的现代戏《皇天后土》中，进行了积极有效的尝试。这个戏写的是一个当代农村鹿场的故事，导演用满汉融合的民间舞蹈——东北大秧歌把全戏从头到尾串联起来，并把一些传统满族舞蹈渗透到了人物角色的形体动作和亮相造型等表演中去，又在一场失火戏里，把大火拟人化，运用了修改后的[火神舞]，增强了它的歌舞性和观赏性。既避免了现代戏易犯的“话剧加唱”老毛病，又使它具有了浓郁的地域和民族色彩。得到了观众和专家的一致好评。新城戏念白以普通话为基础，掺有少量观众能听懂的满语，加强其节奏性和韵律性，逐步探索自己的念白风格。
编辑本段文献介绍
　　中国戏曲志 .吉林卷/中国戏曲志编辑委员会,《中国戏曲志·吉林志》编辑委员会编.--北京：中国ISBN中心出版，1993.8.--747页 　　中国大百科全书 ：戏曲、曲艺/中国大百科全书出版社编辑部编.--北京：中国大百科全书出版社，1983.--659页 　　中国戏曲剧种大辞典/《中国戏曲剧种大辞典》编辑委员会编.--上海：上海辞书出版社，1995.--1668页 　　剧种·剧目·剧人：中国传统戏曲知识简介/麻国钧等编著.--北京：大众文艺出版社，2000.--14,311页.--(北斗星大众文化丛书) 　　中国戏剧史 /徐慕云撰.--上海：上海古籍出版社，2001.--328页.--(蓬莱阁丛书) 　　新中国地方戏剧改革纪实/叶炳南主编.--北京：中国文史出版社，2000.--2册(1276页) 　　长白山春情 ：吉林省农村题材小戏集锦/[中华人民共和国文化部编].--北京：中国大百科全书出版社，2001.--156页.--(小戏春晖:全国部分省市农村题材小戏调演剧本丛书)
编辑本段发展史上的里程碑
　　新城戏跌入低谷，各种非议甚是强烈，“新城戏唱腔越来越不好听了”“啥都跟别人一样，要它有什么用。”有位省里的权威人士也说：“一个县级剧团，那有能力创建一个新剧种啊”。重压之下，新城戏剧团还真就演起了评剧和吉剧。这时有人便说：“何必挂羊头卖狗肉，干脆名正言顺吧”。一位县文化局领导已经命人悄悄写报告，准备呈送县委，要求砍掉新城戏，成立评剧团。 　　坚持搞新城戏的领导和骨干们，并没有被非议和责难所压跨。大家苦苦思索，认真学习，寻找着新城戏的生存与发展之路。不久，县委主要领导表态：新城戏不能取消，有缺点，改进。不成熟，丰富提高。这是一份文化财富，我们不能作毁灭财富的历史罪人。这个表态极大地鼓舞了坚持搞新城戏的人们，这时，我国著名戏曲活动家马彦祥先生在一篇评论中明确认定：新城戏是由满族八角鼓发展而成，应属满族戏曲。有些满族同胞也提出建议，要求把新城戏建设成地地道道的满族戏曲。 　　马老的评论和满族同胞的建议，与新城戏主创者们对过去剧种建设的反思产生了强烈共鸣，20多年来，创建新城戏的主导思想，基本上是把它当作地方剧种经营的，严重忽视了它原本存在的民族价值和艺术特点。片面地一味追求戏曲化，程式化，其实是只要中国戏曲的共性，削弱了它的民族个性，阻塞了它发挥自己优长的道路。邯郸学步，后果可悲。丢了自己最宝贵的东西，焉能不失去广大观众。 　　基于上述认识，主创者们决心对新城戏的剧种建设进行“回归老基地，实现满族化”的第二次创业行动。具体方案是：一、创编表现满族历史生活的剧本。二、把音乐唱腔拉回到八角鼓老曲牌上来进行再创作。三、派人到全国各地学习和搜集各种满族音乐，满族歌舞，丰富自己的创作基础。四、表演、舞美，打击乐等都要创造自己的艺术特点。方案定后，主创人员分头行动。 　　1983年新城戏第一个满族历史剧《红罗女》剧本脱稿，经过四个月的精心排练，于1984年5月，以鲜明的满族特色登上了舞台，立即得到了广大观众的热烈欢迎。不久《红》剧先后参加了本地区和全省的戏剧会演，得到了与会同行和专家们的 　　充分肯定。一位资深专家激动地说：“ 《红罗女》是新城戏发展史上的里程碑。按这个路子走下去，新城戏必定大有作为。”当然，也不是所有专家都那么认同，评奖时《红》剧就仅以0.25分之差,屈居二等奖第一名.然而这并未影响广大观众对它的喜爱。会演后《红》剧到本县一个集镇演出，连演九场，场场满员，有时不得不卖点站票。后因一位演员摔伤，才被迫停演。 　　当年国庆节，《红》剧被调到长春。参加吉林省人民政府举办的国庆35周年庆祝活动，连演五场，吉林电视台现场录像，全戏播出。同年11月，《红》剧又被省文化厅推荐参加了国家文化部在昆明举办的全国少数民族戏曲剧种录像演出观摩会，再次得到专家们肯定，获国家文化部奖励。至此，新城戏被广泛公认为满族戏曲，尤其满族同胞，更是倍加喜爱。为验证此事，我们特意去拜访了满族知名人士溥杰先生，请他听了新城戏录音。溥杰先生十分高兴，盛赞不已，并当即提笔，为新城戏题词，以表心迹。满族同胞的支持，更加鼓舞了新城戏的主创者们攀登满族戏曲艺术高峰的决心和干劲。

汉剧
百科名片
汉剧，中国戏曲剧种、湖北省地方戏曲剧种之一。俗称“二黄”,又有“楚剧”、“汉调”两种叫法。它为湖北主要的戏曲剧种。主要流行于湖北省境地内长江、汉水流域以及河南、湖南、陕西、四川部分地区。

目录

简介
溯源
剧目
声腔
伴奏
行当
传承
四路二簧
大流派
艺术特色
申报遗产
传承发展简介
溯源
剧目
声腔
伴奏
行当
传承
四路二簧
大流派艺术特色申报遗产传承发展展开 编辑本段简介
　　汉剧是中国的戏曲剧种之一，旧名楚调、汉调。 　　清代中叶形成于湖北境内，原以秦腔经襄阳南下演变出来的西皮为主要腔调，后来又吸收了安徽传来的二黄。约有300多年历史。早期同徽剧经常相互影响，在发展的过程中形成了荆河、襄河、府河、汉河四支流派。对湘剧、川剧、赣剧等剧种的形成发展都有影响。清嘉庆、道光年间，汉调流传到北京，加入徽调班社演唱，逐渐融合演变而成京剧。 　　汉剧脚色共分为十行：一末、二净、三生、四旦、五丑、六外、七小、八贴、九夫、十杂。腔调除了西皮、二黄外，罗罗腔也用得较多。伴奏乐器有胡琴、月琴、三弦、鼓板等。 　　清末民初，成立了专科班，培养出余洪元、吴天保、董瑶玠等一批名角，汉剧开始兴盛起来。 　　清代中叶形成于湖北境内，发展成为襄河、荆河、府河、汉河四支流派。俗称路子。清末民初，成  陈伯华演汉剧《贵妃醉酒》
[1]立了专科班，培养出余洪元、吴天保、董瑶玠等一批名角，汉剧随之兴盛。抗日战争爆发后，汉剧艺人参加了抗日救亡活动，成立了汉剧流动演出队。1962年建立了武汉汉剧院，主要演员有陈伯华等。 　　2006年5月20日，列入第一批国家级非物质文化遗产名录。 　　陕南地方戏剧，由汉水流域的山歌、民歌、小调发展而成，音调为汉中一带发音，与湖北汉调戏相似。长于文戏，巴山气息浓郁，音调幽雅，唱腔婉转，道白柔和，语言风趣，表演细腻，纯朴大方，唱腔及念白巴山音韵很重，以川味见长。板式有上、下调之分，上调多用于表现悲怆、凄凉、愤慨情绪；下调多表现舒畅、明快豪放情绪。本市汉台区、西乡县、镇巴县等地60年代以前多表演汉调二簧，今渐无。 　　汉调二簧最初的发祥地为紫阳蒿坪河一带。最早的班社活动可以追溯到乾隆二年（1737）。1958年，据老艺人冯仁才、邱盛茂口述，蒿坪河东门寺的乐楼（戏台）上曾有“乾隆二年八月乾胜班在此破台”的题壁。生于乾隆三十六年的蒿坪河艺人杨履泰（杨家家谱），曾于乾隆末期至嘉庆年间领泰丰班在蒿坪河一带演出，享名一时。嘉庆至道光年间，杨履泰与其子杨金年继续领班演唱，并于西乡沙河坝、屈家河，首次创办了汉调二簧科班，收徒六十余人，为二簧培养出“鸿”、“来”两辈艺人。“来”字辈最杰出的艺人为查来松和屈来寿，“鸿”字辈最杰出的艺人为贺鸿生。两辈艺人分散于安康、汉中、商洛、关中及四川等地领班演出，并不断在各地举办科班，教授学徒，遂使汉调二簧在各地得以传播和发展。在其流行过程中，因受各地语言、民歌、地方戏曲的影响，相继形成了汉中、安康、关中、商镇四路二簧，清末民初出现了班社林立，艺人辈出的兴盛局面。
编辑本段溯源
　　汉剧属皮簧腔系，早期称"楚腔"、"楚调"，以后又称"汉调"、"汉戏"，俗称"二簧"。在鄂北有"一清二黄三越调"的谚语，在鄂东又有"一清二弹"之说，称汉剧为"乱弹"或"弹戏"。文献记载  汉剧《白蛇传》
中曾有"湖广调"、"黄腔"、"皮簧"等称谓。辛亥革命前仍称"汉调"，从民国初年起开始改称"汉剧"。其主要声腔为西皮、二簧，在地方剧种中开创皮、簧合奏之先河，从而形成皮簧声腔系统。汉剧流行于湖北省境内的长江和汉水流域及其邻近的河南、湖南、陕西、四川等省的部分地区。 　　二簧兴起于长江中下游，系由安徽安庆徽班二黄发展而来。传入湖北的四平腔吹腔，经湖北艺人加工发展而成。西皮是由传入鄂西北襄阳一带的山陕梆子演变而来。汉剧前身为楚调。清朝中叶一些文献对此曾有记载。如乾隆五十年（1785）吴太初所著《燕兰小普》中记有：名伶时瑶卿"爱歌楚调一番新"。楚伶王湘云擅长《卖饽饽》，唱荆江秧歌、沙湖绵（沔）阳小曲。清范锴在其《汉口丛谈》中也曾记载：汉口楚调著名演员李翠官、隶荣庆部，擅长《贵妃醉酒》、《潘尼追舟》、《玉堂春》。 　　汉调西皮、二簧合流并用，乃经过长期逐渐融合过程。清道光三十年（1850）刊印的叶调元所著《汉口竹枝词》中对这一融合曾有记载："曲中反调最凄凉，急是西皮缓二黄，倒板高提平板下，音须圆亮气须长。""汉口向有十余班，今止三部。"上述描写的是叶调元于道光十三年重游汉口时的见闻。书中还记述了前辈演员与当时演员在艺术上的继承关系，说"小金当日姓名香，喉似笙箫舌似簧。二十年来谁嗣响，风流不坠是胡郎。"从他的记述中可以看出，早在嘉庆末年，在汉口就有十余个唱汉调的戏班，他们既唱西皮，又唱二簧；既有正调，又有反调，已经是一个声腔完备的剧种。故汉调与皮簧在湖北的合流时间，应为嘉庆年间。 　　清嘉庆、道光年间已有湖北汉调艺人米应先、余三胜、王洪贵、李六等先后赴京，搭春台、和春等徽班，以中州韵湖广音演唱皮簧，出现了"班曰徽班、调曰汉调"的局面。根据在湖北发现的汉调艺人米应先、余三胜等人的家谱等史料，证明当时北京的徽班，有的就曾以汉调艺人为骨干。米应先（1780-1832）就曾以演《战长沙》中关羽而名誉京师。余三声（1802-1866），道光初年入京，曾掌管当时享誉京城的"四大徽班"之一的春台班多年。春台班当时亦以汉调演员为台柱，以汉调皮黄为主要唱腔而蜚声梨园。 　　清嘉庆、道光年间，湖北各城镇经济繁荣，商旅云集，会馆庙宇林立，戏楼遍布，汉调戏班、科班亦随之兴起，为汉调的兴盛和发展提供了条件。汉剧在湖北的发展史上曾依流行区域而划分为襄河、荆河、府河、汉河四支流派，湖北方言叫作"路子"。 襄河路子以襄阳、樊城为中心，流行于光化、谷城、南漳、钟祥等地，以洪兴班最著名。襄樊又是"襄阳调"即西皮腔的兴发之地；府河路子以安陆为中心，流行于随县、枣阳以南、黄陂、孝感以北各城镇，以安陆桂林班最为著名；荆河路子以荆州、沙市为中心，流行于长江流域的荆河一线的宜昌、枝江、公安、石首、监利等地；汉河路子分为上下两路。上路以汉口为中心，下路以黄冈、大冶为中心，流行于鄂城、浠水、蕲春、阳新、通山一带。 　　清咸丰以后，受战乱影响，汉调曾一度衰落。同治、光绪年间汉口被辟为商埠后，汉调各路名演员、名教师又重新聚集于此，并举办了天（老天字科）、双、喜三届科班，培养出一批后来享誉剧坛的汉调著名演员，如一末任天全、五丑汪天中、六外陈旺喜、七小黄双喜、八贴罗金喜、陶四喜、十杂王洪喜等。辛亥革命后，又有陈国新、  汉剧脸谱
张鉴堂等在"春满茶园"先后开办了天（小天字科）、春、长字三届科班，培养出吴天保、周天栋、郑天龙等一批优秀演员。这时期，汉剧又迎来了一个新的兴盛时期，汉剧艺人数量大为增加。余洪元、傅心一、陈国新等此时曾组织汉剧公会，登记会员最多时曾达七千人，而且一些流动班社的艺人尚未包括在内。到大革命时期，汉剧又突破陈规，吸收女艺人参加演出，并举办训幼女学社（又名新化女科班），培养出以新化钗（即陈伯华）为代表的一批优秀女演员。这一时期，汉剧在武汉再次出现了繁荣景象。汉剧艺人广泛与各剧种，特别是向京剧学习交流，使汉剧表演艺术得到了改进和发展。
编辑本段剧目
　　汉剧传统剧目有660余个，多是历史演义故事和民间传说，如《英雄志》、  汉剧《百花亭》
《祭风台》、《李密降唐》等，以《宇宙锋》等剧的演出最为人称赏。汉剧还有很多杂腔小调和丰富的曲牌。专唱曲牌的剧目有《大赐福》、《草场会》、《五才子》等。 　　抗日战争爆发后，汉剧艺人响应中国共产党的号召，积极参加抗日救亡活动。在郭沫若、田汉、洪深等人的领导下，组织了十个汉剧流动宣传队，由傅心一、吴天保、周天栋等率领，分赴川、湘、鄂西等大后方演出。在重庆、成都一带演出了《淝水之战》、《江汉渔歌》、《文天祥》、《岳飞》等剧目，一直坚持到抗战胜利。傅心一还在重庆北碚开办汉剧训练班，学生毕业后组成"五一汉剧团"，抗日战争胜利回鄂后改名为黄石市汉剧团。 　　中华人民共和国成立后，汉剧再一次获得蓬勃发展的机遇。全省相继成立了二十多个汉剧团。1962年武汉市成立了武汉汉剧院，由陈伯华任院长，吴天保、胡桂林、李罗克任副院长，承担起研究和革新汉剧的重任。1958年湖北省戏曲研究所举办了汉剧演员进修班，湖北省和武汉市戏曲学校分别开办了汉剧科，集中各行的优秀师资，培养出一批汉剧人才。 一批经过加工整理的传统剧目，如《宇宙锋》、《二度梅》、《断桥》、《兴汉图》、《水擒庞德》、《斩窦娥》、《急子回国》、《详状审陶》等曾在全国和湖北省历届戏曲会演中获奖或受到好评。其中，《宇宙锋》于1954年由东北电影制片厂摄制成黑白影片；《二度梅》于1959年由武汉电影制片厂拍成黑白影片；新编历史剧《闯王旗》于1978年由长春电影制片厂拍摄成彩色影片；移植剧目《借牛》于1966年被珠江电影制片厂摄制成彩色影片；《审陶大》、《磐河桥》、《扫雪打碗》等剧被拍成资料片。
编辑本段声腔
　　汉剧声腔以西皮、二黄为主，兼有歌腔、昆曲、杂腔、小调等曲调。  汉剧《活捉三郎》
高亢激越，爽朗流畅。在汉剧中,锣鼓地位不可或缺。它打法多样，分为大打、小打和串打。其中，串打配以马锣，节奏感强，气氛强烈。角色行当分为十大行：一生、二旦、三净、四末、五丑、六外、七小、八贴、九夫、十杂；末脚以雍容的表演和醇厚深沉的唱腔取胜；旦行唱腔绚丽多彩，以声传情，声情并茂。 　　汉剧的声腔以西皮、二簧为主，兼有吹腔、杂曲、小调。西皮也称"下把",定la-mi弦，唱腔高亢激越，爽朗流畅；节奏灵活多变，可塑性强，使用范围较广。西皮板式比较完整，有[慢板]（习称慢西皮）、[正板]（习称中西皮）、[快板]（习称快西皮）、[西皮垛子]、[西皮一字]，以及属散板类的[摇板]、[散板]、[导板]、[滚板]等。其中，[西皮垛子]是运用较多又最具特色的一种独立板式，其唱腔字多腔少，节奏紧凑，适于叙事，是西皮中常用的一种板式。二簧也称"上把"，定sol-re弦，曲调柔和委婉，舒展流畅，节奏较平稳。板式有[二簧慢板]、[二簧垛板]、[二流]、[二流垛子]、[夹板]，以及属散板类的[摇板]、[散板]、[滚板]、[导板]等。[二流]是主要板式，有快、慢之分。西皮、二黄在传统演唱中还有一些独具特色的专用曲调和特定唱腔。如襄阳调、九腔十八板、灯笼竿、西反腔、黄反腔、马蹄调、琵琶词等。 　　汉剧唱腔中还有一些曲调优美活泼、节奏鲜明的杂曲小调，包括[昆腔]、[罗罗腔]（七句半），[渭腔]、[耍孩儿]、[银纽丝]、[凤阳歌]、[鸳鸯鸟]、[过关调]等数十余种，以及民歌、杂曲等。多用于富有喜剧色彩、生活气息浓厚的小戏。汉剧的曲牌也十分丰富。传统的演唱和器乐曲牌有四百多首。按使用乐器的不同，分为唢呐曲牌、笛子曲牌、丝弦曲牌；根据曲调性能和使用范围，又分为军乐、礼乐、宴乐、物乐、喜乐、哀乐、神乐七类。这些曲牌或衔接唱腔，或配合身段、渲染气氛，具有丰富的表现功能。有些戏如《天官赐福》、《草场会》、《大封相》、《五才子》等，则是专唱曲牌的剧目。
编辑本段伴奏
　　汉剧的伴奏具有自己独特的风格。不同的唱腔使用不同的伴奏乐器，  汉剧《借牛》
皮簧腔主要以胡琴伴奏为主，唢呐二簧、罗罗腔、昆腔曲牌等，则以唢呐或笛子为主要伴奏乐器。近几十年来，文武场乐器有较大改进，如胡琴改为京胡；汉锣、汉钹改为音调高昂的奉锣、苏拨。汉剧锣鼓经十分丰富，打法多样，基本锣鼓点约有一百六十多个。大体上可分为[大打]、[小打]、[川打、[干打]、[湿打]五种组合方式。其中，由马锣、边鼓、大锣、钹组合而成的[川打]，具有节奏鲜明、气氛强烈的特点，对于刻画粗犷、剽悍的人物形象和烘托场上火爆热烈的气氛，能起到独特的表现作用，主要用于西皮唱腔及舞蹈、武打的伴奏。如在《马武闹馆》、《扎高围滩》、《双卖武》等花脸、武生戏中，均用[川打]来衬托草莽英雄洒脱粗犷的性格，效果不错。
编辑本段行当
　　汉剧与湖北清戏、湖北越调在民间素有"一清、二黄、三越调"之说  汉剧《闯王旗》
。其分行均为一末、二净、三生、四旦、五丑、六外、七小、八贴、九夫、十杂十大行当。末、丑、夫用本嗓（俗称"堂音"）；生以本嗓为主，并夹用边音（俗称"本夹边"）；净、杂用边嗓；旦、小生用小嗓。 　　一末为老年生角，剧中多饰演年老的帝王、宰相、高官、学士、贤士、义仆等正面人物。末角中的代表人物是余洪元。他最先对唱腔、表演做了突破性尝试，创造了深沉苍劲、醇厚优美的"余派"唱腔，将末角艺术推向高峰。他在《兴汉图》、《白帝城》中饰演的刘备，以雍容的表演和醇厚深沉的唱腔取胜。在《两狼山》中扮演的杨继业，以慷慨悲壮的〔二簧慢板〕，把汉剧〔反二簧〕唱腔提到一个新的水平。此外，末角任天全、蔡炳南、胡双喜、刘炳南、魏平原、胡桂林、余春衡等也颇负盛名。 　　二净为唱工花脸，剧中多饰演谏臣名将，如《大保国》中徐延昭、《白良关》中的尉迟恭、《下河东》中的赵匡胤等。此外也扮演奸雄暴君，如《雁门关》中的潘仁美、《捉放曹》中的曹操、《毒胞兄》中的杨广等。二净以唱边音为主，行"背弓"腔，难度大。知名净角有罗敢生、郑万年、余洪奎、朱洪寿等。 　　三生为中年生角，重唱工，多扮演慷慨激昂、忠诚耿直的正面人物，如《文昭关》中的伍子胥、《辕门斩子》中的杨延昭、《法门寺》中的赵廉等。知名生角有陈丁已、钱文奎、吴天保、尹春保、何鸣凤、徐继声等。其中以吴天保成就最大。他勇于革新，创造了高亢激昂、行腔峭拔的"吴派"唱腔。三生所扮人物大都是文的；虽有武的，但也以文唱为主，唱、念、做兼重的戏很多。由于重唱，又被称为"铁扁担行"。 　　四旦多饰演大家闺秀、中年妇女、皇后王妃和贞女烈妇，如《二度梅》中的陈杏元、《大保国》中的李艳妃、《二王图》中的贺后等。本角色表演端庄凝重，娟秀大方，重唱工。知名旦角有李彩云、刘顺娥、陈伯华、邓云凤、钱华等。她们的唱腔各有特色，其中以陈伯华成就最为突出。她融青衣、花旦、闺门旦于一炉，创造了华丽多彩的"陈派"唱腔，成功地塑造了许多不同性格的人物形象。 　　五丑应工剧目很宽，可扮演各种不同类型的角色，如老年的贫婆、幼稚的娃娃、昏聩的帝王、狡诈的小吏、耿直的老翁等。其表演以诙谐风趣为主，做工繁重，重腿功，讲究"裆劲"、"矮子步"等。 　　六外为重做工的生角，戏路较宽，如《群英会》中的鲁肃、《表功》中的秦琼、《坐楼杀惜》中的宋江等，均以表演见长。如《表功》中的秦琼，念白多达百余句，边念边做，腰、腿、身、手、髯口、眼神各显其能，均有交代。 　　七小包括文、武小生。文戏如《贩马记》中的赵宠、《二度梅》中的梅良玉、《花田错》中的卞生等；武戏的靠把戏有《芦花荡》的周瑜、《黄  汉剧《宇宙锋》
鹤楼》中的赵云、《白门楼》中的吕布等。赤膊生（短打小生）常演《武松打虎》、《快活林》等。知名小生有喻俊卿、黄双喜、董金林、李四立等。 　　八贴是以做工为主的花旦，多扮演年轻少女、风骚泼辣的少妇，如《花田错》中的春兰、《乌龙院》中阎惜姣、《翠屏山》中的潘巧云等。也扮演与四旦同工的妇女，如《贵妃醉酒》中的杨玉环、《反八卦》中的柴夫人等。近世著名花旦有罗金喜、钟华卿、董瑶阶、小翠喜、万盏灯等。其中以董瑶阶最为有名，被尊为花旦中的魁首。 　　九夫多扮演老年妇女，在表演风格上有贫富之分，如《四郎探母》中的佘太君、《钓金龟》中的康氏等。 　　十杂为做工花脸，多扮演勇猛憨直的武将或飞扬跋扈的权臣。如张飞、马武、呼延赞等，以做和打见长。
编辑本段传承
　　在中国戏曲发展历史上，汉剧为京剧的形成作出过特殊的贡献，  梅兰芳与汉剧大师陈伯华
对川剧、滇剧、桂剧、湘剧、粤剧、赣剧等地方戏曲剧种也有不同程度的影响，是研究戏曲板腔体系、戏曲音乐结构演变的重要史料和进行艺术创新的资源。20世纪60年代以来，各地汉剧团急剧减少，至今湖北省境内仅存两个专业汉剧院团，许多剧目和传统技艺正随着老艺人的谢世而失传，急需加以抢救和保护。
编辑本段四路二簧
　　汉中二簧：嘉庆至道光年间（1796-1850），杨金年在汉中西乡开办科班的出科艺术人，分赴汉中各地搭班或自行组班演出，并开科授徒。使汉调二簧在汉中各地扎下了根子，出现了职业戏班仁丰班、汉荣班，于道光二十年前后，还去湖北、安康等地演出。杨金年、查来松及张清寿（人称“活灵官”），又接办了永、青长三科，培训出的艺人，又分别组建起长胜、青云、永太等班，并跟班又代培出太、周、万字辈艺人，壮大了二簧力量，形成了上河调（汉中为汉水上流，当地欲称上河）二簧。张清寿死后葬于镇巴县城东北角，其第子于坟侧修建“灵官庙”一座，庙内存有张的塑像，成为后世汉中艺人祭祖之地。光绪年间（1875-1908）汉中、南郑等地，又先后办起了大同社、福庆班、双庆班等汉调二簧班社。光绪三十三年（1907）杨伟堂、苏峦玉、赵某（山阳县人）、贺保保（安康人），合伙于南郑县秦家坝大安寺开办了天泰科班，共收学徒七十余人，为当时汉中最大的科班。三年后，西乡县的九荣两科班四十余人被接纳入天泰科班，人员多达百余人以上，曾开往四川演出。宣统二年（1910）于成都首场演出《满床笏》，轰动一时。至辛亥革命后，李伟堂才率班返回汉中。不久，戏箱交由郑天满领管，改天泰科班为兴汉社，成为汉中二簧的主力。以后三十年间，马天庆（领班）与王吉元、王来寿等，跟班带徒培训出福、耀、玉、胜等辈学员，流布汉中各县，并组班演出，遂出现了宁强县的贺斌班、胡家坝的赵开志班、留坝县的唐安荣班、德燕班等几十个戏班，使汉中派二簧开始出现了盛期。抗日战争后期，职业班社仅留有蒲正华所领的兴汉社，二簧戏顿呈衰弱景况。中华人民共和国成立后，由兴汉社和几个业余班人员组成汉中市平民剧社，后改为汉中市汉剧团。1967年解散，1979年重新恢复。1981年与汉中市文工团合并，取名汉中市实验剧团。汉中汉调二簧语音接近四川，唱腔具有音调清新、柔婉的特点。主要盛行于汉中、南郑、西乡、城固、镇巴、勉县等地。 　　 　　安康二簧：自乾隆（1736-1795），蒿坪河二簧乾胜班、泰丰班出现后，至道光年间（1821-1850），又有汉荣班（汉中派）、仁丰班、宜太班相继演出。咸丰十年（1860）安康籍艺人范仁宝（浑名范驴子）从湖北房县大觉寺率领瑞仁班回安康，于城内三义庙搭台售票演出，又在金堂寺、万寿寺开科授徒，培养出瑞、彩、方、盛四科安康艺人。该班阵容整齐，行当齐全，其唱腔杂有湖北民间曲调，人称下河调，具有唱腔清新悦耳，表演细腻神奇的风格，习者众多，使安康汉调二簧得到了长足新悦耳，表演细腻神奇的风格，习者众多，使安康汉调二簧得到了长足发展。同治年间（1862-1874）出科的方、盛两科艺术人，先后入关中、四川演出；瑞、彩科艺人长期驻足于安康地区，使安康汉调二簧在唱腔、表演等方面发生了较大变化。清末民案初，安康各地班社日益增多，最有影响的为十三太字班。即金太班、福太班、鼎太班、广太班、隆太班、贵太班、仁太班、荣太班、盛太班、喜太班、治太班、裕太班和德太班。后因连年灾荒，兵匪横行，班社纷纷解体。民国八年（1919）年安康艺人凌成佑，在城防驻军北洋第七师的支持下，成立了汉剧同心社，以安康城为大本营，于陕南汉水流域各县庙会、商会、乡镇售票演出，二簧再一次起兴。出现的艺人有青衣泰斗陈长庚，净角陈天静、知长福，花旦阎保林，丑角范大德、梁金玉，生角徐茂才、黄大架，小生孙玉宝、李玉喜及安康二簧第一代女艺人钟玉凤、郭玉莲等。抗日战争爆发后，京、沪各地艺人逃至陕南，京剧、越剧、曲剧、话剧及秦腔传入安康，安康二簧又走向了低谷。凌成佑不甘现状，在同心社开办科班，培养了一批二簧艺人，使安康二簧再度出现了回升之势。中华人民共和国成立后，安康地方政府将同心社与西关自乐社合并成立安康人民剧院，先后排演了《小二黑结婚》、《穷人恨》、《九件衣》、《北京四十天》等剧目，受到观众欢迎。1956年安康人民剧院改为安康县汉剧团。专区各县也先后成立起县属专业汉剧团，从业人员达三百余人。1959年陕西省戏曲学校设立汉剧班，为汉剧培养学员七十五名，充实了汉剧新生力量。1981年陕西省文化局于安康举行了首届汉剧会演，名流荟萃，各呈异彩，把二簧戏推到一个新的阶段。安康汉调二簧擅演文戏，唱腔秀丽、委婉，主要流行安康、旬阳、紫阳、平利、白河、汉阴、石泉等地。 　　关中二簧：流行于西安、三原、泾阳、凤翔、长安、蓝田、周至、户县、咸阳、耀县等地。注重唱工，剧本水词少，正、悲剧多，曲牌、打击乐多带秦腔风味。最得文人、商绅、旗、满、回民和军政要人的喜好。嘉庆末年，汉中来字辈出科学生贺鸿生，领班往关中宝鸡、虢镇、周至、户县、泾阳、三原、富平及西安南关等地演出。受其影响，泾阳、长安、周至等地，亦先后组织起二簧班社。光绪年间（1875-1908），出现了三原的清义班，泾阳吴寡妇班，并开始有坤伶清唱或挂衣登台。吴寡妇班搜罗艺人，延聘文人修改剧本，声誉日增。慈禧太后逃至西安后，该班曾应诏承奉献演，得到慈禧赠匾嘉奖。辛亥革命后，陕西督都张翔初，革命军师长张云山，支持在西安创办了二簧鸣盛学社，先后培养学员二百余人，成为关中地区二簧的最大科班。教师有赵安子、吴李乾等。出科的演员有山鸣歧、刘鸣祥、张鸣峰、雷鸣震等，成为关中二簧的中坚力量，曾受聘于四川、甘肃、河南等地传艺和演出。关中二簧演出的主要剧目有《火轮牌》、《汜水关》、《破桃山》、《出五关》、《过巴州》、《锁阳城》、《四平山》等。1925年驻军贾兴运组织的二簧班，演出一时而解体。1931年，艺人王安奎创办志义科班，培养出演员刘志俊、刘志胜、冯志才、邵志福、董志杰等，同时还出现有庆义社和中兴社，因难以立足西安而多巡回于外县演出。1949年初，原“鸣盛学社”、“庆义社”等汉调二簧班社合并为“大众剧社”，活动三年散班。自此，关中地区再无专业二簧剧团，仅西安、蓝田、户县尚有二簧研究会，经常组织一些业余演唱活动。 　　 　　洛镇二簧：盛行于镇安、山阳、商县、洛南等地。向以武戏见长，演《八蜡庙》、《红桃山》等剧，使用真枪真刀。同治、光绪年间（1862-1908），出科于汉中西乡 沙河坎杨金年科班的名艺人贺鸿生，曾从湖北、关中往返于商洛地区传播二簧，培养出赵安子、吴宝卿、演技超群，颇受观众欢迎。光绪二十四年(1898)，清廷还诏赵、吴进宫演唱。姚政班先后举办科班，培养出“广”、“庆”两科艺人五十余名，壮大了洛镇二簧的演出队伍。二十世纪二、三十年代，二簧戏继续发展，出现的班社有柞水县北河代大爷班，商县城内孔海山的商山升平社，商县北区的屈映南班，镇安县城姚再胜的五福班，云盖寺的安乐社和柞水石镇、商县黑龙口、韩峪川、杨斜、东乡等地的二簧班，共十余个。艺人有代大爷班的刘五燕(红生、武旦)、张志富(二净)、朱长福(外)、龚金娃(末)等，五福班的尹荣山(净)、董兴平(旦)、金双庆(生)、雷鸣震(生)等，安乐社的罗福娃、陈大炮、刘子胜(生)、张长生(丑)、高志海(旦)等，商县、山阳、柞水县各班的李保林、王广翠、陈刚娃、黄亮子、吕庆华、张庆鸿等。演出的剧目主要有《斩黄袍》、《天水关》《端午门》、《受禅台》、《天才吃馍》、《南北会》、《洪羊洞》、《白门楼》、《清河桥》、《大开榜》、《元宵谜》、《梵王宫》、《渔舟配》、《鼓滚刘封》、《双投唐》、《草桥关》、《月明楼》、《望儿楼》等。抗日战争期间，洛镇汉调二簧呈现萧条之势，不少班社解体。至抗日战争末期，只有柞水抗建剧团、镇安三胜班等还在演出。中华人民共和国成立后，1955年5月以大同社和抗建剧团为基础建立了商洛新生剧团，1956年秋，镇安县以三胜班为基础组建了群众剧团。1957年后又相继组建成立了山阳县和镇安县两个县级专业汉剧团，经常于本县及商县、洛南、丹凤等地巡回演出。并招收学员，培养出武新艾等一批演员。 此外汉调二簧唱腔分二簧调和西皮调两种，俗称二簧为“上把”，曲调唱法上讲究板起板落，用“顶牙子”开口。板式有〔导板〕、〔慢三眼〕等十二种。西皮调称“下把”，唱法上眼起板落，用“过牙子”开口。板式有〔导板〕、〔一字〕等十种。二簧的反调称反二簧（阳板），西皮反调称反西皮。另外，还有高拨子、四平调、徽调、昆腔、板儿腔、吹腔、高腔、看山腔等杂腔杂调。如《牧虎关》高旺，《三搜府》施公皆用徽调演唱；《大赐福》、《过二关》等全用昆曲演唱；《下河东》用吹腔（唢呐调）演唱；《钉缸》用七句半演唱；《小放牛》用小调演唱等。把西皮〔一字〕和〔二六〕唱调的过门重复一遍叫做“双环环”，是洛镇二簧的一大特色。整个曲调委婉不足，质朴有余，故有“硬腔”之说。二簧戏中，有二簧或西皮一调到底的，也有两种曲调交替使用的。有的上句唱二簧，下句接西皮；或前半句唱二簧，后半句唱西皮。如《二进宫》“跪臣”一节，徐彦昭前半句用二簧〔原板〕唱“吓坏了定国王”，杨博接“兵部侍郎”，就变成了西皮〔流水板〕。这种变调改板的“倒把”方式，是汉调二簧声腔的特点之一。
编辑本段大流派
　　两大流派：①“汉江派”,以安康、汉中为中心，擅演文戏，唱腔柔婉细腻；②“雒镇派”，以商雒、关中为中心，以武戏见长，唱腔高昂粗犷。汉调二簧传统剧目，仅安康一地，就已发掘1200多本，其中包括颇为罕见的《文姬辨琴》、《胡笳十八拍》、《战蚩尤》、《尝百草》等。唱腔有甜音、苦音之分，唱法上，生、老旦一般用本嗓（真声），净用虎音，旦唱小嗓（假声）。道白分“韵白”和“说白”两种,“韵白”用紫阳方言仿湖广音中州韵;“说白”则用当地普通话。伴奏乐器文场有京胡、月琴、三弦、笛子、唢呐、长喇叭等；武场有鼓、板、大锣、小锣、马锣、大钹、二五子（小钹）等。脚色共分末、净、生、旦、丑、外、小、贴、老、杂等十大行。生行后来又有文生、武生、蟒袍、靠架、纱帽之分；旦行又分青衣和花衫等行。脸谱笔调细腻,造型严谨,颇有特色。较有影响的剧目有传统戏《打龙棚》、《梁红玉》；现代戏《梅刀新传》、《红珍珠》等。
编辑本段艺术特色
　　汉调二簧在发展中曾形成安康、汉中、商雒、关中等流派，名角层出不穷。其脚色共分末、净、生、旦、丑、外、小、贴、夫、杂十个行当，表演讲究细腻精到，唱腔真假嗓并用，悠扬婉转。生、老旦一般用真声演唱，旦用假声演唱，净则使用虎音。其唱腔以西皮、二簧为主，西皮用于表现愉快、爽朗的情绪和场面，二簧用于表现悲哀、肃穆的情绪和场面，演唱中根据剧情需要交替使用，形成甜音、苦音之分。 　　唱腔音乐中有西皮类九种板式，如[导板]、[慢一字]、[一字]、[二流]、[三流]、[浪里钻]、[撩子]、[滚白]、[洒头]；二簧类板式有[导板]、[回龙]、[慢一字]，[一字]、[扣扣板]、[平板]、[浪里钻]、[撩子]八种。各种板式的起板、转板、落板都有一定规律；唱腔也兼用一些昆曲，吹腔和民间小调。 　　伴奏乐队的文场使用胡琴、二胡、月琴、三弦、阮、唢呐、笛子、喇叭等乐器，武场则使用牙板、梆子、暴鼓、尖鼓、锣、铙钹等。汉调二簧的脸谱样式众多，比京剧和秦腔更为考究，目前收集到的有四百五十多个。 　　文场丝弦乐器曲牌有[小桃红]、[放风筝]、[哭皇天]、[银纽丝]、[小开门]、[万年欢]等50首左右；唢呐曲牌常用的有20余首，如[金榜头]、[四合四]、[朝天子]、[大开门]、[三枪]、[六么令]、[东鲁罗]、[哭皮]等，武场锣鼓段有开场锣鼓[金银花]、[乱石窑]、[九棰子]等；动作锣鼓段有[四击头]、[豹子头]等；板头锣鼓有[导板头]等。 　　唱词词格以七字句、十字句多见，亦有长短句者。传统剧目有《九件衣》、《满床笏》，历代名艺人有杨履泰、查来松、屈来寿、贺鸿生、范仁宝、凌成佑、陈长庚、陈六静、知长福、杨宝林、范大德、徐茂才、钟玉凤、郭玉莲等。
编辑本段申报遗产
　　时间：2006年 　　类别：传统戏剧 　　地区：陕西 　　编号：Ⅳ—31 　　申报地区或单位：陕西省安康市 　　国家非常重视非物质文化遗产的保护，2006年5月20日，汉调二簧经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。
编辑本段传承发展
　　经研究认定，汉调二簧形成较早，各地其他皮簧声腔剧种都与之存在渊源关系，它对川剧、徽剧、京剧等的形成和发展有着不可忽略的影响。如今，汉调二簧观众锐减，经济上出现困难，不断走向衰落，专业剧团纷纷解散，目前仅剩下安康汉滨区一个剧团还在维持演出，而且这个惟一的剧团也正濒临解散的危机。在此情势下，有必要大声呼吁，应该尽快对这一古老剧种进行抢救和保护。 　　自上个世纪90年代以来，随着电视等现代媒体飞速发展，人们的文化生活方式日益多元化，生活观念与文化消费观念也发生了巨大的变化，致使地方戏曲的演出市场日益缩小，有些戏曲种类甚至销声匿迹，汉调二簧面临着严峻的挑战。原先陕南地区的十余个汉调二簧专业团体也相继解体，如今仅剩下安康汉剧团一家专业演出团体，艰难地保留着奄奄一息的汉调二簧剧种。 　　安康汉剧团因为有各级领导的重视与支持，所以在极端困难的情况下，依然坚守着这块阵地，为抢救和保留汉调二簧这个古老的地方剧种做了许多行之有效的工作。但人员老化，市场不景气，创作、编导、音乐等各类专业骨干力量后继无人等一系列问题的困扰仍然很严重，这无疑给汉调二簧的保护和发展工作带来了许多困难。 　　面对这种现状，我认为，作为从业者，应该抓住大好机遇，鼓舞信心，脚踏实地地做好以下工作： 　　汉调二簧 　　重视传承 保留精华 　　 　　从目前情况看，在安康地区仅有一个专业汉剧演出团体，将汉剧的生存发展完全维系于一身，当务之急，必须尽快做好汉调二簧的传承工作。 　　对于老艺人，应抓紧汉调二簧的资料搜集整理工作，通过录像、录音、文字记录等方式，将他们所掌握的宝贵艺术遗产原原本本地纪录下来，以求尽可能完整地把珍贵的戏剧艺术资料保留下来。 　　此外，经过了5年的学习，50名学员从学校毕业，进入安康汉剧团试用，这是十分有利的条件，应该按他们各自的分工，来确定相应的老师，做好传帮带；定目标，定任务，真正落到实处；定期考核检查，使这批学员尽快成为有用之才。 　　汉调二簧的艺术遗产，只有先努力传承下来，才能在此基础上汲取其精华，在保留的基础上进一步发展。 　　与时俱进 不断创新 　　 　　汉调二簧传统深厚，程式规范，形式完美，特色鲜明，技艺精湛，行当多样，流派纷呈，这些都是在表现古代生活和古代人物的过程中逐渐成熟而形成的，是极其宝贵的财富。但是在它成为一个个比较完整的剧种之后，仍然需要根据观众的变化，以及观众的欣赏习惯，不断对自身进行改造，只有这样，才能保持住旺盛的生命力。 　　此外，还要不断推出新剧目，使其在思想内容上贴近时代、贴近生活、贴近群众；在音乐、导演、舞台美术等方面，也应在继承传统的基础上不断创新，使其既保留传统戏曲艺术的珍贵遗产，又能体现出新的时代气息，以适应当代观众的文化需求。如果我们不主动地使地方戏曲在现代社会文化生活中发挥其审美作用，那么，这些剧种最终会被观众所遗弃，昔日的辉煌只能是永存于史册之中了。 　　汉调二簧 　　加强实践 培养新人 　　作为一个被列为重点非物质文化遗产保护项目的独特剧团，应该把保护和发展作为重点任务，坚持不懈地探索汉调二簧适应现代社会的路径；勇于实践，使汉调二簧这一具有深厚根基的地方剧种不断延续和发展。 　　对于汉调二簧的保护，培养艺术新人也是一项不容忽视的工作。新人只有在反复地实践中才能得到锻炼，才能逐步提高，才能领悟传统艺术的真谛，应该抓好传统优秀唱段表演、传统优秀剧目表演、新剧目的排练等环节，举办各类演出活动，给年轻人更多的实践机会，让他们在艺术实践中锻炼成长。 　　第一批国家级非物质文化遗产名录的公布，也给汉调二簧的保护和发展展示了美好的前景，只要我们抓住机遇，扎扎实实地做好我们的工作，汉调二簧这个古老的地方剧种，一定会绽开新的花朵。